エ−スマップ映画案内ホームページ作成費用をコストフリーにするアドマック

テレビのことですが

2011-11-04T22:35:00.000+09:00

最近、テレビもなるべく見るようにしてるんですが、どうにもこうにも、見るべき番組、見たい番組、見て面白い番組がない。というか、あまりに少ないですね。

映画はというと、以前はレンタルビデオも、BSの映画放送も見ていたし、たまにはDVDを買ったりしてたんですが、日本でもついに今年はHuluが登場してしまいまして、アメリカ本国よりなぜか料金がやたら高いんですが、それでも月額1500円ぐらいの定額で見放題。そうなると、どうしても見たくてHuluにない作品以外は、Huluで十分だということになります。

最近は、ベンジャミン・バトンと、ドラゴンフライを見ました。どっちも素晴しい作品です。おすすめです。

Hulu で生活が変わるかもしれません。

2011-09-08T23:08:00.001+09:00

今どきのアメリカ人がみんなはまっているという映画やテレビドラマ見放題のサイト、Hulu が、ついに日本でも始まりましたね。とりあえずクレジットカードなど登録しておくと１か月は無料で見られるというので、筆者も始めてみました。

これはもしかすると、レンタルビデオも、DVDの購入も、CS放送を契約する必要も、まったく必要なくなってしまうかもしれません。そうなるときっと生活が変わるでしょうね。どこにいても、ある程度高速でネットにつなぐことさえできれば、そこがすぐにビデオライブラリーになってしまうわけです。

有線がやっているギャオというサービスもありますが、高解像度にならない画質と、フルスクリーンにならない点が不満でしたが、Hulu ならそうした不満も解消されます。途中まで見て、パソコンを切ってしまっても、どこまで見たか、ちゃんとおぼえてくれているというのも助かります。

http://www.hulu.jp

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Mamma Mia! （2008）

2011-07-23T23:23:00.000+09:00

今からもう３０年も昔のこと、ヨーロッパで大人気だったスウェーデンの４人組ミュージシャン、ABBA のヒット曲だけを使って作られたミュージカル「Mamma Mia!」は、初演が1999年のロンドンだったそうですが、その後世界中で上演されてきました。

映画になって公開されたのは、初演から10年近く経った2008年の７月。ところがどういうわけか、日本で公開されたのはそれから半年も経った2009年の1月31日だったんですね。

第二次世界大戦の戦前、戦中に公開されたアメリカ映画などが、何年も経った戦後にやっと日本でも公開されたということはかつてありましたが、21世紀にもなって、欧米の公開から半年待たされるというのはどうしたことだったんでしょう。ご存知のかた、教えてください。

ABBAの曲も素晴しいし、ドラマのストーリーも底抜けに楽しい、舞台の方と比べてどうなのかは知らないんですが、映画作品としても文句なしに明るく楽しいものになってます。まだご覧になってない？それはもったいないですよ〜！

アニー（Annie 1982）はなぜ評価が低い？

2011-05-06T09:30:00.000+09:00

ジョン・ヒューストン（John Huston）監督、1982年に公開されたアメリカ映画のミュージカル「アニー（Annie）」。

ビデオは主人公が伴奏なしで「 Tomorrow 」を歌うシーンの一部です。誰でも聞いたことのある名曲です。

孤児のアニーが、両親に再会することを夢見て・・・というストーリーですが、 Internet Movie Database では、10点満点中６点（☆６コ）しかついていません。なぜこんなに評価が低いのかと。

筆者は公開当時、確か東京は新宿の大きな映画館へ観に行きました。すごく感動した、という記憶はありません。なぜか今ひとつ印象が良くないまま、きょうまで30年近く経ってしまいました。

それをきょう観る機会があったので改めて考えてみますと、やはりこの手のシンデレラストーリーというのは、観衆の共感を得にくいのではないかと思います。

両親がいないかわいそうな孤児の女の子。とてもかわいい。誰にも愛されるナイスキャラです。

親の愛情を受けずに育つ子供は、なかなか良い性格に育つのは難しいというのが一般的です。子供にとって何より大事なのは、安心して育つことのできる「居場所」があること。その居場所のない子は、普通にグレます。

たとえ両親が揃っていても、母子家庭や父子家庭でも同じことで、帰ってくる家に安心できる居場所がなければ、その居場所を求めて精神的にさまよってしまうのが普通なのです。

それでも健気に明るく生きるアニーですから、映画を観る人はアニーに対する愛情を感じていいはずです。

ところが、アニーの不幸という重大なる問題を解決するのが、アルバート・フィニー（Albert Finney）演じる大富豪です。大富豪の財力と地位をふんだんに遣って、最後はハッピーエンドになるのです。

困難な問題をお金や地位、あるいは権力で解決するというのは、物語の書き手にとってはとても安易なことではないでしょうか。その安易さが、かわいいアニーへの共感を阻んでいるように思えます。

トイ・ストーリー３

2010-12-29T19:55:00.000+09:00

うちの子どもたちは封切りで見ていたのですが、今月DVDを買ってやっと見ました。泣くよと言われてはいましたが、泣けます。やばい映画です。こんなに泣けるとは思いませんでした。

終わりの方のシーン、うっと来ました。え？泣けるって、ここじゃないよな？え？ううっと来ました。そこでした。

お父さんでもおやじでも泣けます。泣けない人が信じられなくなりそうな映画です。

最近、ホームページ制作会社として、高い料金（すごい労働時間で作るから高いつもりは全然ないんですが）でホームページ作成をやるよりも、どうぞご自分でも作ってみてください、手取り足取りお教えしますよ、という指導書を作ることになりまして、今週から発売開始となりました。

会社サイト、お店ホームページの費用を０円にするという素晴らしい指導書です。ワードぐらいなら何とかできるという方なら、誰でも本格的なサイトが開設できてしまいます。更新費用もかかりませんし、広告を強制されることもありません。本当のフリーホームページです。しかもデザインも良くて、全てがいじれてしまいます。

もっとも、弊社のCMS「２５度」には遠く及びませんが、それでも十分以上の立派な会社サイトやお店のホームページができます。

「ジャストワンカフェ・インターナショナル」といいます。
会社サイトやお店のホームページがコストフリーでできる指導書。

アバター（Avatar 2009年ジェームズ・キャメロン監督）

2010-02-07T15:52:00.002+09:00

1954年8月16日カナダのオンタリオ州カプスカシング生まれの55歳、James Francis Cameron というこの監督、『2001年宇宙の旅』（"2001: A Space Odyssey" 1968年スタンリー・キューブリック監督）や『スター・ウォーズ』（"Star Wars" 1977年ジョージ・ルーカス監督）に魅せられて映画制作にのめり込んだそうです。

『ターミネーター』（"The Terminator" 1984年）、『エイリアン２』（"Aliens" 1986年）で興行的に成功し、1997年には『タイタニック』（"Titanic"）でアカデミー賞11部門受賞、興行成績でも歴史的な大ヒットとなりました。

そのジェームズ・キャメロン監督が、1990年代からの長年の構想と模索を経て昨年末に公開されたのが『アバター』です。

予告編を最初に見たときは、ディズニーキャラの出来損ないみたいなCGキャラクターに拒絶反応が出てしまった筆者ですが、さてきょうはとうとう観てまいりました。

すごいです。大したものです。『タイタニック』を見終わったときのような満足感があります。破綻のない、緻密でダイナミックな、丁寧によく作り込んだ作品でした。

テーマになっているのは、「理想の人類」対「現実の人類」です。「現実の人類」にあって「理想の人類」にないものは、破壊や略奪です。西欧文明が、破壊と略奪によって増長してきたことを、この作品ははっきりと示します。もちろん同時に、破壊と略奪の被害者であった素朴な人類の悲劇も突きつけます。

そして私たち観客に問うのは「さあ、あなたはどっち側？」ということでしょうか。

これを問われたアメリカ政府は「反米思想だ」とも言うでしょう。中国政府も面白くないかもしれません。しかし人類には、略奪する側、される側という単純な対立はないのかもしれません。される側だったはずのアフリカの人々だって、民族対立などで虐殺や流血を繰り返しています。となるとやっぱり、悪いのは政治権力でしょうか？

そんな小難しい話はともかく、キャメロン監督とそのスタッフの想像力の豊かさが成功しています。もっとも、別の映画でいつか見たこともあるような気がしないでもないんですが、緻密にしっかり作り込まれているからこその成功なんでしょう。

筆者としては、百点満点をつける気持ちはありませんけれども、生身の俳優の登場が少ないこの作品がアカデミー賞で何部門受賞するか、今からとても楽しみですね。いい年をして美しい裸体まで披露してくれた『エイリアン』のシガニー・ウィーバーも含め、出番の少なかった俳優さんたちの受賞はない方がいいと思いますが。

マリオン・コティヤール、地声で「ミロード」を歌う！

2009-11-26T22:44:00.001+09:00

Marion Cotillard sings "Milord" by her own real VOICE!! (Duet with Jenifer Bartoli.)

これは貴重なビデオだと思いました。日ごろテレビを見ないので、うかつに「貴重」とか言えないんですが、エディット・ピアフ( Edith Piaf )の伝記映画「La Môme (2007)」（エディット・ピアフ〜愛の讃歌〜）でピアフを演じ、フランス語の映画にも関わらずオスカー主演女優賞を受賞したマリオン・コティヤール。

映画ではもちろん、ピアフの残してくれた録音を最新技術で磨き上げて、さも新しい録音であるかのような素晴らしい音質で聞かせてくれました。つまり、クチパクというやつですね。ということはつまり、映画の観客である私たちは、コティヤールの地声での歌を聴いてはなかったわけです。

さあそこで、このビデオ。聴いてみてください。コティヤールの歌う「Milord （ミロード）」。ジェニファー・バルトリとのデュエットになってます。

映画「La Môme (2007)」（エディット・ピアフ〜愛の讃歌〜）

素晴らしい作品であることは異論のないところでしょう。ピアフの生涯をかくも美しく、悲しく、愛しく描いてくれたオリヴィエ・ダアン監督の力量とピアフへの愛、本当に尊いものを見せていただきました。

ただひとつ、これは公開前からずっと心配だったことなのですが、ピアフを演じるコティヤールのことです。見た目が、あまりに違うのです。

まず顔。ピアフの繊細で壊れそうな美貌。心に涙をいっぱい湛えているかのような笑顔。そしてとにかく顔のタイプ。そういったものが、コティヤールは全然別物のように思えました。

次に、これが一番心配だったのですが、身長！

ピアフは147センチ。いくら20世紀前半からの人だったとはいえ、欧米世界にあっては子供のように小柄です。その小さな体から信じられないような声量と情感でシャンソンを歌い上げてきたのがピアフです。世界から絶大な賞賛を浴びてきた、小さな芸術家なのです。

一方のコティヤールは169センチ。立派な体格だと言わなければなりません。上のビデオでもバルトリより背が高いようです。そんな背の高い人が、ピアフをどう演じるのだろうと、私はただ心配でなりませんでした。

映画が公開され、すでにDVDも出ました。見てみればやはり「小さな芸術家であったことは横に置いといて…」の作品になっていました。

とはいえ、問題があるとすればその一点のみ。あとは非常に良い作品だったと思います。
最後にピアフ本人の歌う「Milord」もご覧下さい。

インベージョン（The Invasion）2007年オリバー・ハーシュビーゲル監督

2009-10-27T22:57:00.001+09:00

スペースシャトルがウイルスに冒されて墜落！　その破片から病原菌がアメリカ中に、さらに世界に蔓延するという、はっきりいって荒唐無稽なんですが、そうも感じさせない、なかなか面白いSF映画です。

荒唐無稽なフィクションを成功させる方法、それは、とことんリアルに作ること。

映画はどのみちバーチャル体験、つまり現実ではなく夢の世界なんですから、いかにリアルに体験できるかが一番大事なところでしょう。この映画では、それが一応何とか成功したといえるのではないかと思います。少なくとも、アニメチックだった『I am Regend』よりは、リアルです。

ニコール・キッドマンとダニエル・クレイグという魅力的で実力のあるタレントが、私たち観客を緊張感あるストーリーにぐいぐいと引き込んでくれます。子役のジャクソン・ボンド（Jackson Bond）君も可愛くて、とても人ごととは思えない気持ちにさせるのに大きく貢献しています。

ただ問題は、「世界平和」という政治的メッセージを、台詞にまで登場させてしまったことでしょう。ストーリー展開の中で観客がそれに気付くというところまでは良かったと思うのですが、そこから何度も台詞に出てくるのには閉口してしまいました。

基本として、こんな映画は面白ければいいんだから黙ってなさいよ！　と言いたくなります。

1984年のアメリカ映画『殺しのレストラン』

2009-06-16T00:29:00.000+09:00

1984年のアメリカ映画『殺しのレストラン』を見た。

なんていうと本当にありそうな気がするが、そんな映画はありません。『殺しの…』という邦題がつく映画はいくつかあると思いますが、『…レストラン』はないのです。

そんなありもしない題名で架空の映画をでっちあげるというのも一興かもしれません。あらすじなんて、すぐにでっちあげられそうですし、主演女優とか、監督とか、ありそうな人の名を入れて「見た。」なんて言えば、けっこう信じる人もいそうです。

何十回見ても飽きない映画

2009-04-16T22:48:00.000+09:00

良い映画は数々あれど・・・何十回見ても飽きない映画となるとそうありません。
自分が今までに見た映画のうち、何十回といえるほど何度も見た映画は次の通り。

『街の灯』チャップリン
『黄金狂時代』チャップリン
『犬の生活』チャップリン
『キッド』チャップリン
『モダン・タイムス』チャップリン
『カサブランカ』
『道』フェリーニ
『燃えよドラゴン』

まだあったかもしれませんが、やはりチャップリンは超えてると思います。何を超えてるかというと、映画というジャンルを超えているんですね。

壁にずっと掛けておいて部屋の一部であり続けるだけの絵画。または庭に存在する彫刻。いつ流れてきても聞き飽きるという感情とはまったく無縁の音楽のように、チャップリンが命懸けで作ってきた映画作品には、「見飽きる」という感情の入り込む隙がありません。

ショコラ

2009-04-13T00:42:00.000+09:00

ショコラという映画がありました。ジュリエット・ビノシェ主演。子連れのシングルマザーが堅苦しい田舎町でチョコレート屋さんをオープン。そんなもの敬虔な村の人は食わない！という勢力と、やっぱり食べたいという人々との対立がユーモラスに描かれていきます。

チョコレートですね。
これは、好きな人の多い食べ物です。クッキーより多いでしょう。日本でも、お餅より多そうです。上手に作ってオリジナリティーもあれば、きっと儲かりそうな商売です。

おくりびと　※ 送り人

2009-03-17T20:03:00.000+09:00

『おくりびと』ＤＶＤ、いよいよ明日、2009年3月18日発売です。
当サイトでは、一日早く入手できまして、たった今、鑑賞させていただいたところです。

さあ、この映画。やばいです。何がって、涙が噴き出すんです。ハンカチの準備をしっかりされてからご覧ください。人間と人間の、切り離しようのないつながりが、じっくりと泣かせてくれます。

アカデミー外国語映画賞を受賞しました。おめでとうございます。
2008年、滝田洋二郎監督作品。本木雅弘主演、名作です。

映画に外国語はつきもの。翻訳は大変な仕事ですが。

2009-03-15T21:45:00.000+09:00

誰でもやはりよく見るのがアメリカ映画ですね。英語＋字幕というのが、最もポピュラーな映画の見方かもしれません。フランスなどでは、映画館でも吹き替えがメインですが、日本人の私たちは、たとえ英語が理解できていなくても、英語でスターの生の声を聞きながら、日本語の字幕で映画を見ることに慣れています。

字幕を書いているのは翻訳者の人たちです。耳で聞いて英語にしているので、通訳ともいえるのかもしれませんが、いずれにしましても、英語の微妙なニュアンスを日本語で表現するのはけっこう大変な仕事です。

その逆に、私たちが日本語で伝えたいことを、英語に翻訳したり、中国語に翻訳したり、韓国語に翻訳したりするのも大変です。それには、日本語がわかる日本人ではなくて、英語や中国語や韓国語が自由に使える外国の人たちの助けも必要になります。

アドマック株式会社は、ことばの壁を解決します。中国語翻訳・韓国語翻訳・英語翻訳から、印刷・ホームページ制作まで、すべて国境なし。中国人、韓国人、イギリス人など、優秀なスタッフがそろっています。印刷物からホームページ、あるいはお店のメニューや、ホテル・旅館の各種案内表示や看板まで、何でもおまかせください。

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ファイト・クラブ

2009-03-14T22:31:00.000+09:00

『ファイト・クラブ（Fight Club）』1999年デヴィッド・フィンチャー監督

サイコスリラーの傑作です。ヒッチコックが元祖ではないかと思われるサイコスリラー、またはサイコサスペンスですが、ハリウッドの映画はこのジャンルでも着実に進化していてファンの期待を裏切りません。

この『ファイト・クラブ』の４年後2003年には、ジェームズ・マンゴールド監督、ジョン・キューザック主演により『アイデンティティー』というさらに怖い作品も生まれています。

『ファイト・クラブ』主演のエドワード・ノートンと、『アイデンティティー』主演のジョン・キューザックは、そのキャラクターがダブって見えるところもありますね。

さて内容は、ネタバレになるといけないのであまり書かないでおくことにしますが、原作者は私たちに、明らかに質問を投げかけていますので、以下にまとめてみたいと思います。

・この世界で普通に暮らすことに対して、たまには疑問をもってみませんか？
・本当に自分の生き方をしていますか？そうでない場合、そうあるための努力は？
・あなたが囲まれている車や家具や家電、本当に必要ですか？

そしてもうひとつのテーマは、睡眠です。夢の世界と現実の世界。私たちは誰でもその二つの世界で生きているわけですが、時にはどっちが夢なのか、よくわからなくなることがあります。眠っているときの方が本当の自分で、目覚めているときは本当ではない。え？逆では？とも思いますが、さあどっちなんでしょうね？

また、神の存在ということも、隠しテーマかもしれません。誰にでもあるはずの神性というもの。つまり誰の中にも神が偏在しているということですね。もし可能であれば、その神との対話を果たしたいものですが、現実の、現実的な生活を送っていると、なかなか難しいというのが現実です。じゃあ神は現実ではないのか？

そのあたりのことについても、『ファイト・クラブ』は面白い示唆を与えてくれるでしょう。

『怒りの葡萄』(The Grapes of Wrath)

2009-02-24T23:16:00.000+09:00

1940年のアメリカ映画、ジョン・フォード監督による白黒フィルムですが、NHKのBS2が、アカデミー賞作品を特集していて、昨夜9時から放送してくれました。

昔むかし、見たことがあります。なんと悲惨な！と思ったものです。理不尽なる境遇が、家族の人生や絆までも崩してゆく。貧困というものの残酷さを見せてくれます。改めて見ると、なんとも政治色の強い作品であることに驚きます。

ハリウッドでは、1940年代に赤狩りが行われましたが、この作品もまるでソ連映画のようです。貧困に苦しむ者が戦うべき相手は誰なのか。劇場に足を運んだ人々に、そう問いかけているんですから。

主演はヘンリー・フォンダ。明治38年生まれ。ピーター・フォンダやジェーン・フォンダのお父さんですね。この作品当時35歳という若さです。共演者に、ジョン・キャラダイン（キャラディン）がいます。この人も、息子や孫が映画スターですね。「フォンダ」に「キャラダイン」。なんともハリウッドらしい名前が競演しているわけです。

ハンコック（Hancock）

2009-02-06T00:19:00.026+09:00

昨年公開されて、DVDも発売されたばかりのファンタジーアクション映画です。
スーパーヒーローの映画ですから、比較されそうなのは、スーパーマン、バットマン、スパイダーマンなどなど。
この映画の主人公スーパーヒーローは、ジョン・ハンコック（男性器を意味する隠語でもある）というアル中で、いわゆるダーティーヒーローです。

従来のヒーローと違うのは、ダーティーなところ、という以前に、彼が黒人であることでしょう。
アメリカでは、政治の世界でもバラク・オバマ大統領の時代となりましたが、それに先駆けて、白人ばかりだったスーパーヒーローの世界に、黒人が登場したわけです。

昨年（2008年）は、モーガン・フリーマンという名優を失ったハリウッドですが、『ハンコック』主演のウィル・スミスは、いまやハリウッドを代表するスーパースターでもあります。

『ハンコック』が面白いのは、ヒーローがダーティーだというだけではありません。ジェット機のように空を飛ぶヒーローものが荒唐無稽であるのは当然の前提なんですが、この映画のヒーローには、飛べても不思議ではないという壮大な物語が背景に用意されています。

「天使、神、現代でいえばスーパーヒーロー」という台詞が出てくるんですが、そこに語られる通り、もしも神や天使が実在したのであれば、このようなスーパーヒーローがいても不思議ではないだろうというわけです。そのあたり、妙に納得したくなるところでした。

実はもっと詳しく面白く書きたかったんですが、映画のおもしろさをとにかく体験してみてください。DVDもわりとお得な価格設定になってます。

山口百恵の、30年以上前の映画・・・。

2009-01-15T21:32:00.000+09:00

日本映画専門チャンネルでこのところよくかかってます。
30年以上昔の、山口百恵の純愛もの映画です。

改めて見てみますと、山口百恵という人の無能さがわかって、ただ驚くばかりです。

演技力、ゼロ。
これは中学高校の演劇部の入部テストでも不合格になりそうなレベルです。
まったく見ていられません。というか、見ていると不愉快になってきます。
相手役（三浦友和）を愛して見つめる目も、まるで死んだ魚の腐った目のようです。
しかも、どんな場面でも同じ死んだ目をしています。
途方に暮れてしまいます。

歌唱力、ゼロでしたねぇ。
曲には恵まれたのかもしれませんが、人に聞かせるような歌では到底ありませんでした。
なんとか音程は外さずに歌えたというだけで、感情もなにも伝わってきません。

さらに、美貌もありませんでした。
はっきりいって、醜女（しこめ）、つまりドブスです。

いったいこの山口百恵なる女性が、なんであんなに人気があったんでしょう。

日本という国は、つくづく不思議な国だと思う次第です。

スティーブン・ソダーバーグ監督の『トラフィック』

2008-12-29T20:58:00.005+09:00

スティーブン・ソダーバーグ（Steven Soderbergh）監督の『トラフィック（Traffic）』2000年のアメリカ映画です。

当サイト一番のお勧め映画『エリン・ブロコビッチ』と同じ年、同じ監督による作品ですが、こちらはアカデミー賞４部門を受賞しています。

スティーブン・ソダーバーグの何がすごいといって一言でいうなら、「出てくる人物が全部リアル！」というところでしょう。『エリン・ブロコビッチ』でもそうでしたが、端役にいたるまで、どの人物もどの人物も、みんなひとりひとりが生きてるんです。目の動きひとつで、その人物がどんな性格なのか、どんな立場にあるのか、どんな考え方で生きているのかということまで、果てしなく奥深く想像させてくれます。

試しに、端役で登場しているアルバート・フィニー（Albert Finney）を『エリン・ブロコビッチ』と比べて見ればわかります。『エリン・ブロコビッチ』では準主役的にフルに登場しているフィニーですが、まるで同一人物とは思えません。特にその性格と人物の背景がそれぞれで全く異なりますから、メイクで差をつけているわけでもないのに、全然別の人物として、両方の映画でしっかり生きています。また、薬物中毒の高校生を演じたエリカ・クリステンセン（Erika Christensen）も、痛々しいまでにリアルでした。筆者もちょうど同じ年頃の娘を持つ立場になって改めてこの映画を見ると、クリステンセンの演じた女子高校生が、クリステンセンという若い女優ではなしに、登場人物のキャロラインとして実在しているとしか思えないことに驚きます。

これは本当に、なかなかできることではありません。特に日本映画が最も苦手とする部分でしょう。歌舞伎などの役者の伝統が強いせいだと思いますが、日本映画に登場する俳優、女優というのは、登場人物になりきるのが非常に苦手で、どうしても役者本人の個性が前に出てきやすいという欠点があります。

日本でも「役になりきる」とか、「真に迫った演技」だとかいった褒め言葉があるにはあるんですが、ハリウッド映画もソダーバーグ級の名監督の作品と比べてしまうと、はっきりと雲泥の差があることを認めないわけにはいかないでしょう。いくら日本映画びいきのファンや評論家でも、そこに異論はないはずです。

この名作『トラフィック』では、もし観客が登場人物を演じた俳優たちを知らなければ、ドキュメンタリーではないかと錯覚するはずです。しかも、本当のドキュメンタリーよりもさらにリアルで、リアルさゆえの怖さがひしと伝わってくるのです。

ほぼ主演といってよいところに、ベニチオ・デル・トロ（Benicio Del Toro）がいます。筆者はこの映画で初めて彼を知ったんですが、アカデミー助演男優賞に輝いた彼の演技力がすごいのはもちろんなんでしょうけれども、彼の演じるロドリゲスという人物を、銀幕を超えて実在させてしまったかのようなソダーバーグの力量は想像を絶しています。

DVDは入手しづらくなっています。発売されたのは公開直後ごろでしょうか。今手にはいるとしても、CDケースに入った古いDVDのみのようです。ちょっと価格も高いですね。

アルフレッド・ヒッチコック監督の『レベッカ（Rebecca）』

2008-10-14T23:28:00.001+09:00

パブリックドメインとなって著作権フリーで鑑賞できる永遠の名作をご案内します。
1940年、アルフレッド・ヒッチコック監督の『レベッカ（Rebecca）』です。

サスペンス映画というもの。どこをどう、なにをどう、観客に怖がらせるか。サスペンス、スリラーの永遠の課題を、戦前すでにここまで鋭く答えてくれたのが天才ヒッチコックです。とにかく怖い。グロテスクもなく、残酷シーンもなく、殺意さえないところにただある恐怖をじっくりとお楽しみください。

以下は日本語字幕なしの英語版ですが、最近では字幕入りが百円ショップでも手に入るかもしれません。画質にうるさくない方は是非ご覧ください。

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出演
ジョーン・フォンテーン
ローレンス・オリヴィエ
ジョージ・サンダース
ジュディス・アンダーソン

1941年度アカデミー最優秀作品賞受賞

日本公開 1951年4月7日

☆トリビア ☆

ヒロインのジョーン・フォンテーン（Joan Fontaine）は、オリヴィア・デ・ハヴィランド（Olivia de Havilland）のひとつ年下の実妹。この美女姉妹は1916年と1917年に、イギリス人弁理士の娘として東京で生まれました。オリヴィア・デ・ハヴィランドは、『レベッカ』の前年、1939年の『風と共に去りぬ（Gone With The Wind）』のメラニー役として今でもファンの多い清楚な女優さんですね。

レミーのおいしいレストラン（Ratatouille）

2008-06-04T16:10:00.004+09:00

Pixar's "Ratatouille" 2007 Brad Bird 監督
2007年アカデミー最優秀アニメーション映画賞受賞

ピクサーの『レミーのおいしいレストラン』です。
劇場公開を見に行き、DVDが発売されるやすぐに購入しました。
こんなに価値を感じる作品を生み出し続けている映画会社は他に類を見ません。

ピクサー映画の何がそんなに人々を引きつけるのかといえば、
それは、実写映画を超えていることだと思います。

CGアニメの技術は1990年代から飛躍的に進歩して、
このまま行けば、「実写に限りなく近づくだろう。」と誰しも思いましたが、
ピクサーの出してきた回答は、「実写に近づく」ことではなくて、
「実写を超える」ことだったんですね。

実写に近づくだけなら、そもそも最初から実写があるんですから、
なにもCGアニメでそれをやる必要はありません。
本当にやるべきことは、実写では描けない世界を描くことでしょう。

多くの実写映画でCGを活用しているのも、
実写では描けない難しいものが、CGなら可能だからということなんですが、
ピクサーでは、最初から実写以上を作ることを目指しています。

では、実写以上とは、何かといえば、それはまず、美しい映像です。

この作品でも、映画が始まると同時に、
きっとこれは高名なイラストレーターが精魂込めて描いたであろうと
思わせるような美しい絵が映し出されます。

ところが、その絵はスクリーンや絵本のような平面の絵ではなくて、
ちゃんと立体として存在しているものなのです。
カメラが角度を変えて近づけば、絵だと思ったその美しい世界は、
立体物として動き出すわけです。

私たち観客は、最初の十数秒で、もうすっかりその絵の世界に入り込んでしまいます。
絵の世界では、なにもかもが立体で、本当に存在しているんですね。

こうして引き込まれた美しい世界では、
すべてが命をもって輝いています。
また悩んだり、けんかをしたり、愛し合ったりしています。
人間ドラマのすべてがちゃんと展開して、
なおかつそれは、美しい絵の世界なのです。

従来の「アニメーション」というジャンルでは分類しきれない映画世界がそこにあります。
それは他でもない、ピクサー世界なのかもしれません。

カリフォルニア

2008-03-18T20:47:00.001+09:00

『カリフォルニア（Kalifornia）』（1993年ドミニク・セナ監督）

いまちょうど、Gyaoでやってます。CMがちょっと入りますが、無料で見られるんです。
主演はブラッド・ピット。
これほど強烈な印象を残すキャラクターを演じたブラッド・ピットは、
俳優としてすごい実力の持ち主ですね。

相手役を演じたジュリエット・ルイスも強烈でした。
ルイスの演じたあどけない少女のようなアデルも見る者の心に生き続けます。

テーマとなっているのは、犯罪者、それも殺人犯の心理です。
いったいどうしたら人殺しなんてことができるのか、
普通なら到底殺人などできないわけですが、
それができてしまう、しかも繰り返すという鬼畜が存在します。
いったいどうして？
そして、殺さないときは普通の人と変わらないのか？

『カリフォルニア』では、ある殺人者の場合について、
その生い立ちなどの背景説明をほとんどせずに描いています。

いまここにいる殺人者。
ブラッド・ピットの演じた鬼畜の存在感がリアルです。

デイリーアドマックより、ミッキーマウスの『蒸気船ウィリー』

2008-01-04T14:13:00.000+09:00

日本でいえば昭和初期の作品であるが、現代のアニメや戦後のアニメには到底不可能な独特の面白さを味わっていただけるだろう。

トーキー映画（映画に音が入って現在にも至る映画方式）初期の「サウンド・カートゥーン」として、ミッキーマウスの世界デビュー作となった1928年の『蒸気船ウィリー（Steam Boat Wllie）』から、1935年のカラー作品「The Band Concert」まで、デイリーアドマックが YouTube から拾い集めた著作権切れ「ミッキーマウス・クラシック」。

1928年（11月公開）　『蒸気船ウィリー（Steam Boat Wllie）』

もっとご覧いただくことができます。デイリーアドマック »

アパートの鍵貸します

2007-12-10T08:43:00.000+09:00

『アパートの鍵貸します（The Apartment）』（1960年ビリー・ワイルダー監督）

ロマンチック・コメディーの、ひとつの最高傑作として、永遠に生き続ける作品です。
まだご覧でない方には是非、なんの下知識もなしでご覧いただきたいと思います。

ここでは余談となることをちょっとご紹介します。

この映画が公開されたのは、昭和３５年。
日本では「もう戦後ではない。」といわれ、高度成長期に向かった年でした。
とはいえまだまだ、テレビが全世帯に普及していたわけでもありませんでしたし、
自家用車を所有する人も増えてきましたが、まだ夢の部類だったといっていいでしょう。
テレビ・冷蔵庫・洗濯機が三種の神器といわれ、
これを揃えることが当面の目標だったようです。

日本ではそんな時代、アメリカではどうだったのか、
舞台はニューヨークという大都会ですが、
ジャック・レモン演じる主人公は保険会社の平社員で、アパートに一人暮らしをしています。

その部屋の様子を見ますと、その豊かさに驚かされます。

まずエアコン。
これは設置されたばかりという設定ですが、
日本人のほとんどは、仮にその存在を知っていても、まだ考えもしなかったでしょう。

次にテレビのリモコンです。
白黒テレビがあるというだけでも十分すごいことなのに、
彼の部屋のテレビは、うるさいコマーシャルにうんざりするとはいっても、
ちゃんと手元でチャンネルを換えることができます。

冷蔵庫ももちろん完備しています。
そしてそこに入っているのは、オーブンで簡単にできる冷凍食品なんですね。
日本では、きっとまだなかったことでしょう。
アメリカ映画によく出てきた「テレビディナー」というんでしょうか、
テレビを見る時間を犠牲にすることなく、
簡単に作って食べられる冷凍食品のディナーセットです。

1960年のニューヨーク、それはもうすっかり現代で、
この「現代」は、今でも続いているということのようです。

アイデンティティー

2007-11-10T20:18:00.000+09:00

『アイデンティティー（Identity）』（2003年ジェイムズ・マンゴールド監督）

サイコスリラーの傑作、といっていいと思います。

登場人物がひとり、またひとりと殺されていくお話、というと、アガサ・クリスティー原作の『そして誰もいなくなった（AND THEN THERE WERE NONE）』を思い出します。『Ten Little Indians』という童謡そっくりに、十人がひとりずつ消えていくストーリーでした。1945年、1974年などに映画化されています。

この映画、『アイデンティティー』については、うっかり書けばすっかり内容がばれてしまいます。ですからほとんど何も書けません。とにかく、見ていただくほかはないでしょうね。

バットマンビギンズ

2007-10-08T11:13:00.000+09:00

『バットマン・ビギンズ（Batman Begins）』（2005年クリストファー・ノーラン監督）

『バットマン（Batman）』（1989年ティム・バートン監督／マイケル・キートン主演）
『バットマン・リターンズ（Batman Returns）』（1992年ティム・バートン監督／マイケル・キートン主演）
『バットマン・フォーエヴァー（Batman Forever）』（1995年ジョエル・シューマッハー監督／ヴァル・キルマー主演）
『バットマンとロビン（Batman & Robin）』（1997年ジョエル・シューマッハー監督／ジョージ・クルーニー、アーノルド・シュワルツェネッガー主演）
･･･と続いてきた実写版映画『バットマン』シリーズの第５作となります。

が、『バットマン・ビギンズ』は、ここで改めて原点に立ち返り、原作コミックも重視して、さらに富豪ブルース・ウェインがいかにしてバットマンとなったかを詳細に描いています。

『バットマン・ビギンズ』で描かれるのは、まず、子供のときに目の前で両親が殺されたブルース少年の成長です。誰でもそのような目に遭ったら普通に育つだけでも大変なことだと想像できますが、富と社会的身分だけは完全に保証されていた少年が、それでも自分の無力さに悩み、その悩みをいかにして克服していくかを、観客の興味と期待を盛り上げつつ、観客の想像を超えたところを見せてくれます。

ブルースが中国のヒマラヤで出会う謎の組織には、ハリウッド映画常連となった渡辺謙演ずる「忍者の親玉」みたいなのがいます。ブルースをそこへと導くのがリーアム・ニーソン演ずるヘンリー・デュカードという、これも武術の達人です。この二人の師匠とその組織によって、ひ弱だったブルースが師匠を追い越すほどに強くなっていく過程もなかなか見応えがあります。そして、それほど強くなったとなれば、バットマンとして無敵のヒーローになるのも当然だと思わせてくれますから、単なるスーパーヒーローものだったこの物語にも俄然現実味が出てくるという仕掛けになっています。

主演は公開当時31歳、イギリスはウェールズ生まれのクリスチャン・ベール。アメリカ映画とイギリス映画に境界線はほとんどないわけですが、よくこう次々にかっこいい俳優が出てくるものだと感心します。

監督のクリストファー・ノーランもイギリス人ですが、脇を固めるのも、イギリスの実力派が揃っています。
ウェイン家執事のアルフレッドにロンドン生まれのマイケル・ケイン、1987年の『ハンナとその姉妹』、2000年の『サイダーハウス・ルール』で二度のオスカーを受賞しています。
前述のリーアム・ニーソンは北アイルランド生まれ。1994年『シンドラーのリスト』に主演してオスカーにもノミネートされましたが、それ以上に、名優としての評価が高い非常に俳優です。
先日ご案内した『プルートで朝食を』でニーソンと共演したキリアン・マーフィーもアイルランド生まれですね。

もちろんアメリカからも、2004年の『ミリオン・ダラー・ベイビー』でオスカー助演男優賞を受賞したほか、『ショーシャンクの空に』などで三度もオスカーノミネートを受けている名優モーガン・フリーマンが出演するなど、大変に豪華なことになっています。

たっぷり140分、制作費も１億3500万ドルだそうで、これこそが超大作というものでしょう。ここまでの制作費を投じるのは大変なリスクなわけですが、興行成績も大成功を収め、バットマン映画の中でも最高傑作と評される作品になりました。

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２番目のキス

2007-09-30T00:01:00.001+09:00

『２番目のキス（Fever Pitch）』（2005年ボビー・ファレリー監督）

2004年といえば、もちろんいろんなことがあったと思いますが、アメリカのメジャーリーグでは、ボストン・レッドソックスが、なんと1918年以来86年ぶりにワールドシリーズ優勝を果たした年でした。
どうしてもワールドシリーズ制覇ができずにきたことなど、レッドソックスの数々の不運は、ベーブ・ルースがレッドソックスからヤンキースに12万5千ドルで移籍して以来の「呪い」だといわれてきましたから、それまで家族何代にもわたって耐えに耐えてきたレッドソックスファンにとって、この2004年の優勝は大変なものだったようです。きっと阪神タイガーズが優勝したときの騒ぎどころではなかったんだろうと想像します。

レッドソックスは、全米で一番人気のあるチームだそうです。一生懸命やっていてもなかなか優勝できないチームというのは、決して憎まれることはありませんから、ヤンキースや読売ジャイアンツと違って「アンチ」がほとんどいないんでしょう。2004年に優勝したときは、きっと他チームのファンからも祝福されたことでしょうね。

この映画は、そんな2004年の、レッドソックス狂いの男と、そうでもない女とで展開する爆笑コメディーです。

主人公は数学教師のベン。ジミー・ファロンが演じます。７歳のときに叔父に初めてフェンウェイパークに連れてきてもらって以来23年もの間、レッドソックスの歴史的な試合を含めてほとんどの試合を見てきたという凄まじいファンです。

そんなベンが、2004年のシーズンの始まる前に、キャリアウーマンのリンジー（ドリュー・バリモア）に恋をします。ほぼ同い年でお互いにギャグのノリもぴったりですから最高にうまくいっていたんですが、試練の熱いシーズンを果たして乗り切れるか？というところが大いに見物となります。

仕事より恋愛より何より、どうしてもこれだけは優先させないわけにはいかないという趣味をもっているということは、一種の病気でもあるんですね。
そんな病気をいかに克服して仕事や恋愛を成就させるかということになるわけですが、もし恋人が趣味への熱狂を全面的に理解してくれたら、と考えるのは虫のいい話なのかもしれません。

ベンとリンジーが、ベンの病気をどう受け入れるのか、それともどう克服するのかを描いていきますが、コメディー映画としてとにかく死ぬほど笑わせてくれます。
笑いを取るには観客に先を読ませることだとチャップリンが書いていましたが、この映画の笑いは、まさにその点で絶妙です。

どうも最近笑いが不足しているなと思ったら是非、『２番目のキス（Fever Pitch）』をご覧ください。決して期待は裏切りません。

2007年の6月23日『エリン・ブロコビッチ』から毎日１本ずつ紹介してきて、今回が100番目の作品になりました。このブログはまださほどアクセス数が多くないので、まだご覧でない皆さんのため（？）にも、ここでちょっと小休止とさせていただきます。折を見て、ランキング、なんてのもやってみたいと思いますので、古い書き込みも含めて、どうか毎日読んでやってください。

愛に迷った時

2007-09-29T00:10:00.000+09:00

『愛に迷った時（Something to Talk About）』（1995年ラッセ・ハルストレム監督）

どうも筆者の一番の好みのジャンルは、ロマンチックコメディーの類で、特に魅力的な女性が二人以上出てくる作品ということがいえそうなんですが、この映画もほぼそういった作品です。

『愛に迷った時』というこの邦題、どう考えても妙ちきりんです。仕方ないので原題どおり、『Something to Talk About』を使わせていただくことにします。

いろんなタイプのキャラクターが出てきて、全員を生き生きと描くことにかけては、なかなかこの人の右に出る人はいないだろうというのが、ラッセ・ハルストレム監督です。『サイダーハウス・ルール』や『ショコラ』も最高の映画でした。

『Something to Talk About』では、主人公のグレイス（ジュリア・ロバーツ）、姉のエマ・レイ（キラ・セジウィック）、グレイスの夫エディー（デニス・クエイド）、グレイスのお父さん（ロバート・デュヴァル）、お母さん（ジーナ・ローランズ）･･･その他おおぜい出てきますが、誰ひとりとして記憶に残らない人がいない、これまで何度か書かせていただいている通り、筆者が良い映画だと評価する、それが一番の条件なんですが、見事にその条件を満たしてくれるのが、ハルストレム監督なんですね。

エディーに食べさせる料理に毒を盛れと、グレイスに入れ知恵したおばあちゃん（クレジットから判断してアン・シュロプシャー、という人だと思うんですが）など、さほどメインでない人物の全員が印象的なんですが、それぞれの出演者がほかの映画に出たときはどうだったかと考えますと、作品によっては全然記憶になかったりもするようです。

主演のロバーツにしても、すごい演技力で役になりきっていて、視線の変化や微妙な震えなどで心の機微を手に取るように伝えてきます。姉役のキラ・セジウィック（ケヴィン・ベイコンの奥さん）との姉妹ぶりもあまりにリアルで、顔まで似て見えるほどですからすごいものです。

現実世界にはひとりとして同じ人物はいません。そのひとりひとりについて、まず詳細に理解していることが、映画監督の条件でしょう。その上で、俳優たちを使ってカメラの前に、唯一のキャラクターを再現してみせるのが監督の仕事です。20人の登場人物がいたら、20色の、それぞれはっきり異なって現実にいるはずと思わせるキャラクターを生み出さなければなりません。

さらにそのキャラクターたちが互いにどう関わり、必要とし合って、ぶつかり合うのかを、微妙で複雑かつ誰にでも理解できる形で展開させなければならないんですから、まあ、並大抵の仕事ではありませんね。

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サヨナラ

2007-09-28T00:10:00.000+09:00

『サヨナラ（Sayonara）』（1957年ジョシュア・ローガン監督）

アメリカはミズーリ州の療養所で梅木美代志さんが他界されてからちょうど１か月が経ちました。享年78歳。アメリカ人でもイギリス人でもなく、アカデミー賞を受賞したのは梅木さんが初めてだったということで、日本よりもむしろアメリカ人の記憶に残った人でした。

梅木さんがアカデミー最優秀助演女優賞を受賞したのが、ジェイムズ・ミシェナー原作のラヴロマンスを映画化した『サヨナラ』です。なかなか観る機会はありませんが、日本人が見て必ずしも面白い映画ではないためかもしれません。

その、面白くない点をあげてみましょう。
マーロン・ブランドの相手役としてヒロイン花荻（はなおぎ）を演じた高美以子（たか・みいこ）、上にご紹介する予告編でも案内役として登場していますが、この人がとにかく一番面白くないんです。アメリカのシアトル生まれですから、日系の二世ではないかと思いますが、『サヨナラ』が映画デビューです。これも憶測で言ってはいけないんでしょうけれども、ほかに英語を流暢に話す日系「美人女優」がいなかったのではないかと思われてなりません。
容姿はまあ、ヒロインを演じられるレベルにあるとは思いますが、演技がまるでなってません。全体、オマヌケさんという形容がぴったりくる雰囲気で、マーロン・ブランドより長いのではないかと思われる細おもてのおも長で、半開きにした厚い唇は常に右側が吊り上がって歪んでおります。それも容姿だといえば文句はつけられませんが、あれは容姿がどうのでなくて、彼女の真剣さと才能の問題だと思います。

ブランド演ずるロイドが、松林歌劇団（宝塚）の花形スターである花荻を見て、こんなに美しい人は見たことがないというんですが、口元にもうちょっと真摯さが伝わってくれば同意できます。どうにもあの口元は、アメリカでは決して見苦しいものではなかったんでしょうね。その点で、日米の文化の違いが最も大きく出ていたということになるのかもしれません。しかしそれ以上に演技力の不足は目に余るものがありました。きっと人間は魅力的な人なんだろうと思いますが、仕事はもっとシビアにやってもらわないと困ります。

そんな高の不足を埋めてくれたのが、ナンシー梅木でした。梅木はちっとも美人ではないんですが、北海道生まれで戦後、この映画のほんの数年前に渡米して音楽を学んでいた人ですから、日本人が日本人を演じ、日本人から見てもなんら不都合のない演技を見せてくれました。出番は決して多かったとはいえない「助演」でしたが、『サヨナラ』を見たすべての人々の記憶にしっかりと残った結果がオスカーだったんでしょう。

梅木美代志さんのご冥福を祈ります。

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プルートで朝食を

2007-09-27T00:13:00.000+09:00

『プルートで朝食を（Breakfast on Pluto）』（2005年ニール・ジョーダン監督）

キリアン・マーフィー主演。『バットマン・ビギンズ（Batman Begins）』（2005年クリストファー・ノーラン監督）で、若くて眼鏡をかけたあの恐ろしいスケアクロウを演じていた人ですね。冷血で、その目に人間の感情というものを表さない演技にはとても怖いものを感じました。

『プルートで朝食を』で彼が演じるのは、パトリックという青年です。冷血漢ではありませんが、女装のオカマで、赤ん坊の時にカトリックの教会に捨てられた孤児です。

舞台は1970年代ごろのアイルランド。パトリックは養父母に育てられますが、子供のころから口紅や婦人服が好きで、その点で養母に叱られて過ごしますが、次第にあきらめられていきます。

彼の夢は、アメリカ映画女優のミッツィ・ゲイナーに似ているという実の母に会うことです。「海を渡り、世界一の大都会ロンドンにのみこまれて行った」と伝えられる母はどこにいるのか、いつも母を思い、自分は物語のヒロインだと信じています。

青年へと成長してますますオカマに磨きがかかっていきますが、オカマがあまり好きでない人にとっては、ちょっと気持ち悪い映画かもしれません。キリアン・マーフィーはなにしろ痩せていて骨張った顔ですし、どう見ても本物の女性より美しいとはいえません。さらに『バットマン・ビギンズ』のスケアクロウ同様に、目だけは冷たい感じで、ほとんど感情を表しません。

しかしそれも、観客である私たちに人間らしい感情があり、彼のその姿が、実の母に会えないという途方もなく深い悲しみを心の奥底に封印した姿なのだと、そこまで考えが至ったとき、彼が単なる気持ち悪いオカマなどでは決してないことに気付いてはっとするのです。

パトリックを演じたキリアン・マーフィーは、自身もアイルランド人ですが、2004年にちゃんと女性と結婚して一児ある父ですから、オカマではありません。そんなマーフィーがここまでパトリックという人物像になりきったことも大変な驚きです。

またこの映画には、パトリックの子供のころからの親友で、ダウン症のローレンスという男の子も登場します。ロボットが好きで、IRA（Provisional Irish Republican Army = PIRA、アイルランド共和軍、対英テロ活動を行ってきた武装組織）の爆弾で死んでしまう役ですが、演じたシーマス・ライリーという人はどうやら本当にダウン症の人のようです。それでも溌剌と役を演じ、台詞の表現も実に豊かで温かいものがありあした。それはニール・ジョーダン監督の手腕でもあるわけですが、同時に、孤独に陥りがちなオカマやダウン症の人に対する、ジョーダン監督の溢れんばかりの愛を感じて、実に見事な作品になっています。

どうかあらゆる偏見を捨てて、パトリックやローレンスの美しい心に触れてみてください、

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イン・ハー・シューズ

2007-09-26T00:06:00.000+09:00

『イン・ハー・シューズ（In Her Shoes）』（2005年カーティス・ハンソン監督）

16歳のとき短期間ながら日本でモデルをしていたこともある（東京には外人モデルがいつも大勢います。）というキャメロン・ディアスと、オーストラリア国立演劇学院出身でアメリカ映画やミュージカルの舞台でも活躍するトニ・コレットが姉妹を演じたコメディータッチのヒューマンドラマです。

姉のローズを演じるのがコレットで、妹のマギーを演じるのがディアス、姉妹はそこそこに年が離れているという設定ですが、実はディアスが２か月先に生まれていて、公開当時は33歳と32歳（コレット誕生日の直前にアメリカで公開）です。一見したところコレットの方が老けているのはメイクなどのせいだったんでしょうか。

ローズとマギーの姉妹は、子供のころに母を亡くし、互いに一番の肉親として人生で最も大きな存在であり続けますが、弁護士になった姉のローズに対して、美人という以外に取り柄のない妹のマギーと、容姿と頭脳は正反対です。

映画は、この姉妹が反目しながらも共に成長し、姉妹の絆を固くしていく姿を描きます。
そう書くと、なんだかありがちな、とも思えてしまうのですが、子供のころに自動車事故で亡くなっている母、母を失って再婚している父、父とは憎しみ合い信頼が築けなかった母方の祖母（シャーリー・マクレーン）という、姉妹にとって最も大事なこの三人の人物像とそれぞれを取り巻く人々を描くことで、単なる姉妹愛のドラマではなく、家族のあり方や、家族が普通であることと普通でないこととの差異についてまで、深く掘り下げて考えさせてくれる奥深い作品になっています。

妹のマギーがローズの家を飛び出して、平穏な老後を過ごすフロリダの祖母を訪れ、しばらく住み着くのですが、そこに暮らす愛すべき老人たちの豊かな人間性も、作品を心温まるものにしてくれています。アメリカのおばあちゃん役として今や第一人者ともいえそうなシャーリー・マクレーンのクールな演技も心に残ります。

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コールド・フィーバー

2007-09-25T07:34:00.001+09:00

『コールド・フィーバー（Cold Fever）』（1995年フリドリック・トール・フリドリクソン監督）、

（YouTube 動画と違うため、ちょっと右にはみ出すようです。）

永瀬正敏主演のアイスランド映画です。
主演の永瀬は、ほかにもジム・ジャームッシュの作品に主演するなど、国際的にもなかなか活躍している日本の俳優です。

東京で出世街道を駆け上るゴルフ好きのサラリーマン平田（永瀬）は、７年も前に両親をアイスランドで亡くしていましたが、祖父（鈴木清順）の勧めもあって、両親が遭難したアイスランドの川へ、一人供養の旅に出ます。真冬のことでもあり、目的地に到達するには大変な困難を伴いますが、スピリチュアルなアイスランドの人々の助けも得て、雪に閉ざされた川へと近づいていくというストーリーです。

「人口当たりの作家の数で世界一」（劇中の台詞）だというアイスランドは、雪と氷と火山の島。冬の登別あたりに行ったらもしかすると似ているところがあるのかもしれません。そして、それ以上に「神の島」なのだそうで、人々は妖精の存在を信じ、地上にとどまる死者の霊魂とも関わって生きているのだそうです。

主人公の平田の台詞にも、「奇妙な国だ」という言葉が何度も出てきますが、奇妙さではきっと日本に勝るとも劣らずというところなのでしょうか。あるいはそれ以上なのかもしれません。この国の人々は、あたま数が半ダースほども集まれば合唱を始めますし、自称霊感の強い女や、葬式コレクターなんてのまで出てきます。

監督のフリドリクソンは、1987年に34歳という若さで「The Icelandic Film Corporation」という会社を立ち上げた人なのだそうです。
少年時代からアメリカ映画にも夢中になったそうですが、黒澤明の映画に強い影響を受けて映画の道に進むことになりました。1980年代初頭よりドキュメンタリー作品を手がけ、会社設立後も、アイスランドの映画監督やプロデューサーたちとともに、数々の映画作品を世に送り出し、アイスランドの映画制作会社としては、最も重要な地位を築いたとされています。（IMDb より）

なかなか行く機会のなさそうな遠い国ですが、アイスランドを紹介したテレビ番組を見る機会もあると思います。しかしこの映画で体験するアイスランドは、恐らくどんな海外取材番組よりも心の奥に響くのではないでしょうか。

フリドリクソンは、主人公の平田を通して、私たち日本人に、アイスランドという不思議の国に招待してくれたのではないかと思います。
そう考えると、当のアイスランドの人々は、この映画を見てなにを思うのだろうと、若干心配になってしまうのですが、別の国の監督による「アイスランドに感動しました」的な映画になっているはずはありませんから、きっと大丈夫なんでしょう。

平田の両親の魂は、アイスランドの他の死者たちと同じように、冷たい空気よりも熱い大地を好んで、平田の来るのを待っていたというのが、この映画のテーマなのだと思います。平田が用意してきた位牌と、蝋燭と、線香と酒が、アイスランドの凍った大地でささやかな儀式に供される、それを、もっとも強く望んでいたのはアイスランドの神々（死者たち）だということでもあったのかもしれません。

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ミザリー

2007-09-24T00:00:00.000+09:00

『ミザリー（Misery）』（1990年ロブ・ライナー監督）

有名人になるといろいろと、いやなこと、怖いことがあるようです。
スティーヴン・キング原作のこの『ミザリー』は、おそらく作家自身がモデルとなって、主人公の作家が「ナンバーワンのファン」を自称する女に監禁される恐怖を描いた作品です。

ナンバーワンのファン、アニーを演じたのは、この作品でアカデミー主演女優賞を獲得したキャシー・ベイツ。映画公開当時すでに42歳。
ちょっと太めで美人とはいえない容姿ながら、どこか少女らしいあどけなさも見せます。『ミザリー』のアニーという女は、学校も非常に優秀な成績で卒業したもと看護婦なんですが、ちょっと癖がある。それを個性というにはあまりに危険な癖です。

なにごとも自分が心底納得した上でないと許せない。しばしばヒステリックに乱暴な行動もとる。自分の身勝手さにまったく気付かず、それが相手に対する好意に発すればすべて正しいと思いこんでいる。看護婦で病人や赤ん坊を相手にしてきたので、患者を生かすも殺すも自由な立場を豊富に経験してきている。そのためもあってか、相手を自分の思い通りにしたいという情念と執念が怖いほど強い。注射器をもった看護婦さんがもしそんな人だったらと、想像するだけで恐ろしいわけです。

ジェームズ・カーン演ずるポール・シェルドンという作家が雪の山道で遭難してしまい、看護婦を引退して一人暮らしをしていたアニーに「助け」られます。アメリカという国はたいそう広いようで、個人宅によそ者が住み始めても誰も気付かないんですね。アニーがポールを監禁するのも容易にできてしまいます。

アニーは、ポール・シェルドンという作家を心から愛しています。彼を「手に入れ」たとなれば、自分の思い通りの作品を書かせることまで可能となります。ポールの方としてみれば、なんとしてでも逃げ出さないとどうなるかわかりませんから、必死で智慧を巡らすわけですが、なにかにつけて彼女の方が一枚も二枚も上手です。アニーは患者を絶対に逃亡させないために万全を尽くすのです。

それでいて、小説の世界にも入り込みます。作家が描き出した主人公への感情移入は、とても四十女とは思えないもので、目を輝かせて熱く語り、ときに涙も見せます。しかし、自分の期待した方向からひとたびストーリーが外れてくれば、怒りをあらわにするのです。その感情の激しさといったらもう、すべてを破壊し尽くし、殺し尽くさんばかりですからたまったものではありません。

アニーは、原作者スティーヴン・キングと、監督ロブ・ライナーの描いた、ひとつの十分ありえる女性像なんですね。
男性の側から見た、“女性の怖い部分”について、実に詳細に理解し、検証し、それを読み手と観客に伝えてきます。もちろん、ほぼすべての女性はアニーと異なり、まさか男性に危害を加えようとはしないわけですが、もし普通の女性から一切の自制心を取り払ってしまったらどうなるか、この作品のテーマとは、まさにそこなのです。

とてもユニークな形をとった、非常に怖い映画です。もともと女性恐怖症の男性には、とても見せられません。

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エデンより彼方に

2007-09-23T00:02:00.001+09:00

『エデンより彼方に（Far from Heaven）』（2002年監督脚本：トッド・ヘインズ）

かつてアメリカに（恐らく今もまだ）あった「二つの世界」を描いた作品です。二つの世界とは、白人社会と黒人社会のことです。

南アフリカ共和国にはアパルトヘイトという、法による人種隔離政策がずっと行われてきていました。「名誉白人」とされて喜んでいた日本人もまた、人種差別主義サイドにいたということになります。
幾百年と続いてきた「伝統的価値観」としての人種差別。それを疑いだしたのはまだごく最近のことだったということを、この映画は改めて認識させてくれます。

舞台となるのは1950年代のアメリカ、コネティカット州の州都ハートフォード。現在では、アメリカでも貧しい都市とされますが、映画登場人物のフランク・ウィタカー（デニス・クエイド）は大企業の役員で、妻キャシー（ジュリアン・ムーア）、二人の子供とともに、かなりの豪邸に住み豊かな暮らしをしています。

主人公となるのはジュリアン・ムーア演ずるウィタカー家の主婦、白人のキャシーと、デニス・ヘイスバート演ずる黒人庭師のレイモンド・ディーガンです。ウィタカー家は人も羨む幸福な家庭だったんですが、映画はそれが次第に崩壊してゆく過程を、古典的で安心感のある手法によって非常にわかりやすく、また極めて真摯な視点で描写していきます。

家庭崩壊は常に子供でなく、大人の側から起こります。それは大人に問題があるからです。とても単純な真理命題ですね。その単純な命題における大人の問題を詳細に描写することで、小説なり映画なりが成立するのですが、この映画での問題は二つあります。

ひとつは夫が同性愛だったこと。現代のアメリカでは同性愛も市民権が得られたような話を聞きますが、1950年代当時は一種の精神病として扱われていたことが映画から理解できます。

もうひとつが「二つの世界」です。白人の裕福な家庭には黒人の家政婦が働いていたりして、ふたつの人種はさも共存しているようにも見えるのですが、実はそれもマクロで見た場合に限られ、ミクロに見た実態としてはまったく別の世界に生きているということのようです。それは単なる階級の違いなどではなくて、互いに決して相容れない別の社会が併存しています。黒人の子供がホテルのプールにうっかり入ってしまうと、白人客は全員プールからあがってしまい二度と入ろうとしない。黒人の子供も黒人の大人からこっぴどく叱られるというほどです。

そんなひどい社会が本当にあるのかと、単一人種で単一言語の私たち日本人からするとまったく信じられない話ですが、ごくごく最近まで、南アフリカで、オーストラリアで、そしてアメリカで、それは当たり前の話だったんですね。そうした当たり前を見せ、その当たり前を問いただしてくれるのがこの映画、『エデンより彼方に』です。

この映画は、白人女性と黒人男性が恋に落ちるといった単純な物語ではありません。また、互いに惹かれ合いながら、互いの家族や社会、さらに親友にまではっきりと拒絶される現実の中、その現実に立ち向かおうといった勇ましいストーリーでもありません。

映画がはっきりと提示するのは、圧倒的な力を持ち真理を一顧だにしない現実の側にいる人々と、真理に気付いてしまった男と女の、孤独で悲しい無力さなのです。

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コンタクト

2007-09-22T00:01:00.001+09:00

『コンタクト（Contact）』（1997年ロバート・ゼメキス監督）

このサイトでもすでにご紹介しているあの『フォレスト・ガンプ（Forrest Gump）』（1994年）の監督ロバート・ゼメキスによって作られたサイエンス・フィクション映画の傑作です。原作は1996年に骨髄癌で他界したカール・セイガン。『コンタクト』のエンドロールでは最初に「For Carl」と大きな字が刻まれています。

主演は公開当時35歳、ハリウッドきっての才女ジョディー・フォスター。生まれたときに母を亡くし、幼いころに父を亡くした孤独な科学者を熱演しています。

『コンタクト』は、この広い宇宙には地球人しか住んでいないという寂しい考え方を否定して、幾百万の地球のような星に必ず理解し合える知的生命体がいるはずだという想像から生まれたファンタジーです。サイエンス・フィクションではありますが、ごく一部を除いてはいたって現実的なドラマになっており、本物のビル・クリントン大統領が出てきたり、コンタクトを取るための国家予算の具体的金額が出てきたりと、ファンタジー的なプロットに説得力を与えるための細かな描写が行き届いています。

異星人との遭遇といえばスティーヴン・スピルバーグ監督の『未知との遭遇（Close Encounters of the Third Kind）』（1977年）も大成功を収めていますが、100パーセントの空想でできたあり得ないお話ではなく、基礎部分には事実としっかり符合する骨格を構築したうえで、あるいはこんな可能性も否定できないという方向にもっていくことができれば、ＳＦ映画でもより広い層の観客に訴えるものができるということがいえそうです。

そんな意味で『コンタクト』も、前半はかなり地味な展開なのですが、次第に新事実が発見されて、最後には見たこともない世界を見せてくれるという、ダイナミックな展開が感動を呼びます。

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ギター弾きの恋

2007-09-21T00:02:00.000+09:00

『ギター弾きの恋（Sweet and Lowdown）』（1999年脚本監督：ウディ・アレン）、

天才肌の名優ショーン・ペンが主演して、あるジャズギタリストの人生を描いた作品です。

監督は私的喜劇作家のウディ・アレンですから、基本的にコメディーでユーモアたっぷりなんですが、エメット・レイという、ジャズ全盛期の1930年代に生きた天才ギタリストの人物とその暮らしを実にリアルに描写しています。

「へえ、こんなギタリストがいたんだ。」と非常に納得してしまうわけですが、実は架空の人物だと聞かされて二度びっくりです。
映画を見る限り実在したとしか思えないこのレイというギタリスト、趣味はナンパ、列車見物、ネズミ殺し。我々凡人にはまったく理解に苦しむところですが、ギターのセンスと腕前は超一流で、フランスのジャンゴというギタリストを崇拝していて、「ジャンゴが世界一のギタリストで自分は二番目だ。」というのです。

ジャンゴ・ラインハルトというギタリストは1910年にベルギーで生まれて実在した天才ギタリストですが、ジプシーだったそうです。ギターもジプシー音楽を出発点にしていたようですね。アレンの創造したレイのギターも、どうやらこのジャンゴのやってきたジャンルのようです。

こちらで聞くことができます『All about Django Reinhardt』

ウディ・アレンには、『ラジオ・デイズ（Radio Days）』（1987年）という、ラジオから流れる歌と音楽にみんなが夢中だったよき時代を描いたコメディー作品もあります。全編楽しい音楽に溢れていて、映画と音楽というものがこうも相性良く楽しいものだったかと観る人を幸せにしてくれるすばらしい作品です。
このサイトですでに紹介しましたが、1996年には『世界中がアイラヴユー（Everyone Says I Love You）』というミュージカル映画も発表しています。

監督であり脚本家であり、また出演もし、時には主役も演ずるウディ・アレンという人は、映画の楽しみ方、音楽の楽しみ方というものを誰よりも深く理解していて、さらに人生の過ごし方であるとか、シリアスに沈んだ時の端から見ての滑稽さであるとか、子供のものの考え方であるといった、この世に生きることの楽しみ方と馬鹿馬鹿しさ全般に通じている人なのではないかと思います。

ウディ・アレンをはっきり意識して観るようになったのは、『アニー・ホール（Annie Hall）』（1977年）あたりからだったと思いますが、決して大衆迎合型とは思われない作風と、ハリウッド嫌いを通しながら、ここまで長きに渡って多くのファンに支持されてきた映画監督は他にあまりいないのではないかと思います。もしかしたら、あるいはそれも計算の上なのかもしれませんけど、単に自分の面白いと思うものを作っているのだと、観客である私たちはアレン作品にずっとそうした印象を持ち続けてきているわけですが、もしそれが計算の上だったとしても、ここまでコンスタントに良品を作り続けているのはすごいことです。

同じ映画の天才として、よくチャップリンと比較されることがありますが、アレンがチャップリンとはっきり異なるのは、一作に全身全霊をかけるという雰囲気がなくてリラックスしているところでしょう。チャップリンはそれこそ命懸けともいえるほどに全精力を傾けて映画を作りましたから、常に最新作を最高傑作といって譲りませんでしたが、アレンは一作一作を小出しに作っているようなところがあります。

作品数から見ても、短編の量産を義務づけられた初期のサイレント時代を除けば、チャップリンの作品数はさほど多いとはいえません。長編映画である『黄金狂時代（The Gold Rush）』（1925年）から最後の主演作『ニューヨークの王様（A KIng In New York）』（1957年）までの33年間にたった10本です。それに対してアレンの場合は、テレビ作品を除いてもほぼ毎年長編の新作が発表されてきています。その分、アレン映画には、日本でいうところの「気合い」がいまひとつなのではないかという印象を受けます。チャップリン映画が気合いのかたまりだったのと比べて対照的だと思うのですが、いかがでしょう。

もちろん、気合いなんて足りなくても、アレン映画は十分すぎるほどに魅力的で面白い作品ばかりです。肩が凝らず、ポップコーンでも頬張りながら、時には別のことを考えながらでも楽しめる。それがウディ・アレンの良いところだと思います。

『ギター弾きの恋』もシリアスに考えることなく、まあこんな変人ギタリストがいてもいいかも。というぐらいの気持ちで大いに楽しみたい作品です。
台詞なきヒロインを演じたサマンサ・モートンの清楚な魅力も味わえます。

ギター弾きの恋 DVD >>

シャイニング

2007-09-20T00:01:00.001+09:00

『シャイニング（The Shining）』（1980年スタンリー・キューブリック監督）

ジャック・ニコルソン主演、スタンリー・キューブリック監督の、これももはや古典的名作となったホラー映画です。原作者はスティーヴン・キングなのですが、小説（読んでませんが）とはかなり違っているようです。

冬の間は道路が閉ざされてしまうという雪深い山奥のリゾートホテル。その間の管理人職に就くため、妻子を連れてやってきたジャック・トーランス（ジャック・ニコルソン）でしたが、かつてここで起きた管理人による一家惨殺事件の真相を辿るようにして、次第に精神が破綻していきます。

とにかく怖いのはニコルソン演ずるジャックの性格です。良き夫であり父であったはずが、雪に閉ざされた大きな建物という空間によって、人格が歪み出し、やがて己を完全に失ってゆくプロセスを、映画は克明に描写します。

怖い映画というのは、実は私の場合、大嫌いなんですが、目を背けたくなるばかりの作品ではなく、むしろ引き込まれて一緒に体験せざるを得ないという優れた作品に関しては、高く評価しなければならないと思っています。

このサイトではこれまでに、『ハイド・アンド・シーク（Hide And Seek 2005）』、『アザーズ（The Others 2001）』、『羊たちの沈黙（The Silence of the Lambs 1991）』、『リング（Ringu 1998）』を「ホラー」のジャンルとして紹介してきましたが、いずれも怖くて震えがくるほどの作品ばかりです。

でもそこから、どれが一番怖いかとランキングを決めようとしても、なかなか簡単にはいきません。やっぱり『アザーズ』が一番かな･･･とも思いますが、その20年前に作られた『シャイニング』を改めて見れば、やっぱり『シャイニング』の方が怖いかもしれないと思ってしまいます。夏に見るなら『アザーズ』で、冬に見るなら『シャイニング』というところでしょうか。

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カジノ・ロワイヤル（2006）

2007-09-19T00:00:00.000+09:00

『カジノ・ロワイヤル（Casino Royale）』（2006年マーティン・キャンベル監督）、

いまいちハンサムでないジェームズ・ボンド、目が大きすぎて可愛さいまひとつのボンド・ガール、もうひとつ怖さに欠ける敵役。ぱっと見た感じ、ほんとにこれで００７になるの？と心配になった『カジノ・ロワイヤル』。昨年公開されたばかりの新作です。

劇場に行くまでもないかと思い、結局見過ごしてしまっていたら、アマチュア００７評論家のイギリス人の友人から、「００７史上最高の作品！」と強く薦められてDVDを購入しました。見ました。確かに！すばらしい作品になっています。

ボンドに抜擢されたのは、公開当時38歳のダニエル・クレイグ。甘いマスクとはいきませんが、若き日のジェームズ・ボンドが、決して美女や美酒に酔いながらその地位に就いたわけでないこと、つまりそれは並みの人間にはとうてい無理な大変に厳しい世界に生きるということなのだという現実的な側面を説得力たっぷりに演じてくれました。そう、この映画は『スターウォーズ』でいえば「エピソード１」、『バットマン』でいえば「ビギンズ」に相当する、００７誕生の物語なのです。

イアン・フレミングの小説『カジノ・ロワイヤル』は、1953年の作品で、この作品だけはどうやら、他の００７シリーズとはいろんな意味で違っていたようです。

まず、ジェームズ・ボンドが「００（ダブルオー）」になるところを描いている点。次に、相手役のボンド・ガールが決して通りすがりでなく、ボンドが真剣に愛してしまって結婚することになるという点。そして、この作品だけが、映画シリーズを制作してきたイオンプロには映画化権が得られなかったという点です。『カジノ・ロワイヤル』だけ、早い時期にアメリカでテレビドラマになっていたんですね。それで、1967年のピーター・セラーズ主演パロディー映画でしか、映画の『カジノ・ロワイヤル』は作られていなかったということだったようです。

ストーリー自体の性質が他の００７シリーズと違っていて、とても現実的で硬派な内容です。小説が書かれてから半世紀以上経ってしまっていますが、映画は可能な限り原作のハードな雰囲気を尊重して、原作通りの作品を作ろうと考えられたそうです。

お約束のスパイ道具も、決して奇をてらったようなものは出てきません。アクションも、空を飛んだり水中をすっ飛んだりといったド派手なものでなく、あくまでも体力勝負でスピーディーな、走る、駆け上る、飛び降りるといったシーンが冒頭に出てきますが、これには街を駆け抜ける芸術としての走るパフォーマンスの専門家も起用しています。

六代目ボンド役がダニエル・クレイグに決まるまで２年もかかっているそうですが、新しいボンド役は常にタブロイド紙などマスコミからの痛烈な批判に晒されます。それだけジェームズ・ボンドという役はイギリスはじめ世界の注目の的だということになるわけですが、「こんなやつがボンドだなんて笑わせるな。」みたいな調子で書き立てられますからたまりません。とはいえ、それもお決まりのことと監督もクレイグも十分覚悟していたそうで、「無実を証明するまで続けるしかなかった。」と、クレイグ自身も語っています。

クレイグと、クレイグを起用した製作者、そしてマーティン・キャンベル監督が、その無実を見事に証明したのは疑いありません。まだご覧でない方は是非、確かめてみてください。

007 カジノ・ロワイヤルデラックス・コレクターズ・エディション（初回生産限定版）（2枚組）

プドフキンの『母』　90分、今ここで観られます。

2007-09-18T00:12:00.000+09:00

『母（Mat）』（1926年フセヴォロド・プドフキン監督）

マクシム・ゴーリキー原作、プドフキン監督、ロシア革命を庶民の視点から描いたソ連映画『母』です。

観る機会がこれまでなかった方にはDVDも発売されておりますが、このサイトをご覧の皆さんならあるいはお気づきかもしれません。そうです。誰でも聞いたことのある大変な名作でありながら、著作権が切れております。つまり、YouTube なんですね。

サイレント時代も末期のころの作品ですから、音楽も入ってます。キリル文字の字幕だけでなく英語字幕もついてますので、かなり理解しやすいと思います。

全編11に、小分けになってますが、90分、じっくりとご覧ください。

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母 DVD >>

キッド

2007-09-17T00:17:00.000+09:00

『キッド（The Kid）』（1921年監督脚本：チャールズ・チャップリン）

活動写真全盛期、大正９年という遠い昔に作られたチャップリンの名作です。

実はこの作品には２種類あります。ひとつは1921年、チャップリンが32歳の時に公開された68分のもの。もうひとつはそれから50年経った1971年に82歳のチャップリン自身によって短く編集しなおされ、効果音とチャップリン作曲のオーケストラ音楽も入った50分のものです（YouTube動画）。どちらもすばらしい名作であることにいささかの疑いもありませんが、本当のオリジナルを見たいとなれば、音楽のない（あるいは別の人によって簡単に入れられた）68分を見ることになります。著作権が切れているためでしょうけれども、その方が安価で入手できます。

慈善病院から赤ん坊を抱えて出てくるひとりの女（チャップリンフィルム永遠のヒロイン、エドナ・パヴァイアンス）、「女の罪は母たることであった。」と字幕が入ります。男に捨てられ子供を育てていく希望もなく途方に暮れた女は、大金持ちの家の前に停められた高級自動車の後部座席に子供を残します。「この可哀想な孤児をどうか大事に育ててくださいますよう。」としたためた紙片とともに。

ところがその直後、二人組の泥棒によって車は盗まれます。赤ん坊という面倒に気付いた泥棒のひとりが「いっそ殺しちまおうか」とピストルを向けますが、「寝覚めが悪いぜ。」と相棒に制止され、結局道ばたに捨てられてしまいます。映画はこのように、絶望のどん底から始まります。無一文の母が思い余って赤ん坊を手放す、その絶望。悪人の手に渡り殺されかけ、また捨てられる赤ん坊の行く末。

せめてそこで巡査にでも拾われれば、なんとか孤児院に預けられて育ってゆくのでしょうけれども、現れたのは我等がチャーリー（チャールズ・チャップリン）。泣き声に気付いて赤ん坊を拾い上げますが、とても自分の手に負えないと思い、ひとの乳母車にこっそり入れたり、アル中の爺さんに押しつけたりしますが、そこに現れた巡査に睨まれてどうにもなりません。巡査の登場が遅すぎるんですね。

バトンタッチのアンカーのごとく、結局チャーリーが途方に暮れることになりますが、そこで赤ん坊の懐から紙片を見つけます。「この可哀想な孤児をどうか大事に育ててくださいますよう。」絶望した母からの言葉を受けて、チャーリーの表情が緩みます。

「そうか、お前は可哀想なやつだったんだ。よし、それならボクが育てよう。なんとかなるさ。」

いつもなら文無し宿無しの放浪紳士チャーリーですが、この映画では幸いなことに住居がありました。その部屋は貧民街の集合住宅、狭くて不便な屋根裏部屋です。

この部屋のセットは、どうやらチャップリンの実体験にもとづいて作られたもののようです。
寄席の歌い手でありながら声が出なくなってしまった母ハンナとともに幼いころを暮らした、ロンドンはケニントン・ロードの部屋です。（昔そこを探しに行ったら、「Charles Chaplin Lived」と書かれたプレートがついていました。）母の内職などで細々と食いつないでいましたが、それは貧乏のどん底で、異父兄のシドニーとともになんとか早く寄席の舞台に立てるようになりたいという希望だけをもって暮らしていたのです。

「お金がまったくないということは即ち不幸を意味する。」チャップリンの映画に一貫して流れ続けたこの教訓は、幼いころに自分が味わってきた実感そのものだったんですね。特にそれは、誰かを愛するために絶対必要なこととなります。そして愛するということは、自分を犠牲にしてでも相手を生かすこと。誰かを生かすことでしか自分は生かされない。普遍的なテーマです。

一人住まいの狭い屋根裏部屋での子育てが始まりますが、苦労以上に大きな喜びを映画は描いています。そして五年後。赤ん坊は可愛い男の子（ジャック・クーガン）に成長しています。育てたのが我等がチャーリーですから、子供はまさに豆チャーリー。しぐさから考え方から、パパそっくりになっています。

絶望のどん底を冷酷に映し出すところから始まる『キッド』ですが、父と子の楽しい暮らしと確かな絆を描き、明るく展開していきます。そこにまたふんだんに笑えるシーンが展開します。

始まりは悲劇として、それから喜劇へと展開。そこでハッピーエンドとなればよいのですが、また新たな不幸が父子を襲い、いかにしてそれを乗り越えるかに私たちの注目は集まります。そして最後はもちろん、ハッピーエンドで終わるのですが、それまでの経緯があまりに重い不幸だったために、この映画の幸せな結末は、他の作品には見られないほど胸に迫るものとなります。

キッド・コレクターズ・エディション

大列車追跡

2007-09-16T00:09:00.000+09:00

『大列車追跡（The General）』（1927年監督：バスター・キートン、クライド・ブラックマン）

カーチェイスの映画はたくさんありますが、これは蒸気機関車チェイス。石炭でなく薪をくべて走る、「エンジン」こと機関車の追いかけっこが、南北戦争の両軍に別れて競われます。戦争ですからもちろん命懸けで。

サイレント時代にチャップリンと人気を分けたバスター・キートンは、チャップリンより６歳若い1895年のアメリカ生まれです。映画に出演するようになったのはチャップリンより３年遅いだけですから、ほぼ同時代を映画に生きてきました。二人とも小男のコメディアンという共通点はあるものの、相対的にはチャップリンは細かい芸で笑わせ、キートンは大胆なアクションで笑わせます。

アメリカはハリウッドでスラップ・スティック・コメディーが始まったのは、日本では明治から大正に変わった1912年ごろだと思いますが、それは当初から追いかけっこや殴り合いなどでウケを狙った「アクション映画」ともいえなくもないものでしたから、ダイナミックなアクションを売り物にするキートンのコメディーこそが、ハリウッドでは正統派ということにもなるかもしれません。少なくともアメリカ的なんですね。チャップリンはイギリス人でロンドン生まれのロンドン育ちですから、いくら笑顔を振りまいてもどこか影がありましたが、キートンはまったくの無表情なのに、なんともあっけらかんと開放的です。

『大列車追跡』が公開されたのは、1927年2月5日とあります。サイレント時代も末期となるころの作品ですが、1920年代のサイレント映画は表現手法においてすでに頂点を迎えており、ソヴィエト連邦のエイゼンシュタインやプドフキンが実践したモンタージュ理論に基づく編集の妙技も完成されてきていました。

たとえばカットつなぎをこんな風に･･･「立ってうつむいた男の後ろ姿」→「広げた手のひらのアップ」･･･とすれば、男が自分の手のひらを見つめているということが、男の顔のカットを省いても観客に伝わります。こういうのが映画のモンタージュです。人間の意識や視点の自然な流れに準じたつなぎをおこなうというのが基本です。

エイゼンシュタインやプドフキンなどは、この技法を高レベルで実践すれば、映画にプロの俳優は不要だともいっています。映画作家は人物の必要な表情をフィルムに収めることで、名優でなくてもスクリーンではリアリティーが出せると考えたんですね。もちろん、2007年の私たちは、娯楽映画には俳優が必要なことを知っているわけですが、モンタージュの技法が映画作家の思い通りの印象を観客に与える基本技術であることも確かです。

サイレント末期の『大列車追跡』でも、非常に高レベルの映画技法がふんだんに使われています。技法の基本となる“映画の文法”はすでに完成していたともいえるでしょう。またこの映画では役者や編集だけでなく、非常に大がかりな仕掛けも楽しめて、現代の娯楽映画にも決して引けを取らないものになっています。

世界名作映画全集99 キートンの大列車追跡

デイ・アフター・トゥモロー

2007-09-15T00:19:00.000+09:00

『デイ・アフター・トゥモロー（The Day After Tomorrow）』（2004年ローランド・エメリッヒ監督）

1970年代の日本にも、とんでもないパニック映画がありまして、つまり小松左京原作『日本沈没』なんですが、確かカッパノベルズだったかで大変に流行しまして、読んでないとクラスでも除け者という感じになってきて私も読んだんですが、途方もないストーリーに震えたその気持ちを映画館まで持ち込んで観たらなんだ、がっかり。という感じだったのを憶えています。小説ならペン１本で絵空事をいくらでもリアルに表現できるわけですが、それを映像でやるとなると、普通は限界というものがあります。

2004年に公開された『デイ・アフター・トゥモロー』は、人類がまだ誰も見たことないような天変地異が襲ってくる映画です。異変を察知したのかものすごい鳥の大群が飛んだり、大津波が大都市を飲み込んだり、超巨大竜巻がすべてを破壊したり、そして最後にはもっとすごいのがやってきて、生きてる人はみんな死んでしまうんですね。それはもう、絶対に助かりませんが、それでも人間は愛と希望で生き残るべきだという涙ぐましいストーリーです。

こうした天変地異が、映画館のスクリーンに生映像そのもののように映し出されます。生映像といっても、ニュース映像のように低解像度のものでなく、細部まではっきりとリアルな映像ですから、実地にその光景を目撃したような気分になります。

そんなことができるようになったのも、コンピューター・グラフィックによる作画技術の進歩のおかげですね。『パーフェクト・ストーム』という作品を紹介したときにも書いたかもしれませんが、いったいどのカットが実写でどのカットがCGかという区別は、実写であり得ない光景なら多分CGと、そう判別するほかないわけです。

昔の『日本沈没』にはもちろんCGなんて技術はありませんでしたから、東宝の特撮技術者たちはせっせとミニチュアを作って、それに火薬を仕込んだりして火事や噴火を見せてくれました。津波は確か、大きな波の映像をバックに合成していたと思いますが、迫力なんてこれっぽっちもありませんでした。つまり本物の波なんて迫力ないんですね。CGに時間とお金を掛けてとんでもないのを作画するからド迫力になるんですね。

1984年のある日、いまはなき松竹大船撮影所で働いていたんですが、隣のスタジオから煙がもくもくと出ているのでなんだということになり、ちょっと見に行ってこいといわれて見に行きました。スタジオの戸をちょっと開けて中をのぞくと、なんとそこは、夜の東京湾が火事でした。『ゴジラ（1984）』の撮影中だったんですね。かなり大きなミニチュアセットで度肝を抜かれましたが、それでもやっぱり、できあがった映画を見れば波の立ち方などでミニチュアを悟られてリアリティーがありません。水ではなくてもっと細かく波の立つ液体でもあればいいんでしょうけど、仮にそんなものがあったとしても、CGほどにリアルな波は立ちそうにありません。

テレビで『マグマ大使』なんて見ていたころも、「ははは、おもちゃだ、おもちゃ！」と、子供にもバレバレのミニチュアを特撮に使っていました。でもまああれはあれで、郷愁を誘う古きよき時代、ということになります。いつしか自分もCG映像の迫力に圧倒される“未来の人”となっております。

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リング

2007-09-14T07:55:00.000+09:00

『リング（Ringu）』（1998年中田秀夫監督）

告白しますと、怖くて怖くて、YouTubeで予告編を探すのがいやでした。見つけたのはスペイン語吹き替え版の予告編。少しは怖さが和らぐかと思って選びました。でも中身は見ていません。怖くて見たくないんです。映画本編を一度見ればもうたくさんです。二度とあんな怖い思いはしたくありません。自分は平気だという方は是非ご覧ください。

鈴木光司原作のホラー小説の映画化です。大ベストセラーになりましたので私も読みました。
よくあるパターンとしては、めちゃめちゃ怖い原作、映画化したらいまひとつ、というところかと思われましたが、中田秀夫監督によるこの映画は違います。はっきりいって、原作よりずっと怖いと思います。どうしてこういう怖い映像が撮れるのか不思議でなりません。『羊たちの沈黙』が最高に怖いと書いたばかりですが、『リング』との比較はできません。同じホラーであっても、脳だか心だかの怖いと感じる部分が全然別の場所にあるんじゃないかと思います。

人間には誰にも多少は恨みとか、後悔とかっていう念があるものなんでしょうけれども、それが心のものすごい奥深いところにあって強烈なエネルギーをもち、絶対に変えられない情念と化して目に見える形にまでなったとしたらどんな色合いになるか、どんな匂いを発するか、中田監督が追究したのはそのようなことではないかと想像します。

原作とは登場人物の設定も変わるなどしていますから、小説は小説として、映画とは別の作品と思って読み直すのもいいかもしれません。それでもやっぱり映画は怖いです。小説では自分で想像する範囲をなかなか超えなかった部分が、映画ではこんなんだぞ〜とばかりに具象化されて出てきます。

ストーリーとしては、「そのビデオを見ると死ぬ。」という、なんとも幼稚なお話なんですが、そんな幼稚で荒唐無稽な設定に、私たちはどうしてここまでリアルなものを感じて震え上がるんでしょう。現実には絶対に起こりえないということは、はっきりしています。しかしいくらはっきりしていても、それは頭で理解する範囲のことなんですね。

人間の情動というものは、頭で論理的に考える部分とはまったく別のところで働くもののようです。だからいくら幼稚な内容でも、それがひとたび心の奥深くにピクンと触れたら、あとは理屈抜きに怯えてしまうということなんでしょう。『リング』はその点で見事に「ピクン！」をやってくれたんだと思います。

エンディングロールに流れる歌も不気味な雰囲気で、映画の怖さを観客がずっと引きずるように見事に機能していたと思います。そこまで怖がらせたら犯罪じゃないの？とさえ思いたくなる。『リング』はそんな映画です。

鈴木光司の原作と日本映画の『リング』が文化を越えて怖かったためでしょう。2002年にはナオミ・ワッツ主演でアメリカ映画の『The Ring』も公開されました。そっちもきっと怖いでしょうから私は遠慮しております。

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羊たちの沈黙

2007-09-13T07:21:00.000+09:00

『羊たちの沈黙（The Silence of the Lambs）』（1991年ジョナサン・デミ監督）

アンソニー・ホプキンスとジョディー・フォスターがアカデミー賞で主演賞を獲り、さらに監督賞・作品賞・脚本賞と、主要な賞をごっそりさらってしまった映画史に残るホラーサスペンスの傑作です。

まあなかなか、ここまで怖い映画というのも滅多にありません。私たち人間にとって一番怖いのはなにかといえば、幽霊とか心霊写真じゃないんですね。幽霊や写真に殺された話は聞いたことありませんから、安全だということなんでしょう。
やはり怖いのは危険なものです。狂犬病の犬、なんてのも怖いですが、誰彼かまわず殺すのが大好きなんていう人間がいたら、それが一番怖いものになりそうです。

さらに殺す前に目玉をえぐって食べるのが大好きなんていう馬鹿者がいたら恐ろしいどころの騒ぎではありません。しかもそいつはちっとも馬鹿でなく、誰より頭が良くて、誰より力も強い。しかも優秀な医者で殺し方も達人で、人を殺す作業中も脈がまったく乱れないときてるんですから、たまったものではありません。

アンソニー・ホプキンスという俳優は、この作品まではさほど意識したことはなかったんですが、この映画ではとにかく怖いです。もうあの顔を見ただけで震えるぐらいになってしまいます。ホプキンスさんって、本当はきっといい人なんでしょうけど、演じたドクター・ハンニバル・レクターという食人鬼は、映画史上いちばんというくらいに怖いキャラクターですね。原作者が考えられる限り最強の人食い異常者を創造してしまったわけです。

この映画には、十年後に続編『ハンニバル』があるんですが、そっちはグロテスクな描写がふんだんに盛り込まれてしまってちっとも楽しめませんでした。世の中の評価も最悪だったらしく、あ〜あ、『羊たちの沈黙』だけにしときゃ良かったのにぃ、という声が世界中から聞かれたことでしょう。

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雨月物語

2007-09-12T05:04:00.000+09:00

『雨月物語（Ugetsu）』（1953年溝口健二監督）

森雅之が主演した溝口健二の芸術作品です。

原作は江戸時代の18世紀、上田秋成によって書かれた小説集ですが、さらに元ネタとなるいろんなものから上田秋成の創造性で膨らめて書かれたのだとか。そんな古典は読んだことがない映画オンリーの筆者には原作の素晴らしさはよくわかりません。しかし昭和の溝口も見事です。溝口のこの映画作品は、原作から二つのストーリーをもってきてひとつにまとめたものですが、そのストーリーの編み直しにとどまらず、原作に映像はなかったわけですから、溝口の豊かな創造性が遺憾なく発揮され、何百年も昔の世界が非常にリアルに再現されています。

舞台となるのは琵琶湖のほとり。戦国時代のお話ですから民家もまばらで原野もひろがっています。そこで慎ましく暮らしつつも財を成したいと考える陶工の源十郎が、城下町へ製品を売りに行ったところから大変に不思議な目に遭います。これはいったい、夢か現（うつつ）か幻か･･･。乱世の中、生き残ることさえ楽でないところへ野心を捨てられぬ者の目には、いったいなにが映ったのか。奇妙で不思議な、それでいて誰にも起こりうると思わせる世界が展開します。

源十郎の女房みやぎ役に田中絹代、源十郎の前に現れる謎の姫君を京マチ子が演じています。この二人も当時としては大スターです。また、黒澤明の『用心棒』でも冴えを見せた宮川一夫のカメラがダイナミックな映像表現を成功させてます。

溝口映画としてはこれが世界で一番有名な作品でしょう。戦後日本で全盛を誇った映画芸術を知るためには最も重要ともいえる、真の古典です。

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ロミー＆ミッシェル（ロミーとミッシェルの場合）

2007-09-11T00:16:00.001+09:00

『ロミー＆ミッシェル（Romy and Michele's High School Reunion）』（1997年デヴィッド・マーキン監督）

ウディ・アレン監督の『誘惑のアフロディーテ』で1996年度アカデミー助演女優賞を受賞したミラ・ソルヴィノと、テレビドラマ『フレンズ』のリサ・クドローが映画史上最も恥ずかしいコンビを組んだ、超コメディー映画です。

なにが恥ずかしいかは見てのお楽しみですが、劇場公開されたときはおそらく、観客全員が赤面しっぱなしだったんじゃないでしょうか。私も見ていて恥ずかしく、これ以上に恥ずかしいという思いをした映画もかつてなかったと思うのです。

アリゾナ州ツーソンの田舎で高校を卒業したロミーとミッシェルという親友コンビのお話です。二人は田舎からロサンジェルスに出てきて一緒に住んでいますが、同性愛とかそういったものではありません。彼氏も欲しいし、ましな仕事にもつきたいけど現実は厳しく、どっちかというといつも二人で慰め合うような生活です。

「もしこの先十年、彼氏が見つからなかったら、同性愛でもしてみる？」
「そうね、その時は言ってね。」

といった調子です。
あまり深いことや難しいことを考えるのは二人とも大の苦手で、服装や化粧が派手でいつも見た目ばかり気にしています。
そんな二人が考え出した大作戦が果たして成功するのかどうか、いやこれ、明らかに成功しそうにない作戦なんですが、果たしてどうなるでしょう。

コメディーの理想をいえば、明るく屈託なく笑わせてくれる作品がいいということになるんでしょうけど、この作品は恥ずかしくて笑うしかないという笑いです。『犬の生活』で、野良犬をズボンに入れて犬禁止のバーに入っていくチャップリンが結局ばれるというギャグに近いですが、『ロミー＆ミッシェル』の恥ずかしさはそんなレベルではありません。

まだご覧でない方は是非じっくりと、赤面してみてください。

ロミー & ミッシェル DVD >>

シンプル・プラン

2007-09-10T00:29:00.000+09:00

『シンプル・プラン（A Simple Plan）』（1998年サム・ライミ監督）

「来る日も来る日も８時間笑顔を振りまいて図書館で働き、スーパーの特売で買った安い食材で毎日同じような食事をし、外食するのはせいぜい誕生日のときぐらい、それも前菜はスキップしてデザートはうちに帰ってから食べるのよ。そんな生活を一生続けなければならないなんて、もう、そんな生活には戻りたくないのよ。」

YouTube 動画は『シンプル・プラン』の１シーン、平凡な主人公の平凡な妻を演じるブリジット・フォンダ（ヘンリー・フォンダの孫、ピーター・フォンダの娘、ジェーン・フォンダの姪）の台詞です。

題名が「シンプル・プラン」などといって映画の内容はシンプルに終わるわけもないだろうと思って見てみれば、やっぱりこれは非常に複雑に展開していくストーリーでした。簡単にまとめますと、これなら大丈夫、誰も疑わないと信じてやったことでも、どうしても嘘を必要とすることになれば、嘘に嘘の上塗りをし続けなければならなくなってしまい、夜も安心して眠れない日々が続き、一生ずっと苦しんで生きることになるという教訓を柱とするお話です。

そんな風に聞かされたら見る気がしなくなったと言われるかもしれませんが、この作品のもつ説得力は、私たちの誰もが陥りかねない人生の大きな落とし穴を現実味たっぷりに描いているところにあります。

人生には現実があり、事実があります。一方で私たちには現実に反する夢があって、事実に反する嘘もあります。夢があって現実をより良くしていきたいと望むなら、事実を曲げず、嘘のない暮らしをするのが一番でしょう。嘘がないということこそが、社会の一員として社会に護られて生きることにつながるからです。

社会保険庁で常習化している公金の使い込みが、桝添大臣の主導で告発されるんだそうですが、嘘で生きているのが社会保険庁の泥棒どもなんでしょう。是非この映画を見せたいものです。

監督は、2002、2004、2007と続く『スパイダーマン』のサム・ライミ。『スパイダーマン３』は今年公開されたばかりですが、2009年にも『スパイダーマン４』を監督することに決まっているそうです。『スパイダーマン』もまた、いろいろと教訓を含んだ作品ですが、これを教訓映画とジャンル付けするなら、サム・ライミはこのジャンルでトップレベルの映画監督といっていいでしょうね。

『シンプル・プラン』は、単なるエンタテイメントで飽き足らない方にはお薦めの作品です。アメリカ社会がこうした教訓を必要としているためだと思いますが、Internet Movie Databese での評価も非常に高いです。

シンプル・プラン DVD 発売時期が早かったせいでしょうけど、高すぎて買えません。レンタルやスターチャンネルがお薦めです。

プリティ・ウーマン

2007-09-09T00:12:00.000+09:00

『プリティ・ウーマン（Pretty Woman）』（1990年ゲイリー・マーシャル監督）

ハリウッド・ブルバードに立つフッカー（ストリート・ガール）のヴィヴィアンが、企業買収の大富豪エドワードに拾われて最後は足を洗うという物語。古くはオードリー・ヘプバーン主演の『マイ・フェア・レディー』（1964年ジョージ・キューカー監督）にも見られたプロットを、ジュリア・ロバーツとリチャード・ギアが演じて、世の女性たちに絶大な人気となったラヴ・コメディーです。

この手のストーリー、きっと男性には好かれません。だって世の中これすべてお金、お金があれば愛だって買える、とは言わないまでも、お金で愛が芽生えてしまうことがあると、この映画からはそんなメッセージも感じられるんですが、世の中のほとんどの男性は大富豪エドワードのようにはいかないからです。

いくら可哀想な境遇でも、可愛ければいつか白馬の王子様がやってきて助けてくれる、王子様はもちろん大金持ちで、夢のようなお城に連れて行ってくれて贅沢三昧の暮らしが待っている･･･という、そんなメッセージも見えてきますが、女性って、そういう夢を持ちたがるものなんでしょうか。やっぱりお金、お金さえあればなんでもできる、愛なんていくらあってもお金がなければ始まらない。もしそんな風にしか考えられないとしたら、人生なんて大して意味のないものになってしまいますね。

しかしそんな不条理を承知の上で、この映画はあっけらかんと展開していきます。大金を自由にできない男性にはいやな映画かもしれませんが、恋愛はやっぱり女性主導のものですから、あくまでも女性の視点で見てみれば、がんばればこんな金持ちだって引っかける（hook）ことができて、さらにこっちの虜にすることだってできるかも･･･というメッセージは、世界の女性を大いに勇気づけたんだと思います。（もちろん、女性全員だなんていいませんが。）

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用心棒

2007-09-08T07:19:00.000+09:00

『用心棒（Yojimbo）』（1961年監督・脚本黒澤明）

日本が世界に誇る、サムライ映画、ちゃんばら時代劇の最高峰といったら、なんといってもこれではないでしょうか。YouTube にもちゃんと英語版予告編があるところなど見ましても間違いないところだと思います。

とにかく面白い。スリル満点。殺陣（たて）の完成度も極めて高く、リアル。いつ見直してみても全然古くなっていない。登場人物全員が強烈な個性を放って印象的。世界にアクション映画というジャンルを確立したともいえる黒澤エンタテイメント映画の大傑作です。

自称「桑畑三十郎」こと主人公の侍を、世界のミフネこと三船敏郎。公開当時41歳、まだまだ若くてエネルギッシュです。満州から帰国して熊本の特攻基地にいたときに終戦となり、戦後間もなく映画俳優になったのは東宝の面接で落とされかけたのを救った黒澤のおかげだったんですね。世界のクロサワは、こいつは面白いことになると確信をもったんでしょう。

戦後の黒澤作品にはほとんど三船が主演していますから、三船なくして世界のクロサワはなかったでしょうし、黒澤なくして世界のミフネもなかったわけです。『用心棒』は、その二人が組んで頂点を極めた最高傑作だと思います。三船は生涯に140本の日本映画に出演したにとどまらず、さらに数え切れないほどのハリウッド映画をはじめとする外国映画に出演してきました。77年の人生のうち約50年を銀幕の大スターとして生きた偉大なる俳優です。

この翌年に公開された『椿三十郎』でもそうですが、三船の演じた素浪人のキャラクターというのは、それまでのちゃんばら時代劇やハリウッド活劇の二枚目主人公とはおよそ似ても似付かないアンチヒーローで、言動に品がなく、一見しただけでは善玉か悪玉かも判然としません。それでいて鋭い洞察力をもった切れ者で、実は曲がったことを憎んでいますから、面倒に巻き込まれたとなれば悪い奴らを全部やっつけてしまいます。

しかしただ強いというだけでなく、日々これ精進を怠らず、かといって決して人には努力している姿は見せず、むしろ悪ぶった振る舞いを見せるという生き方をしています。必要とあらば敵に取り入ったりもする策謀家ですから、周囲にはなにを考えているのかわからないところもあって、味方までを欺きつつひとり作戦を遂行していきます。

ただ刀を振るえば敵を全部倒せるという現実離れした剣豪では決してなくて、たったひとりで大勢を倒すためにはまず智慧で敵に勝り、綿密な作戦を立てて着実に、順番に、仕事をこなしていく必要があるというということを熟知し、それを実行していくのです。

観客である私たちは、悪ぶっていた彼の本心を知ってしびれ、彼の立てた計画を想像してしびれ、ひとつひとつそれをこなしていくプロセスにしびれます。そして最後には一番の難敵と一対一の決闘となることにスリルの頂点を味わって、すっかり彼のとりこになってしまうんですね。

こんなキャラクターを実現させたのは、黒澤の脚本によるものであることはもちろんですが、黒澤にこんな脚本を書かせたのは三船の地の性格でもあったようです。三船がここまで生き生きと素浪人を演じたのは、素浪人のキャラクターが三船そのものであり、あるいは三船の理想とする生き方でもあったからでしょう。

脇を固めた俳優陣もすごいものでした。東野英治郎、志村喬、仲代達也、加東大介、藤原釜足、西村晃、山田五十鈴、司葉子、ジェリー藤尾らですが、他の監督作品ではさほどでもないと思える俳優も、黒澤映画ではひとりひとりの存在感がすごいことになります。

中でもこの人、大男かんぬきを演じた羅生門綱五郎（らしょうもんなみごろう）。
『用心棒』の公開当時はまだこの映画を理解できなかった若い（？）世代には、ジャイアント馬場の姿とダブって見えます。
背丈も、顔も、昭和13年生まれのジャイアント馬場にとてもよく似た人なんですが、羅生門綱五郎は大正９年生まれですから、馬場より18年も年配です。もと力士で、新高山（台湾にある富士山より高い山から取った名）という四股名で花籠部屋所属、幕下まで進んだのちにプロレスラーになったそうです。『用心棒』は昭和36年の作品ですから、俳優陣は平均身長がせいぜい160センチぐらいだったのではないかと想像しますが、その中にあって身長２メートルを超える羅生門は立ってるだけでもド迫力でした。

大男かんぬきと他のキャラクターとの身長差もそうですが、キャラクターひとりひとりの個性が互いに強いコントラストを放って違いを際立てているんですね。
日本人は誰も画一的だと言われますが、人間を同じ顔にするのは秩序ある社会の要請ですから、やくざどうしの喧嘩に登場する面々はその正反対であった方がそれらしく、全員が自分の個性を隠そうとしないことによってこそ、その根底にある反秩序を明確にします。
だからとばかりに性格上の欠点が子供のまま体だけ大きくなったようなキャラクターがぞろぞろ出てきます。ひとりひとりがはっきり違いますから、誰が誰だったか、などという混乱はおきません。

これは人物の多い映画には非常に大事なことで、性格も風体もはっきり違う人物をたくさん作り出すことによって、作品全体の色みがはっきりとしてくるんですね。同時に観客が映画の世界に入り込みやすくもなって、映画を面白くする上で二重、三重の効果を上げるのです。

あらゆる点で活劇のお手本であり最高峰である『用心棒』は、その後世界の活劇を大きく変革しました。

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ミズーリ・ブレイク

2007-09-07T07:23:00.000+09:00

『ミズーリ・ブレイク（The Missouri Breaks）』（1976年アーサー・ペン監督）

1970年代ともなってくると、アメリカ映画の西部劇も内容が複雑になってきました。

ジョン・ウェインが活躍していたころには、苦労して生きる西部開拓者と野蛮な先住民という単純な対立図式でむしろ普通だったものですが、1970年、ラルフ・ネルソン監督、キャンディス・バーゲン主演、サンドクリークにおけるシャイアン族虐殺事件（1864年11月29日サンドクリークの虐殺）を描いた『ソルジャー・ブルー（Soldier Blue）』、そしてこれも1970年アーサー・ペン監督、ダスティン・ホフマン主演の『小さな巨人（Littile Big Man）』あたりからの変化でしょうか。ネイティヴ・アメリカン（本来のアメリカ人＝先住民）は悪者といった見方では映画が成り立たなくなってしまい、それに伴って、単純な勧善懲悪ストーリーも観客に満足されなくなってきたようです。これにはもちろん、アメリカン人にとってのベトナム戦争が意味を失いつつあったことも大きく関わっていました。

名匠アーサー・ペン監督によるこの『ミズーリ・ブレイク』には、先住民はまったく出てきませんが、“アンチ勧善懲悪もの”としてはほぼ頂点を極めたかのようなストーリーとなっています。泥棒が善玉なのか、泥棒退治をする側が善玉なのか、最後までその点はぼかされ、なにが正しくなにが間違っているのかという倫理原則すら曖昧なのです。

こんな西部劇はいやだ、もっとスカッとしたい、となれば、『シェーン（Shane）』（1953年ジョージ・スティーヴンス監督）あたりまで時間を逆戻しするのいいでしょう。

アメリカ合衆国というこの新しい大帝国は、そもそもが平和に暮らしてきた先住民の土地を侵略、収奪し、多くの先住民を虐殺し、さらに奴隷制度による安価な労働力の上に建国されてきたという、人道的には要するに、侵略者である白人が悪事の限りを尽くして成立した国家なんですね。これにはもはや米国人からも異論はないでしょう。

そんな国ですから、なにが人の道かということよりも、どれぐらい自由に生きたかという点が重要とされることが多いようで、同じアーサー・ペン監督の1967年作品『俺たちに明日はない』に描かれたボニーとクライドというアベック強盗などは、1930年代という大恐慌の時代に実在し、マスコミがむしろ英雄的に扱って、庶民もそれを見て喜んでいたぐらいです。

日本にもまあ、石川五右衛門のような伝説の大泥棒もいたわけですが、石川五右衛門が英雄視されてきたのは盗賊だったからというよりも、歌舞伎や浄瑠璃で、作られた物語の義賊としての生き様なんですね。実際の石川五右衛門がどんな人だったのかについての詳細な記録はないようです。

ジャック・ニコルソン演ずる『ミズーリ・ブレイク』のトム・ローガンもまた、泥棒です。列車強盗をやって得た金で牧場を買い、さらに仲間たちをカナダまで送って馬をごっそり盗んできます。

ともに1972年に公開された『ゴッドファーザー（The Godfather）』（フランシス・フォード・コッポラ監督）と『ラスト・タンゴ・イン・パリ（Ultimo tango a Parigi）』（ベルナルド・ベルトルッチ監督）以来４年ぶりの公開作品となったマーロン・ブランドが演ずるのは、牧場主に雇われた泥棒退治請け負い人のリー・クレイトンという奇妙な人物です。犯罪者である泥棒を退治するのですから、本来なら善玉ということになりそうですが、このクレイトンは「整理屋（Regulator）」と呼ばれる処刑人で、相手が泥棒と決まれば射程距離の長い銃で狙撃して殺します。

これは従来の西部劇ではあまり見なかったタイプで、互いに向き合って早撃ちを競うようなガンマンとは大きく異なります。銃の腕は一級なんですが、殺し方は卑怯とも取れる方法ですから、映画の観客にも彼を正義と見る人はいないように描かれています。

そんな構成ですから、作品はむしろ泥棒のローガンに好意的で、整理屋のクレイトンは悪役に類する人物となってるんですね。愛すべき犯罪者と、憎むべき処刑人。さらにその処刑人を雇った牧場主は遵法精神のしっかりした人で、その一人娘が泥棒のローガンと恋に落ちます。

こうなるともう、どっちが正しくどっちが悪いか、わけがわからなくなってきます。『ミズーリ・ブレイク』は、そのへんのところを大いに楽しんで観たい映画です。

ミズーリ・ブレイク DVD 高すぎます。Gyao で無料で観る手もあります。

若草物語（1949）

2007-09-06T07:50:00.000+09:00

『若草物語（Little Women）』（1949年マービン・ルロイ監督）

＊今回、YouTube 動画は見つかりませんでした。

古いところでは1917年から、何度も映画化されているウォルコット原作『若草物語』の1949年版映画作品です。

アメリカは南北戦争時代の1860年代、従軍牧師の父が不在の家を母とともに守る四人姉妹の物語です。恥ずかしながら原作を読んだことはないんですが、この映画の四人姉妹は、三女と四女の順が原作とは入れ替わっているようです。この映画では、長女から順に、メグ、ジョー、エイミー、ベスになっています。

1949年版『若草物語』は、作者ウォルコット自身をモデルとした次女ジョーを、ジューン・アリスンが演じます。昨年７月に88歳で他界されましたが、この映画の公開当時はすでに31歳で、長女メグを演じたジャネット・リーが21歳、三女エイミーを演じたエリザベス・テイラーが17歳、四女ベスを演じたマーガレット・オブライエンが12歳ですから、四人の中では飛び抜けて年長だったんですね。実質主役として、映画全体を決定するポジションになりますから、経験でも実力でも一番だったアリスンの起用は決して間違いではなかったようです。

ニューヨークの貧しい家庭に育ったアリスンは、水泳に大変な才能があったようですが、男勝りの自称“長男”であるジョーも、走ったり柵を跳び越えたりします。また、アリスンは医者志望だったようですから、才女なんですね。

大変な美人女優のメリー・アスターが母役で、若いジャネット・リーや、後の絶世の美女リズ・テイラーに囲まれての出演ですから、アリスンの美貌というのは、この映画では悲しくもまるきり目立たない、というより、相対的にブスにすら見えるんですが、家族への強い愛と作家になりたいという若い情熱を表現して特別な存在感を放っていました。それまでミュージカル映画に出演してきたジューン・アリスンが、歌と踊りなしで一流映画女優となった作品です。

いろいろと見方はあると思いますが、少女から大人になっていく姉妹の固い絆に、素直に涙するという見方ができれば、これもまた名作として輝き続ける作品だと思います。

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トッツィー

2007-09-05T07:36:00.000+09:00

『トッツィー（Tootsie）』（1982年シドニー・ポラック監督）

名優ダスティン・ホフマンが女装して「女優」になった、80年代を代表する大ヒットコメディーです。共演は、『未知との遭遇』などのテリー・ガー、『キングコング（1976）』などののジェシカ・ラング。脇を固める俳優陣には、監督のポラック自身も加わっていて、アンディー・ウォーホールがちらっと出てきていたりもします。

ジャンルとしては、ロマンチック・コメディーになるんでしょうけれども、ロマンチックさの度合いとしては最低です。しかし最低だからこそおかしくて奥深く、また複雑で、観客も登場人物もみんなで混乱する楽しさがあります。

ちっとも仕事にありつけない貧乏俳優のマイケル・ドーシーは、俳優仲間と自主公演をやるための資金稼ぎに苦労します。様々なオーディションを受けるのですが、演劇やドラマへの情熱やこだわりが強すぎて、どこへいっても嫌われてしまいます。それならと変身して偽の女優になり「ソープ」と呼ばれるいわゆる「昼メロ」ドラマのオーディションに行ったら採用されてしまったのです。それで女優としてテレビに出るようになったら大人気となり、周りの人々を騙し続けたままの大変な毎日が始まります。

ほとんどがホフマンのワンマンショーとも見えるぐらいに、その魅力をたっぷりと楽しめます。特にキャラクターの設定がニューヨークの俳優ですから、私たち観客はまるでホフマン自身の素顔を見せてもらえたような気持ちになれますし、女装した女優役では、この映画１本きりの名女優の演技も楽しめます。

とことん笑わせてくれて、ときどきしんみりとさせてもらえて、ラストもなんとも最高の終わり方で締めくくるという、見事としかいいようのない名品です。

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フェイズIV

2007-09-04T07:48:00.000+09:00

『フェイズIV・戦慄！昆虫パニック（Phase IV）』（1974年ソウル・バス監督）

SF映画の古典的名作といえば、スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅（2001: A Space Odyssey）』（1968年）あたりが浮かんでくるところですが、この、なんとも低俗なる邦題のついた『フェイズIV』をあげる人がいるとすれば、それは相当にSF映画通ということになるんじゃないでしょうか。

それにしても、どんな邦題をつけるべきかいかに悩んだとはいえ、この「戦慄！昆虫パニック」というのだけはやめて欲しかったと切に思うところです。２１世紀ともなった現代なら、日本でも『フェイズIV』だけで十分にお客が呼べた（実はテレビ放映のみで劇場未公開）んですが、時代はまだ昭和の真っ盛りでしたから、まあしょうがなかったんでしょう。それにしても悔やまれます。

この映画『フェイズIV』を監督したのは、かの有名なソウル・バス（Saul Bass）です。なんでそんなに有名かといえば、歴史に残る偉大なグラフィックデザイナーなんですね。例えば、エッソのガソリンスタンドはバスの傑作です。企業名のロゴタイプと、スタンドのデザイン全般、つまりコーポレイト・アイデンティティーというブランド作りの仕事をするのがグラフィックデザイナーの大きな仕事のひとつです。

まだまだたくさん、私たちの見慣れたものがあるんですが、ここではもうひとつ、バスの大きな業績を紹介しなければなりません。
それは映画の初めの部分、タイトルロールのデザインという仕事です。古くは1954年のオットー・プレミンジャー監督『カルメン（Carmen Jones）』から、新しいところでは1995年のマーティン・スコセッシ監督『（Casino）』まで、テレビドラマも加えたらなんと５７本もの作品でタイトルデザインを担当しています。中でもアルフレッド・ヒッチコック監督の作品を多く手がけ、それまでの映画タイトルのあり方に革命を起こしてしまった張本人です。ヒッチコックの『サイコ（Psycho）』（1960年）では、映画史に残るあのシャワーシーンで完成映像のイメージを作画するコンテを担当したことでも有名です。

そんなバス自ら監督した唯一の長編映画が、この『フェイズIV』です。

日ごろどこにでも目にする蟻たちが、すぐれた知能をもった生命体のようになって集団で行動しはじめます。それが地面や蟻塚の中に飽きたらず、ついに生きた人間の体内にまで侵略してくるという恐ろしいストーリーです。本物の蟻をマクロ撮影しているんですが、これが本当に知能をもっているかのように動いて、邦題にあるとおり、戦慄します。（だからって邦題に「戦慄」と入れるのは野暮ですよね。）

蟻が人の体内に入ってくるという映像は、そのルーツが1929年の短編映画『アンダルシアの犬（Un chien andalou）』（ルイス・ブニュエル、サルバドール・ダリ監督）だと思います。『フェイズIV』の原作者にはもしかすると『アンダルシアの犬』へのオマージュという意味もあったのかもしれません。『アンダルシアの犬』は、うちにもVHSがありますが、これはDVDでも発売されているようです。

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日本では何十年も昔のテレビの洋画劇場で公開されただけのようで、幸い私はそれで見ることができたんですが、以来、もはや見る機会はなくなったかと絶望的な気持ちになってからすでに三十年も経ちます。実はその間にVHSは発売されていたようで、ヤフーオークションに出ていた形跡があるんですが、もう販売されていないようですね。運が良ければ、レンタルビデオ店にあるかもしれませんが、情報があったら是非お知らせいただきたいと思います。

今回も特別企画としまして、バスの手がけたタイトルをいくつか拾ってみます。タイトルロールだけでも見応えのある作品になっていたり、コンピューター仕掛けで凝りに凝った最近のタイトルの、これが原形だったのかと思えるものもあります。

1960年『サイコ（Psycho）』

1961年『ウエストサイド物語（West Side Story）』（エンドクレジット）

1966年『グランプリ（Grand Prix）』

1960年『栄光への脱出（Exodus）』

1966年『セコンド/アーサー・ハミルトンからトニー・ウィルソンへの転進（Seconds）』

1963年『おかしな、おかしな、おかしな世界（It's a Mad Mad Mad Mad World）』

もっとご覧になりたい方は、YouTube へ行って「Saul Bass」と検索してみてください。

華氏911

2007-09-03T00:12:00.001+09:00

『華氏911（Fahrenheit 9/11）』（2004年マイケル・ムーア監督）

この映画の主演は、今でも大統領をしているアメリカ合衆国のジョージ・ウォルター・ブッシュで、ブッシュはこの映画でラズィー賞の最悪主演男優賞を受賞したのみならず、同賞の最悪スクリーンカップル賞をコンドリーザ・ライスと共に受賞しています。ちなみに同賞の最悪助演男優賞はこの映画のドナルド・ラムズフェルド、最悪助演女優賞は同じくブリトニー・スピアーズです。

こんな書き方をすると、アメリカ大統領府の面々が俳優だったのかという話になりそうですが、実はそうではなく、この映画はドキュメンタリー映画なんですね。

ニュースでも騒がれたのでまだ記憶に新しいところですが、この映画は９・１１米東海岸同時多発テロの後、ブッシュ政権がどう対応してきたか、その出鱈目ぶりを徹底的に暴く内容となっていて、大変な非難を浴び、配給会社ディズニーが配給停止措置を取ったり、反論本も売れたりと、すごい騒ぎだったようです。

改めて観てみますと、さもブッシュが本物の低脳、かつ孝行息子で、単にブッシュ家の私的な利権とアメリカの石油利権のためだけに、９・１１には警戒せず、テロの直後もサウジアラビアのビン・ラディン家の人たちを何も調べずアメリカから本国へと出国させ、サウジとはいつまでも仲良しで、９・１１に何の関係もなかったイラクのフセイン政権を潰すためにイラクの平和と安全をめちゃめちゃに破壊したという内容になっています。

まあ確かに、ブッシュ自身もイラクに大量破壊兵器はなかった、あるという情報は誤りだったと、だいぶ後になってから認めたわけですし、アメリカはイラクのとんでもない埋蔵量の石油で大いに潤うわけです。だからこのドキュメンタリーで主張していることは、およそ事実なんでしょうね。アメリカが主権国家イラクを侵略したのは紛れもない事実ですし、それに賛同してイギリスやオランダなど、多くの国が軍隊を送り、さらには日本も自衛隊を安全なところに派遣して世界の失笑を買いました。

なんだったんだこれは？という思い。それがいまだに流血は終わらないという現状。考えたらまったくイヤになる現実があります。

しかし日本のように、自国に戦闘可能な軍隊を持たない国がなにをいっても始まりません。なにしろ私たち日本人は、イラク戦争でも何千人も死んだアメリカの息子たちによって安全でいられるんです。

アメリカが日本を見捨てたら、日本は中国や北朝鮮の言いなりになるしかないでしょう。日本は軍事的にアメリカの属国でしかなく、独立国といえたような国家ではないからです。

そんな日本に、私たちは生きています。アメリカに護ってもらうために、税金はアメリカへもたくさん支払われています。重税で本当に苦しい生活ではありますが、こうして誰も殺したり殺されたりせず生きていられるのも、アメリカのおかげなんですね。

世界を支配するのは、パワーです。そのパワーをいちばん持っているのはアメリカです。そのアメリカに戦争で負けて、潔くアメリカに主権を移譲したのが私たちです。なんとも情けない話ですが、アメリカもその後、日本の主権を認めてくれて、イギリスのように軍事的にも立派な国になってよいと言ってくれているんですから、さっさと新しい憲法を制定して、普通の先進国みたいになろうじゃありませんか。

そうならないことには、アメリカの犯しているこうした過ちを批判することなんてできないんですから。

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ラスト・トゥー・ウィークス

2007-09-02T10:11:00.001+09:00

『ラスト・トゥー・ウィークス（Two Weeks）』（2006年スティーヴ・ストックマン監督）

この映画が第一作というスティーヴ・ストックマンという人がどういう人なのか、Internet Movie Data Base にも、英語版の Wikipedia にも出ていません。Internet Movie Data Base には、経歴がただこの一作のみ、他にテレビ番組もなにもないようです。そんなストックマン監督ですが、製作・脚本・監督をこなして、なかなか見事な映画を作ってくれました。

高校時代、街にかかる映画を逃さず観ていたころ、『ラスト・コンサート』や『ジョーイ』といった、大事な人が癌で死んでしまう作品を観ては、その愛のドラマに感動していたものですが、誰かが死ぬ運命にあってそれを悲しむという、いわゆる「お涙ちょうだい物」は安易だということも次第に学んだものでした。

この作品『Two Weeks』もまた、そうした筋書きにはなっています。

男三人と女一人の四人兄弟がいて、母が癌で余命幾ばくもないということとなり、全員、母の家に集まってきます。
そこで交錯する兄弟の感情と生命力溢れる母の人生に、カメラがただ真摯に向き合ったという作品になっています。

作品には絶妙な間があります。その間の取り方が、登場人物の存在感と、彼らの複雑な感情を、実にリアルに伝えてきます。

この四人の兄弟が、死の床にある母のもとで経験し、学んだことを、すべて私たち観客も等しく経験させられてしまうかのような作品の完成度は、あまりに素晴らしいというほかないでしょう。きっとストックマン監督は、この映画と同じことを経験してきたんでしょう。作品紹介のある英語サイトには、セミ・オートバイオグラフィー（自伝）であると書かれていましたから、間違いありません。

比較的自由に生きてきて、四人の子供をもうけ、死の病に冒されてこの世を去っていく母を、二度のオスカーにも輝いた名女優サリー・フィールドが演じていますが、そこには演技などまったく感じさせないリアリズムが貫かれています。これぞ女優の中の女優でしょう。二度の離婚を経験しながらも三人の子供の母親ですから、『Two Weeks』公開の昨年60歳となった彼女の現実の人生経験というものが、この作品では大いに生きているようです。

子供たちは成長し、独り立ちしていきますが、それぞれが全く別の人生を歩んでも、母という、みなに共通の存在、最大の指導者によって、やはりひとつにつながっているのだということを知らされます。これは兄弟のある人なら、世界の誰にでも必ず共感される事実であり、人生最大の不思議でもあるんじゃないでしょうか。

この世を去っていく者と、まだまだ生きなければならない者。両者が迎えなければならない永遠の別れの意味は、両者にとって決して同等のものではありません。ではどこがどう違うのか、これも大きな問題ですが、この作品は、非常に価値ある示唆に富んでいます。

ＤＶＤは、未発売だそうです。スターチャンネルなど、テレビでの機会がありそうです。

ヒトラー〜最期の12日間〜

2007-09-01T00:06:00.000+09:00

『ヒトラー〜最期の12日間〜（Der Untergang）』（2004年オリヴァー・ヒルシュピーゲル監督）

「一人殺せば殺人者だが、百万人殺せば英雄だ。」と言ったのは、1947年の『殺人狂時代（Monsieur Verdoux）』でチャップリンが演じたムッシュ・ヴェルドゥーですが、そのチャップリンが生まれてたった４日後に生まれてきたのが、このアドルフ・ヒトラー（1889年4月20日生まれ）です。

ヒトラー以前より、東ヨーロッパにはユダヤ人を排除するべきだという思想があったといいますが、まさか本当に政権をとって600万人（数字には諸説あり）も殺す政治家が現れるとは誰も思わなかったでしょう。しかしそれは決してヒトラー一人のしたことでなく、ドイツ国民をはじめとする多くのヨーロッパ人が下地としてもってきた感情が働いたものだったはずです。

ヒトラー総統とナチの側近たちの最後を描いたのがこの作品です。同名の研究書があって、それを下地に歴史的な事実に務めて作られているようですが、なにしろカメラはヒトラーと側近たちにぴたりとくっついて、その人格を非常にリアルに描写していますから、必然、一人一人がちゃんと人格をもった人間であったと語ることともなり、それを観た世界各国の人々から、「そやつらを美化するな！」といった非難も相当あったようです。

ヒトラーをひたすらクローズアップしたこともそうですが、ヒトラーの忠実な側近であったゲッペルスと妻、その６人の子供たちの姿も、非常に生々しく描かれています。それは決して狂気の政治思想に犯された狂人家族としてではなく、強固な責任感に貫かれたゲッペルス宣伝相と、それを支える鉄の意志をもった妻、そしてこの夫婦が６人の子供たちに向ける深い愛情というものまで伝えてきますから、ナチに人生や肉親を奪われた側としてみたら、こんな映画を世界に流すのは許せないということにもなるんでしょう。

この映画にもっとはっきりと伝えて欲しかったのは、実経験との関連の怪しい思想が人間を狂わせ、他存在の排除と否定をおこなうのだということです。ヒトラーの何が悪いかといってもし一つあげるなら、それは思想に他なりません。それをヒトラーは神の意志だのといった騙りをもって、国民を史上最悪の不幸に引きずり込んだのです。それは神の言葉などではなく、人間が空想しただけの思想なんですね。

ナチは空想の産物である思想に忠誠を誓い、思想によってのみ行動し、思想によってユダヤ人を憎悪し殺戮したのです。
私たちが拠るべきなのは、人類が何万年と生きてきて蓄積しているはずの善意であって、思想はその善意にのみ基づくべきものです。

悪意が善意より悪いのは当たり前ですが、ではなにが善意かと一言でいえば、それは共存、共に生き、生かし合うことであるはずです。
共存は他者を排除せず、他者の存在を否定せず、自分の属す集団と、他の集団との違いに目を向けた上でその違いを肯定することこそが、人類に唯一共有できる真の善意であるはずです。

人類何十万年のうちのわずか五千年、有史の五千年という時代は、他者の排除と否定によって大きな災いの絶えなかった時代です。
その災いは多く思想によってもたらされ、その思想の多くは宗教によるものでした。ユダヤ教でも、キリスト教でも、イスラム教でも、宗教が言葉で説明されれば思想となり、思想となればもはや神の言葉であるはずはありません。人間が説明する言葉のすべては、人間の言葉だからです。

人間の言葉を神の言葉とするところには、必ず狂った思想が生まれ、その思想が災いを引き起こすのです。

ここで述べたことは、私たち日本人には簡単に理解できることだと思います。なぜなら、日本人はもとから一つの宗教などに固執せず、真の善意を身に着けてきたからです。日本人には神道があり、仏教があります。道教も信じ、キリスト教も信じます。たった一つの宗教だけに傾倒している人に対しては、私たちは本能的に危険なものを感じます。「神はこうおっしゃいました。」なんて押しつけてくる人は他者の否定に走りやすいという智慧を、私たちは先祖代々身につけているからです。

もちろん、聖書やコーランには正しいことが書かれているでしょう。しかしそれを信じない人を排除したり否定したりすることが神の意志であるというのなら、それは単に神を誤解しているだけだといってどこにも間違いはありません。

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カイロの紫のバラ

2007-08-31T00:04:00.000+09:00

『カイロの紫のバラ（The Purple Rose of Cairo）』（1985年ウディ・アレン監督）

スクリーンの中で毎日同じ演技をすることに飽き飽きしていた映画の登場人物が、毎日観に来てくれる女性に目がとまり、スクリーンから出てきてしまいます。夢の世界にいたあのスターが自分に会いに来る。その点で、昨日紹介した『ノッティングヒルの恋人』と同じシチュエーションですが、『カイロの紫のバラ』はさらに絶対あり得ない話ですから、コメディーである以上にファンタジーということになります。

映画を観るよりほかに楽しみのない平凡な女性セシリアをミア・ファローが見事に演じています。私生活ではウディ・アレンと大いにこじれて法廷でも争ったファーローですが、映画ではアレン監督の思い描く純朴な女性像を完璧に実現してくれています。

2007年の今改めて驚くのは、ウディ・アレンのこうした作品が、年数を経てまったく古くならないことです。その一番の要因は、アレン映画のユニークな様式にあると思います。

一般的に、映画には時代によって少しずつ変わる作品の様式があります。例えば映画の本編が始まる前にはオープニングのタイトルが流れますが、それを観ただけで、およそいつごろ作られた作品か想像できたりします。古いところからいえば、動かない字幕で始まるタイプ。それに絵なども入るようになってきて、さらにタイトルバックと呼ばれるタイトル専用の動く映像になってきます。最近では、いきなり本編が始まって、その映像にタイトル文字を入れ込んでくるタイプが多くなっています。

本編そのものも、カメラを三脚に固定することを基本とする手法や、手持ちカメラを主体とする手法がありますが、監督の得意な手法が取られるのはもちろんですが、これにも時代によって傾向があるようです。そもそもずっと同じ手法では進歩がないということになってしまいますから、新しいものを求める観客と製作者の要請に応じて、次々に斬新な手法が試され、それが成功すれば模倣も出てきて流行になってくるわけですね。

ウディ・アレンの作品も、まったく変わっていないというわけではないんですが、いつも安心して見ることのできる独特のリズムなどから、見ればすぐウディ・アレンの映画だとわかります。独特の手法と様式をもった監督はほかにももちろんいるわけですが、ここまで長い間第一線で良い作品を作り続けている人も少ないのではないでしょうか。そのためなのだと思うんですが、1985年に公開された『カイロの紫のバラ』は、20年後の2005年の作品だと騙されても、知らない人は疑わないのではないかと思います。

とても趣味の良いファンタジーです。コメディーとしても、ロマンスとしても、他の監督にはない独特で上質な味わいがあります。

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ノッティングヒルの恋人

2007-08-30T07:06:00.000+09:00

『ノッティングヒルの恋人（Notting Hill）』（1999年ロジャー・ミッシェル監督）

世界一有名な超美人の映画スターともなれば、映画館やビデオモニターのスクリーンに食い入る世の男性の数は、世界に数千万人というところでしょうか。数千万人の少年や青年たち（さらに中高年のおじさんたち）は、彼女の愛らしさと美しさにうっとりして、映画を観ている間、心は夢の世界にあります。

そんな可愛い大スターがふと自分の家にやってきたら、なんてことを想像することもあるかもしれません。もちろん、そんなことって絶対にあり得ないことなんですが、彼女を迎えるには部屋をまず掃除して、冷蔵庫にはあれとあれを用意して･･･と、たまにはそんな馬鹿げた想像をするのも楽しいかもしれませんね。

『ノッティングヒルの恋人』は、本屋で働く平凡な青年ウィリアムが、偶然にも大スターのアナ・スコットと出会ってしまい、あろうことか恋に落ちるという、私たち凡人の想像でしかない夢物語を、大まじめにロマンチックなストーリーにしてしまったという作品です。

ウィリアムをヒュー・グラント、アナをジュリア・ロバーツが演じます。ロバーツは１本出演で何千万ドルか稼いでいましたが、この映画のアナ・スコットも、ロバーツとダブって見えるキャラクターです。きっとロバーツにとっては演じやすいキャラクターだったのではないでしょうか。

このようなあり得ないストーリーのラヴロマンスについては、きっと評論家の先生方は厳しい採点をするんじゃないかと思いますが、私個人的には、めちゃめちゃ好きです。それは自分がかつて、絶対に手の届かないスターが好きだったことがあったり、芸能界ともかなり近いところで仕事をしたことがあったりするためかもしれません。要するに、ミーハーだったんですね。程度の差こそあれ、誰にでもミーハー根性というのはあるんじゃないかと思いますが、自分がそうだったという経験があれば、きっとこの映画は大いに楽しめるのではないかと思います。

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激突！

2007-08-29T00:12:00.000+09:00

『激突！（Duel）』（1971年スティーヴン・スピルバーグ監督）

1971年11月、アメリカのテレビで放映されて大変な好評を博したスピルバーグの出世作です。

主演は、1970年から1977年まで続いたテレビドラマ『警部マックロード』でサム・マクロウドを演じたデニス・ウィーヴァー。こちらは日本でも放送されて人気番組でした。『激突！』ではほとんどデニス・ウィーヴァーの一人芝居で、道路で喧嘩を吹っかけてくる謎のトラックと一騎打ちを演じます。

YouTube 動画は『激突！』のオープニングですが、小津安二郎監督のローポジ（カメラを低く固定して撮る手法）の向こうを張るかのように低いところにカメラを固定して道路を這って走るような映像がいきなりの緊迫感を伝えてきます。横断歩道を渡る人のひざほどの高さでしょうか。これはもちろん撮影用の車にカメラを固定したんでしょうけれども、歩く人はこっちを無視していますから、エキストラの役者さんなんでしょうね。

日ごろ車に乗っておりますと、ごくまれに、この映画のようにわけのわからない威張り方をするドキュン車を見かけることがありますが、その挑発に乗ったらそのあとどうなるか、互いに命懸けで先を争って走るようなことになれば、重大な事故を引き起こす危険性が一気に高まりますから、「馬鹿は相手にしない。」「金持ち喧嘩せず。」ということで、お金はなくても余裕を見せて、「お先にどうぞ。」と譲ってやることが長生きの秘訣なんでしょうね。

この映画、『激突！』のすごいところは、まずお金がかかってなさそうなところです。役者もあまり出ていませんし、車は赤い乗用車が１台、大きなトラックが１台。あとはドライブインのようなところのセットですが、これも営業している本物をちょっと貸してくれといって撮影できそうな程度にしか出てきません。そのようにお金がかかっていないのと同時に、映画全体の構成と要素がとてもシンプルです。予算の制約があったらこの手に限ると思いたくなるような映画です。

しかしそれでいて、怖い。なかなかこんなに怖い映画もないだろうというぐらいに怖い映画です。人物像の描写は苦手でも、特殊な状況を疑似体験させる映画を撮らせたら世界一のスピルバーグ監督。これが世界的に名をあげた最初の作品ということになります。この作品のあと、『続・激突！／カージャック（The Sugarland Express）』、『ジョーズ（Jaws）』、『未知との遭遇（Close Encounters of the Third Kind）』と、数々の輝かしい作品へと続いていきます。

ちなみに、1974年の『続・激突！／カージャック（The Sugarland Express）』は、『激突！』とは何の関連性もない別の作品です。邦題をつけた配給会社が、まだ「スピルバーグ」の名ではヒットしないと考えて『激突！』の人気にあやかろうとしたんでしょうけれども、このように意図的に誤解を与える題名はやめてもらいたいものですね。

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ステップフォード・ワイフ（2004）

2007-08-28T00:32:00.000+09:00

『ステップフォード・ワイフ（The Stepford Wives）』（2004年フランク・オズ監督）

1975年、ブライアン・フォーブス監督のホラー映画『ステップフォード・ワイフ』をリメイクしたコメディーです。

切れ者のテレビプロデューサージョアンナは、過激な番組をやりすぎて首になり、夫と子供たちとともに、ステップフォードという、夢のように上品な街に越してきます。どこの家庭もお金には困っていませんし、奥さんたち（The Stepford Wives）はすごい美人ばかりで、家事を心から愛しています。この街、一体どうなってんの？というところから面白くなってきます。

旧作でキャサリン・ロスが演じた主人公のジョアンナを演じるのは、当代一の美人女優ニコール・キッドマン。1967年生まれですから、若くて美しいキッドマンもそろそろ見納めかというところ。美人女優ってのも考えたら実に厳しい稼業です。美しさをもてはやされ、１作で代々食べていけそうなくらい高額の出演料を稼ぎますが、自分より若い美人女優たちが後から後から出てきます。40代ともなればすぐに50代。あっという間に初老の域に達して、優しい母親役ばかりならいいですが、意地悪なおばさんの役や、狂ったお婆さんの役までやらされます。稼ぐだけ稼いだらさっさと引退するというのが懸命だったりするのかもしれませんが、映画の現場で働くことが生き甲斐になってますと、なかなかやめられません。

コメディーでは、シャーリー・マクレーンがまだ活躍してますが、若いころの可愛らしさなんてとっくにかなぐり捨てて、やんちゃなお婆さん役を嬉々としてこなしているようです。これぞ女優の生き様というものなんでしょうね。ジュリア・ロバーツやニコール・キッドマンにも、是非あんな生き方をしてもらいたいものと、まだちょっと早いですが、次第にふけゆくスーパースターを見ているとついそんなことを思います。

2004年の『ステップフォード・ワイフ』については、是非なにも知らないで、できれば上の予告編も、1975年のオリジナル・ホラー映画も知らないで観た方が面白いんじゃないでしょうか。難しいこと一切なし。大いに笑える作品です。特に、最後に爆笑が待ってます。

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赤い風船

2007-08-27T00:17:00.001+09:00

『赤い風船（Le Ballon Rouge）』（1956年監督脚本アルベール・ラモリス）

複雑な要素が絡み合って手の込んだ作品というのももちろん面白いものですが、たまにはシンプルに、さらには、どきどきもはらはらも一切せず、ほとんど悲しくもおかしくもなくて、ただ微笑ましく穏やかに時間が過ぎてゆくような映画というのも良いものです。

ささやかなファンタジーと形容したくなる『赤い風船』は、まさにそんな映画、わずか34分の短編ですが、これぞ珠玉の名品です。

監督は、アルベール・ラモリス。主演は、公開当時まだ６歳のパスカル・ラモリスで、アルベール・ラモリスの実の息子です。

パリの街の中、様々な生活者も端役で出てきますが、物語はただ幼いパスカル君とその友だちである赤い風船が、とにかく仲良しだという、それだけで成り立っています。きっと小学校に入学したばかりなんでしょうね。就学前の自由な生活から学校生活に入ったばかりの子供たちというのは、学校の決まりごとにまだなかなか慣れていなくて、これから少しずつそれを習得していくわけですが、生まれてからこれまでの自分の世界が、みんなと共存する集団の世界に折り合いをつけるのは容易ではありません。

『赤い風船』に描かれる世界は、そのような子供の世界です。夢と現実の境目が曖昧な子供の世界が、この映画ではまるで詩のように、情感豊かに表現されています。映画というよりも、「映像詩」と呼ぶべき作品。そこには台詞らしい台詞もほとんどなく、パスカル君が風船を「Ballon（風船）！」と呼ぶぐらいです。

日本では、小学校の体育館などで全校児童を集めて上映されることもあったようです。また、この作品は子供以上に、大人にこそ観てもらうべき作品ではないでしょうか。優れた詩人を多く輩出しているフランスから生まれた、映像で観る、穢れなき詩の世界です。

DVDは未発売で、1984年に発売された昔の高価なVHSしか手に入らないようです。
赤い風船 VHS 売り切れかもしれません。>>

取り敢えず観たい奥の手 YouTube：
http://jp.youtube.com/watch?v=SGgX212Pn7A
http://jp.youtube.com/watch?v=nN5FWShLAwE
http://jp.youtube.com/watch?v=cmQJxIy7HOI
http://jp.youtube.com/watch?v=pPoc9Jtx8YE
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マレーナ

2007-08-26T00:03:00.000+09:00

『マレーナ（Malèna）』（2000年ジュゼッペ・トルナトーレ監督）

少年がオスへと成長していくその過程では、肉体的な変化とともに、終わりなき妄想が押し寄せるものです。

1988年に『ニュー・シネマ・パラダイス』を発表し、あの華やかなりしころのイタリア映画がまだ健在であることを知らせてくれたジュゼッペ・トルナトーレ監督ですが、この『マレーナ』では、Malènaという名の美しくも悩ましき女性と、その女性に思い焦がれる少年の狂おしい衝動を見事に映像化してくれました。

オスとして生きてきた中年としては、もう二度とあの時代には戻りたくないと思うのが、思春期です。

体の成長によって発達してくる生殖本能によって、それまでの屈託なき思考は侵食され、堪えがたい衝動が平常心を破壊しようとします。しかしそこでは忍耐というよりもむしろ、おのれの無能さ、無力さを思い知らされるばかりで、生殖能力があっても対象のないこと、対象が視界に入っても手も足も出ないことに悔しい思いをして日々を過ごすのです。

このころの対象とは、同年代の少女ではなく、どうにもこうにも年上の、匂い立つような婦人たちである場合が多いのですが、まさかなにかをお願いするわけにもいきませんし、なんとかこっちが一言発したところで子供ですから相手にされないに決まっています。だからどうしたってただひとり悶々として時は無駄に流れていくのです。

そんな思春期を描いた映画は決して少なくありませんが、この『マレーナ』ほどに悩ましい作品は、ほかにないのではないでしょうか。

美しいマレーナを演じたのは、イタリアはペルージャで一人っ子として生まれたモニカ・ベルッチ。まあとにかく、完璧な美女で色気むんむん。彼女こそが、人類史上最強のセックスシンボルだと思えてきます。少年たちに限らず、男という男の魂を吸い取ってしまう魔の存在なんですね。

ベルッチは、Dolce & Gabbana というファッションブランド（？）のモノクロCMでトルナトーレ監督に起用されたことが、この映画に出演するきっかけになったそうです。気になるスリーサイズは35C-24-35、靴サイズは10だそうです。ご興味のある方は換算してみてください。ヌードカレンダーも出版されたことがあるそうですが、入手できるんでしょうかね？

そこで今回は、当ブログの男性読者諸兄だけへの捨て身の特別サービスを行います。中高年の皆さんも漲る思春期に引きずり戻されて好きなだけ悶死してください。Google の Blogger ならでは、当ブログならではのサービスです。

そういえば主人公の少年を演じたのはジュゼッペ・スルファーロというそうです。モニカ・ベルッチへの興味優先で、主人公を誰が演じていようがどうでもよくなってしまいますが、このスルファーロ少年も見事でした。

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ペーパームーン

2007-08-25T00:07:00.000+09:00

『ペーパームーン（Paper Moon）』（1973年ピーター・ボグダノヴィッチ監督）

全編あえてモノクロで綴られた父と娘の物語を、ライアン・オニール、テイタム・オニールという実の親子が演じた永遠の名作です。

テイタム・オニールは、わずか十歳という史上最年少でアカデミー助演女優賞を受賞しました。チャップリンの『キッド』で捨て子を演じたジャッキー・クーガンが、観た人の心に永遠に生き続けるように、『ペーパームーン』の少女アディーも、永遠に忘れられないキャラクターです。

ブラジル映画『セントラル・ステーション』のジョズエもそうですが、映画によって記憶に強く焼き付く子供の姿というのは、子役本人の器だけではなく、なによりも演技を引き出す監督の力量によるところが大きいものです。アカデミー賞受賞は子役テイタム・オニール一人だった『ペーパームーン』ですが、ピーター・ボグダノヴィッチ監督と、共演した実の父親ライアン・オニールなくしてテイタムの受賞もなかったはずです。

映画史に残る子役というのはもちろんほかにもたくさんいますが、アメリカ映画では、1935年にアカデミー名誉賞を受賞したシャーリー・テンプルが筆頭でしょうか。1932年から34年の三年間には28本もの映画に出演して、大不況に苦しむ人々を勇気づけました。日本でも「テンプルちゃん」として人気を博しています。

同じ時期、戦前の日本での名子役といえば、「和製テンプルちゃん」の悦ちゃんなんですが、この「ちゃん」のつく珍しい芸名の名子役は、現代の日本人にはまるで知られていません。かくいう私も、彼女の出演作をたった１本しか観ていませんので、ここで偉そうにわかったようなことは書けませんが、どうしてこんなに忘れられているのかといえば、これもやはり以前書いたとおり、日本と日本人、そして日本の映画会社の、文化財への無関心や管理の杜撰さによるものでしょう。「映画なんて花火みたいなもの」と言われていたくらいで、それがおおかたの共通認識でもあったのです。つまり、劇場公開して収益を上げたらそれでおしまいということだったんですね。

子役というのは特に、その作品でしか見られない成長過程にあります。『ペーパームーン』で映画デビューしたテイタム・オニールは、次の作品が三年後の1976年、少女ピッチャーを演じた『がんばれベアーズ』ですから、あのアディーを演じた十歳のテイタムが観たいと思っても、『ペーパームーン』たった１作しかないのです。

子役が輝いた作品の尊さというのはそこにあると思います。『キッド』のジャッキー・クーガン、『ラッシー家路』のエリザベス・テイラー、『禁じられた遊び』のブリジット・フォッセー、『アラバマ物語』のメリー・バダム、『ペーパームーン』のテイタム・オニール、『アイ・アム・サム』のダコタ・ファニング、･･･などなど、画質の悪い安物のＤＶＤでもいいから永遠のライブラリーとして宝物にしたいものです。宝物というのはなにも価格で決まるものではないはずですから。

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シンデレラマン

2007-08-24T08:46:00.000+09:00

『シンデレラマン（Cinderella Man）』（2005年ロン・ハワード監督）

『ダ・ヴィンチ・コード』のロン・ハワード監督による、『ダ・ヴィンチ・コード』の前年に公開されたボクシング選手の映画です。

ボクシング映画といえば『ロッキー』がすぐ浮かんでくるところですが、『シンデレラマン』は、実在したボクシング選手の実話を映画化したストーリーです。それでいてストーリーが『ロッキー』にもよく似ています。よく似てるんですが、本当にあった話。本当にあった話で『ロッキー』以上に面白いんですね。

ラッセル・クロウ演ずるジム・ブラドックという、アイルランド出身のボクサーの伝記映画なんですが、命運を決する大勝負に次から次へと挑んでいくあたりは、『ロッキー』の最初の作品から『ロッキー４』ぐらいまでを全部まとめて見せてくれるような、なんとも贅沢な内容になっています。

レネー・ゼルウィガーが演じたブラドックの最愛の女房の存在も、『ロッキー』のエイドリアンみたいな役なんですが、これも本当の話ですから、現実味があります。時代は大恐慌の前から始まって、その大恐慌の時代にボクサーとしての職を失い、港湾労働者の職に日雇いでなんとかありついて、三人の子供たちを食べさせていくことに大いに苦労する夫婦の物語でもあります。

暗く厳しい時代が実によく描けていて、ニューヨークのセントラルパークの中に、大統領の名前をとったフーヴァー・ヴィレッジという村までできています。家賃を払えない人々がここへ来て住み着いていたのだそうです。

どん底に落ち込んだところから、地味な努力を続けて這い上がる、そういう映画を観たいとなれば、『シンデレラマン』は最高の時間を作ってくれるでしょう。

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インサイド・マン

2007-08-23T08:54:00.001+09:00

『インサイド・マン（Inside Man）』（2006年スパイク・リー監督）

非常にシリアスでシャープな切れ味を見せる社会派黒人監督、スパイク・リーの犯罪サスペンスです。

銀行強盗の一部始終を描いた作品ですが、『インサイド・マン』のすごいのは、その犯罪の特異性ですね。なにからなにまで計算しつくされた完全犯罪なのですが、今までのどんな犯罪映画にもなかったものでした。

銀行の頭取に雇われて犯人と交渉する有能な弁護士としてジョディー・フォスター演ずるホワイト弁護士が出てきますが、自信に満ちた彼女の提案に対しても、クライヴ・オーウェン演ずる主犯ダルトンが揺らぐことはありません。なにしろ人質を50人もとっていて、その全員が犯人と同じ服装をさせられていますから、警察だって外から眺めるばかりで手も足も出ないんです。

はらはらするような犯罪サスペンスとはちょっと違うので、それを期待して観たらちっとも面白くない作品なのかもしれませんが、犯人、警察、頭取、交渉人それぞれの思惑と、謎に満ちた犯行の目的が次第に見えてくるプロセスが、他の映画では味わえない特別な作品にしています。

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ユナイテッド93

2007-08-22T00:06:00.001+09:00

『ユナイテッド93（United 93）』（2006年ポール・グリーングラス監督）

『ボーン・スプレマシー』のポール・グリーングラス監督による『UNITED 93』です。

劇場で公開されたときに何としても見たいと思いながら見られなかった『UNITED 93』ですが、DVDで見ることができて、むしろ良かったと思いました。本編の他に、実在した乗客を演じる俳優たちがそれぞれの遺族を訪れるというドキュメンタリーまで収録された価値あるDVDなのです。

映画本編もまるでドキュメンタリーのようにリアルで、多くの観客がユナイテッド93便に同乗していたような気持ちになったことでしょう。もちろんそれは、DVDでもリアルに体験できます。

ウサマ・ビンラーディン率いるアルカイーダなる組織は、アメリカを大悪魔とし、アメリカ人を殺すことが正しいことだと信じているようです。2001年9月11日の朝に起きたアメリカ東海岸同時多発テロも、そうした「思想」に殉ずる「兵士」たちによって引き起こされたんですね。

合衆国当局が、テロを事前に知り得たという説もあるんですが、それはともかくとして、テロなる行為に正当性があるのかどうか、ここではその問題に結論を出したいと思います。

米国が仮に大悪魔であったとしましょう。しかしその定義は、神に背く者という意味にはなりません。

そもそも神が人に何かを命令することはないんです。神の言葉があると考えることもひとつの「思想」にすぎず、言葉は基本的に人のものであり神のものではないからです。特にそれが込み入った内容の言葉であれば、神が込み入った内容の言葉を喋って人に伝えたという話になってしまいます。それこそ荒唐無稽というものです。

米国がなぜ「大悪魔」であるのか、それを説明することも込み入った話になってきますから、米国＝大悪魔説も、神の言葉ではなく、どこまでもそれは人の言葉にすぎないわけですね。

そこで、神は横に置くとしましょう。

米国が国として、一国の文明として、さほどの軍事力をもたない中東諸国の石油利権を追究せんがために横暴なる国際政治をおこなっているという見方はできます。となれば、それへの反感や反抗は起きて当然で、米国を標的としたテロが行われる動機としては十分でしょう。

ではなぜ日本では対米テロが起きないのでしょうか。

日本は太平洋戦争で多大の犠牲を出しました。責任は日本の軍部にあってアメリカにはないというのは、あくまでも戦勝国の論理であって、広島・長崎で無辜の市民が大量殺戮されたという事実を正当化できるものではないはずです。日本は南京大虐殺をしたなんていう話も聞きますが、実際のところは二十万南京市民の人口はその後も増え続け、三十万人が殺されたという中国の主張に何の根拠もないことは明らかです。もっとも日本だけが犠牲者を多く出したとはいわないまでも、対米戦争に限っては、アメリカによる大量殺戮が行われた事実を否定することはできません。

となれば必然的に米国への恨みも出るし、反感や反抗が出て、占領下における対米テロが頻発してもよかったのではないかと思われます。今のイラクを仮に当然の成り行きと見るならば、なぜ同じことが日本で起きなかったのか、説明するのは困難です。

それを説明するなら、日本と日本人には潔さがあったから、ということになりそうです。

私たち日本人は、無条件降伏という形で潔く敗戦を認めました。もっと早く降伏すべきだったという意見すら多いのです。そしてなぜ敗れたのかを自問し、反省しました。敗れてもなお、敗戦を認めないというようなひねくれた根性が、幸い日本人には不足していたわけです。

オリンピックなどのスポーツにおいても、日本人のこうした潔さはよく表れています。審判の判定に仮に不服であっても、試合場に居座るといった実力行使をしようとはしないのが日本人です。負けですか、そうですか、わかりました、負けと判定されるだけの試合しか自分にはできなかったのですから反省しましょうという発想の切り替えができるんです。だから敗戦後も、戦前のように戻ってアメリカ文化を歓迎さえしたんですね。

もしまた今度、アメリカより強い国になりたいと思うなら、まずは反省に立ち、焼け跡を復興して国を立て直し、さしあたり経済的な繁栄を築きましょうというのが日本人です。そこには、テロを生み出す余地すらなかったと見ることだってできるでしょう。

こうした潔さ、反省ができないから、テロが企てられるんでしょう。

現実問題として、世界はパワーが支配するものです。米国のパワーに勝てないとなれば、世界の秩序を優先とし、米国をパワーの頂点とした秩序に加わって、時代の流れと変化を生きてゆくことが先決です。そしてその米国の地位も永遠に続くとは考えられませんから、そのうち他国への権力移譲ともなるでしょう。そのときに自国がより高い地位に立てるよう、弛まぬ国作りを続けたらよいのです。

テロ行為にはそうした反省がありません。反省がないから成長もありません。負けてなお負けを認めず、殺しやすい無防備の市民ばかり狙って殺戮して、勝者を困らせては喜んでいるだけです。いつまでも自分たちは負けていないと、現実から逃げていたいだけなんです。

そんな狭い了見の神があるものでしょうか。イスラムの神だって、決してそんなことは望まないはずです。

長くなりましたが、映画の『ユナイテッド93』がとにかくすごいのは次のような点です。

・主役がいないこと。
・登場人物が俳優であることすら感じさせないこと。
・映画作品と思えないこと。

全部まとめれば、リアルな再現映像として、非常に優れているということです。観客であるはずの私たちは、ヴァーチャルながら、彼らと運命を共にするのです。娯楽作品ばかりで満足してきた私たちは、映画によってここまで疑似体験というものができることに改めて驚かされます。類のない、素晴らしい作品でした。

これはまさにポール・グリーングラス監督の手腕によるところが大きいのですが、同監督の劇場公開作品、他にはわずかですが、マット・デイモン主演の『ボーン・スプレマシー（The Bourne Supremacy）』（2004）があります。これもリアルな映像で、すごい作品でしたが、その次回作の『ボーン・ウルティメイタム（The Bourne Ultimatum）』が、で日本では今年11月17日公開予定です。非常に楽しみです。

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ゲス・フー／招かれざる恋人

2007-08-21T00:03:00.000+09:00

『ゲス・フー／招かれざる恋人（Guess Who）』（2005年ケヴィン・ロドニー・サリヴァン監督）

白人女性と黒人男性だった1967年の『招かれざる客』でしたが、『ゲス・フー／招かれざる恋人』はそのパロディーのような形式をとって、白人青年と黒人の娘がカップルです。

監督は、黒人のケヴィン・ロドニー・サリヴァン。テレビドラマの監督さんですが、この映画を底抜けに明るい見事なコメディー作品に仕立ててくれました。

明るいといっても、ドラマの中にはちゃんと黒人と白人の対立があって、娘の連れてきた男が白人だったことで到底承諾はできないという頑固親父も出てきます。ところがその頑固親父も人の子で、実は女房にはぞっこんで頭が上がりません。

バーニー・マックが演じたこの頑固親父が秀逸です。アシュトン・カッチャー演ずる白人青年との爆笑コンビも、史上最高レベルといってよいくらいのものがあります。

アシュトン・カッチャーも、こんなにいいやつどこにもいないと思わせるナイスキャラですし、『ターミナル』にも出ていた娘役のゾーイ・サルナダもなかなか気が強くて愛くるしいキャラクターです。

深刻な内容だった『招かれざる客』から38年、アメリカ社会が本当にここまで調和を手に入れたかどうかはわかりませんが、黒人家庭の食卓で白人青年が人種差別小咄を披露してその場のみんなを笑わせ、またついうっかり空気を凍りつかせて私たち観客を笑い殺すなんていう映画が作れる時代になったんですから、きっとアメリカも進歩しているんでしょうね。

特に私たちが注意して見たいのは、1967年白人監督の『招かれざる客』と、本質部分でどこが違うのかという点です。

『招かれざる客』は、皮膚の色こそ黒人でも、職業的身分、考え方、服装や身のこなしから話し方に至るまで、中身は白人のお手本ともなるほどに白人という、現実離れした黒人しか出てきません。『招かれざる客』はあくまでも白人の視点から一方的に描かれていたわけです。

しかし私たち日本人もまた「colored」です。白人ではなく、黒人と同じ有色人種なんですね。『招かれざる客』も含めたあらゆるアメリカ映画に慣らされて白人の視点を植え付けられてきた私たちには、『招かれざる客』を見ても、そこに問題を見つけることができなかったという事実があります。

2005年の黒人監督による『ゲス・フー／招かれざる恋人』は、単なる爆笑コメディーとしてもちろん楽しめるんですが、『招かれざる客』と正反対なのは、男女の白と黒が入れ替わったというだけでなく、ベースにおかれた本質的な価値観そのものが、はっきり黒人の側にあるということです。そしてそれを、白人も含めたあらゆるアメリカ人が違和感なく受け入れて、傑作コメディーとして楽しめるようになっているということですね。

一般の黒人にとって大いに違和感があったはずの『招かれざる客』と、誰にでも楽しめる『ゲス・フー／招かれざる恋人』。そういう視点があれば、『ゲス・フー／招かれざる恋人』は単なるコメディーではなく、もっと尊くて大事にしたくなる作品となるのではないでしょうか。

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招かれざる客

2007-08-20T08:13:00.000+09:00

『招かれざる客（Guess Who's Coming to Dinner）』（1967年スタンリー・クレイマー監督）

『真昼の決闘』『渚にて』などのスタンリー・クレイマー監督の問題作です。白人の女性と黒人の男性が結婚するにあたって互いの両親の理解を得ようとするという、人種問題に切り込んだ作品です。

アメリカにおける人種差別主義は、奴隷解放などではまったく解決せず、延々と消えてはなくならない社会問題ですが、アフリカ生まれとも見える典型的黒人のシドニー・ポワチエが主役を演じ、黒人の映画俳優としては初のアカデミー主演男優賞を受賞するにいたりました。

「アメリカ映画の父」といえば、サイレント期に壮大なスペクタクル映画を作ったデヴィッド・ウォーク・グリフィスですが、その代表作『国民の創世（The Birth of Nation）』（1915年）など観ますと、かの悪名高き白人至上主義覆面軍団のKKKを、解放された黒人たちの横暴を神に代わって懲らしめる正義のヒーローとして登場させていたほどでしたから、アメリカの映画界というのも元を正せば「白人偉い、黒人召使い」ぐらいにしか扱ってこなかったんですね。

1960年代にはマーティン・ルーサー・キング牧師やマルコムXらが出て黒人解放闘争も激しくなっていましたが、1965年にマルコムXが暗殺され、1968年にはキング牧師も暗殺されてしまいました。『招かれざる客』が公開された1967年とはそんな激動の時代でした。

もちろん白人がみなレイシストのわけもなく、むしろレイシズムを憎んだ人も多かったわけです。『招かれざる客』で娘が白人に嫁ぐことを反対した父親も、むしろ黒人解放には積極的で進歩的な人だったんですが、いざ自分の娘婿がとなると話は別という反応になり、その反応を、さてあなたは非難できますか？という、白人社会への厳しい問いかけをおこなったのが『招かれざる客』という映画だったんですね。

名作の誉れ高い『招かれざる客』ですが、現代の目で見て欠点をあげるとすれば、それはポワチエの演じた黒人青年が、優秀な白人もかなわないほどの名医であったという点、そして白人の生活習慣やマナー、態度について、並みの白人以上に心得ていて、違うのは肌の色だけだったという点です。

このような設定を欠点としたいのは、つまり白人社会の価値観に完璧に準じた人物でなければ、その黒人を一人前の人間とは認められないという前提があったということになるからですね。それではどこまでいっても白人優位は揺らがないのですから、当時白人優越主義に反発していた平均的な黒人たちからこの映画がどこまで支持されたかは疑問です。

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不夜城

2007-08-19T00:00:00.000+09:00

『不夜城（Fuyajo）』（1998年李志毅監督）

ベストセラーとなった馳星周の同名小説が香港映画の李志毅監督で映画化された作品です。

主人公の劉健一は、日本と台湾のハーフなんですが、同じく日本と台湾のハーフであるアジアの大スター金城武が演じました。そういえばうちの子供たちも日本と台湾のハーフ。なんだかあまり人ごとも思えない映画ですが、新宿は歌舞伎町に巣くうチャイニーズマフィアの暗黒世界を描いた作品なのでとてもじゃないけど近寄りがたい世界でもあります。

金城武は日本人のお父さんと台湾人のお母さんのもとに生まれ、日本語・台湾語・中国語・広東語・英語がぺらぺらです。映画デビューは香港での広東語作品ですから、まさに国籍を超えたスーパースターですね。

バブル絶頂の1980年代終わりごろから、日本には外国人が多く住み着くようになりました。戦勝国でも敗戦国でもなかった韓国人や台湾人は、それ以前から日本に住んでいたり、日本在住の親類縁者との間を行き来したりしていますが、中曽根政権時代からは、「留学生三百万人受け入れ」という大風呂敷が広げられ、主に中国からの留学生（大学進学のために日本で日本語を学ぶのは就学生）が大挙して押し寄せるようになりました。

中曽根さんは日本固有の性善説に基づいて戦前のようなアジアの大同団結を目指していたのかもしれませんが、1990年代には、就学ビザで来日した中国人が資格外活動（ビザ発給の条件を逸脱した活動）をするために、日本語学校などから雲隠れする人たちが激増。東京を中心として中国人の裏社会が築かれていったようです。私もちょうどその時代に日本語学校の教務主任をしていましたから、黒戸口（ヘイフーコウ＝中国語で「雲隠れした不法残留者」のこと）となっていく「学生」たちをたくさん見てきました。もちろん、そうはならないよう中国語による生活指導なども徹底しておこなってきたつもりでしたが、まさか彼らを鎖につないでおく権利もありませんから、一日４時間の授業時間を除いたら、彼らにはどこへでも出掛けていく自由はあったのです。

彼らのうち、男性の多くは単純労働に就くことが多かったでしょうけれども、新宿歌舞伎町のような歓楽街では、女性ならホステスなどをしたり、男性ならウェイターやぽん引きをして稼いでいます。2007年となった今でも、歓楽街を歩けば中国人のマッサージ師の女性などと中国語の会話を楽しむことができます。

『不夜城』には、そのような背景もあって日本の裏社会に存在するチャイニーズマフィアの世界が描かれていますが、原作はあくまでも世紀末風のハードボイルド小説ですから、どこまでも誇張と架空の世界が中心です。倹約家がほとんどであるはずの中国人の世界にはちょっと考えにくいことも出てきます。たとえば銃が容易に入手できそうに描かれていることですね。中国人どうしの殺人事件というのも多発していますが、闇ルートで大金を払ってまで銃を手に入れる中国人など滅多にいないと思われます。

歌舞伎町から大久保にかけての一帯は、確かに中国人が多いらしく、最近はどうかわかりませんが、中国のものなら何でも手に入るようになっていたようですし、日本の街に急に現れた中国人居住区のような、不思議な雰囲気があったものです。そんなところでなら、こんな冷血無比の悪党たちが暗躍していたとしても不思議ではないという時代背景はあったんでしょう。主役を演じた金城の無国籍な雰囲気が、映画の世界をなかなかリアルなものに見せてくれました。

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戦場のピアニスト

2007-08-18T00:33:00.000+09:00

『戦場のピアニスト（The Pianist）』（2002年ロマン・ポランスキー監督）

自身が幾多の逃亡経験をもつロマン・ポランスキー監督が、アメリカには戻れぬままアカデミー監督賞を受賞した、逃亡映画の傑作です。

「逃亡映画」なんていうジャンルがあるのかどうかわかりませんが、ナチスによるポーランド在住ユダヤ人迫害を描いた『戦場のピアニスト』は、あえてこの逃亡という視点で見たらいいのではないかと思います。

ポランスキー監督にはまず、ユダヤ系ポーランド人というアイデンティティーがあり、『戦場のピアニスト』の主人公で実在したピアニストのシュピルマンもまたユダヤ系ポーランド人です。

シュピルマンは、父母や弟妹とともにゲットーから強制収容所に送られるとき、機転を利かせた友人の助けによって収容所送りから逃れ、非ユダヤ系ポーランド人の友人たちにも助けられてワルシャワのアパートを転々として生き延びます。このあたりはまさに、1933年生まれの、まだ子供だったポランスキーが経験してきたことでもあり、お母さんを収容所で失ってもいるんですね。

ポランスキーは、アンジェイ・ワイダ監督の『世代（Pokolenie）』という1954年の作品に俳優として出演するところからポーランドで映画の世界に入りますが、その後わずか２分程度の短編作品に始まって映像作品を手がけるようになり、1962年の『水の中のナイフ（Noz W Wodzie）』によって西欧とアメリカの映画界から絶賛を浴びるに至ります。故国ポーランドでは十分な評価が得られなかったためにアメリカに渡って『ローズマリーの赤ちゃん』『チャイナタウン』といった名作を生み出すんですが、その間に妻を殺害され、自ら幼女暴行事件を起こし、アメリカからは逃亡することになったんですね。

呪われた映画監督、みたいな人で、ミステリアスでもあり、インモラルでもあって、不気味な人だと思うんですが、『戦場のピアニスト』というこの作品は、ポランスキーでなければ為しえなかったリアリズムが全編に溢れていて見応えがあります。

ナチスのホロコーストを描いた最近の作品では、スティーヴン・スピルバーグ監督の『シンドラーのリスト』という、これも非常に評価の高い作品があるんですが、残虐さが際だった印象が強いのは、スピルバーグ監督が戦後生まれでホロコーストを経験していないということもひとつの原因なのではないかと思ったりします。

それに対してポランスキーの描いたホロコーストは、むろん残虐さも描かれてはいますが、それ以上に、その災禍を生きたユダヤ人たちの人間性と、ポーランド人やドイツ人の個々の人々への、まっすぐな眼差しがなによりも強く表れていて胸を打ちます。その眼差しこそはまさに、当時を体験してきたポランスキー少年の眼差しそのものだったんでしょう。

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或る夜の出来事

2007-08-17T00:18:00.001+09:00

『或る夜の出来事（It Happened One Night）』（1934年フランク・キャプラ監督）

まずYouTubeで拾ってきたビデオですが、これは『或る夜の出来事』を編集して現代の曲をつけたものになっているようです。

1934年といえば73年も昔の昭和９年なんですが、そんなに古い映画のフィルムがまだ新作並みにきれいに保存されていて、現代の人々に愛され続けているという事実があるわけですね。日本ではとうてい考えられないことです。文化財のなんたるかをちゃんと理解しているアメリカがうらやましいと思わずにはいられません。同時代の日本映画など、すでに消失していたり破損していたりしますが、それはなにも戦争のせいばかりではなくて、映画会社が目先の利益ばかり追求してきたせいでしょうし、もちろん政治にも、それが日本の文化財になるといった発想がなかったことも大きな原因です。

クラーク・ゲーブルとクローデット・コルベールが演じた、ラヴ・コメディーの原点にして永遠の名作、それが『或る夜の出来事』です。ゲーブルもコルベールもこの映画でアカデミー主演男優／女優賞を受賞しています。コルベールは、ベティー・デイヴィスが受賞するものと思い、授賞式の会場には行かず、汽車でどこかへ行こうとしていたそうです。ところが受賞が決まって駅から会場へ連れてこられたというエピソードが残っています。

監督はこの作品でアカデミー作品賞を受賞したフランク・キャプラ。サイレント映画の末期に映画監督になった人で、1930年代には、『オペラハット（1936）』、『我が家の楽園（1938）』、『スミス都へ行く（1939）』など、戦後も『素晴らしき哉、人生！（1946）』などの名作を生み出しています。1897年の生まれですが、94歳になった1991年まで長生きされ、生涯に４つのオスカーを受賞するなど、この人もまたアメリカ映画を代表する映画作家のひとりですね。

『或る夜の出来事』公開当時、クラーク・ゲーブル33歳。クローデット・コルベール30歳。年齢的には落ち着いたところにある二人ですが、ちょっと無鉄砲ながら自分の道徳的な原則（principle）を曲げない新聞記者と、世間知らずでわがままな大富豪の令嬢という共に個性の強いカップルを、二人とも端々に幼さを感じさせるほど若々しく演じています。

超大富豪の令嬢ゆえにその恋人や結婚までが新聞のトップを飾るという、ほとんど王女様みたいなヒロインですが、家柄が良い悪いというのはつまり、どういう子育てをしているかということだというメッセージも、ゲーブル演じるピーターのセリフから伝わってきます。

ストーリーから何から面白くてたまらない作品ですが、驚かずにいられないものが細かいところにもいろいろと出てきます。
まず自動車です。長距離を走るボンネットバスも立派なものでしたが、道路には、日本なら昭和30年代ぐらいではないかと思うほどに自動車がぶんぶんと走ってます。1908年から1927年まで1,500万台以上を生産したＴ型フォードの時代を経てのちのことでもありますから、アメリカにはすでにモータリゼーションは始まっていたんですね。Ｔ型フォードを生産したころのフォードでは、社員に車が買えるほどの給料を支払っていたともいいます。
コルゲートの歯磨きがほんの一瞬出てきますが、今とロゴタイプが変わらないようです。
大手チェーン店ではありませんが、ハンバーガー屋、ホットドッグ屋も営業してます。やはり昔から食べていたんですね。
ガンジー（マハトマ・ガンジー）の名も出てきますが、まだばりばりの現役で塩の行進をやったばかりのころです。
最後の方では、オートジャイロという、飛行機にヘリコプターのプロペラがついた乗り物が出てきました。自家用飛行機というのは、アメリカではずいぶん昔から金持ちが所有してきたものですが、広い大陸ならではのことで日本では真似ができません。

とにかく驚くのは、アメリカ人の生活スタイルというものが、まるで現代と大差ないかのように成熟しているところです。ただそれは白人の生活に限ったことで、黒人はまだ平等とされるにはほど遠かったでしょうから、そうした暗い側面を忘れるわけにはいきませんが、とにかくこの時代にはすでに、現代の私たちが知っているようなアメリカができていたんですね。

それも少しは関係するのかもしれませんが、『或る夜の出来事』は、このまま今の時代に劇場公開してもどこにも古さを感じさせない素晴らしい作品です。ゲーブルもコルベールも、ともに大衆が忘れかけた伝説などではなくて、若い世代が新しい映画と同列に楽しむことのできる存在として生き続けているのです。同時代、つまり戦前の日本の映画スターはどうだろうと考えますと、完全に忘れられて若い人は聞いたこともないような名前ばかりですね。霧立のぼる、入江たか子、轟夕起子、高田稔、菅井一郎、藤田進なんてとうてい話題には出ませんし、そんな名前を知っているのは昭和初期までに生まれた高齢者かよほどの映画好きぐらいのものでしょう。だいたいフィルムがまともに残ってさえいないんですから。

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ルワンダ　流血の４月

2007-08-16T07:33:00.001+09:00

『ルワンダ　流血の４月（Sometimes in April）』（2005年ラウル・ペック監督）

知らないで済む問題ではありませんでした。

100日間で100万人が、「ゴキブリ」とされて殺されたという、あってはならない「歴史」。それはつい13年前の1994年、アフリカはルワンダでのことでした。

日本からはあまりに遠いからと思ってしまいがちですが、衣食足りている先進国の人間として、知るべきこと、知って当たり前のことが世界に起きているのです。それをなぜ知らないのかと考えてみれば、日々24時間続く低俗バラエティー番組に占拠されたテレビ放送が、日本人に深刻な国際問題をまったく伝えない、伝えても数行の“さわり”でしかなく、残虐さを完全に覆い隠してしまうのです。現実におこなわれている人道に対する罪については、さも日本人の目をそらすような報道しかなされていないのです。

『ルワンダ　流血の４月』は、2005年の作品であるにも関わらず、ビデオすら発売されていないそうです。ビデオを販売するということは、利益が見込めるという前提に立つわけですが、このような大虐殺があっても日々のニュース報道が知らん顔をしてきたわけですから、日本人一般が興味を示すだけの下地がない、だから売れないということになっているんでしょう。

WOWOWでも放送されたようですが、今月また、スターチャンネルで放送されています。スターチャンネルBSで、8月18日25時50分から、8月22日午前10時30分からです。是非ご覧ください。

映画冒頭の字幕を以下に訳します。（誤訳があったらご指摘ください。）

最後には、敵の発した言葉ではなく、友の沈黙だけが思い出されるであろう。−マルティン・ルッター・キング−

何百年もの間ルワンダでは、フトゥ族とトゥツィ族、さらにトゥワ族が、ひとつの文化、ひとつの言語、そしてひとつの宗教を共有してきた。
そこに1916年、ドイツからこの植民地を譲り受けたベルギーは、ルワンダの人民をいい加減な基準でフトゥ族とトゥツィ族に分類し、それによる厳しい階級制度を導入した。

トゥツィ族は、多数派のフトゥ族よりも上に立つことになり、それによってフトゥ族からの深い憎悪が生まれた。
1959年、ベルギーは植民地としてのルワンダ支配の実権を、多数派のフトゥ族に譲った。

1962年の独立後は、反トゥツィ族の組織化と虐殺が数十年にわたって続いた。
それにより、数十万人のトゥツィ族と、穏健派のフトゥ族は、国外に逃れることを余儀なくされた。

1988年、難民となったトゥツィ族は、祖国を取り戻すべく、ルワンダ愛国戦線（RPF）と呼ばれる組織を作った。
1990年、フランス軍とベルギー軍による制圧を受けたフトゥ族政権に対し、ウガンダからのRTFは攻撃を開始した。

内戦による死の連鎖と虐殺は1993年まで続き、国連の介入によって和平合意がもたらされた。
しかしフトゥ族過激派は、実権を維持すべく、和平協定に抵抗して歴史上もっとも残虐な大虐殺を計画した。

グッドナイト＆グッドラック

2007-08-15T00:00:00.001+09:00

『グッドナイト＆グッドラック（Good Night, and Good Luck.）』（2005年ジョージ・クルーニー監督）

アカデミー賞は多部門ながらノミネートのみでしたが、ベネチア映画祭で５部門の受賞に輝いた映画通好みの歴史ドラマです。

全編完全な白黒映画で、カメラはテレビ局のスタジオ内などの人物を至近距離から追い続けます。そうした手法によって、ともすれば舞台劇のようになりそうな脚本をドキュメンタリーのようにリアルな映画に仕立てています。

主人公はCBS放送のジャーナリストで報道番組アンカーマンのエドワード・R・マロー。全部が実話に基づいて作られていますから、マローも実在の人物です。日本人にはなじみが薄いですが、第二次大戦当時はラジオで、戦後はアメリカのテレビ草創期にCBSテレビで活躍して、「報道のCBS」という評価を得ることに貢献してきた人ですね。

この映画では、マローの残した功績のうち最も大きな事件について扱っています。それが、マッカーシー上院議員とのバトルです。

ジョセフ・レイモンド・マッカーシーは1947年から十年間上院議員だった共和党の政治家ですが、第二次大戦終結後、東西冷戦が始まったその時代に、アメリカ国内の共産主義者を中世ヨーロッパの魔女狩りのように攻撃、マッカーシーを批判する者にはすべて共産主義者であるとレッテルを貼って攻撃したので、触らぬ神に祟りなしとばかり、アメリカ国民が、自分も共産主義者と疑われやしないかと恐れたんですね。これが歴史の教科書にも出てくる「マッカーシズム」だったわけです。

なにしろ事実無根のことまででっち上げて「お前も共産主義者だ！」とやられますから、濡れ衣を着せられて職を失うなど、ひどい目にあった人が出てきました。そんな状況をなんとか正常に戻し、自由を取り戻そうと立ち上がったのが、テレビキャスターのマローとそのチームだったわけです。

映画では、当時のテレビ映像が出てきます。まだ白黒放送ですから、カラー映画にするとテレビ映像にリアリティーが不足します。それで全編を白黒映画にしたということもあるでしょう。テレビ草創期ですから、ビデオ録画装置ももちろんなく、取材は映画フィルムに撮影してテレシネというプロセスにかけます。番組スタッフが立ち回って生放送の番組を作る様子も描かれています。

資料映像や文書記録などが豊富だったためもあって、ここまで本物のようなリアルな映像が作れたんでしょう。当時テレビで流れた本物の映像そのものを使った場面も織り交ぜていますから、ウソを混ぜるわけにもいきません。それでどうしても、ドラマチックに盛り上げることは難しいことになってしまいますが、バックに音楽もほとんど入れず、脚色然としたメリハリも利かせずにリアリティーだけを演出しています。ただ唯一、番組スタッフが何度か集まるバーで、ジャズの生演奏と女声ヴォーカルが聴き応えのあるステージを披露してくれます。それが映画に極上の小休止を与えてくれていました。

テレビは何の役に立つのかと、マローは問いかけます。もっと考える時間を、議論する時間をテレビは提供すべきだと訴えます。

日本の民放テレビこそが世界最悪の放送を垂れ流しているわけですが、思考を停止させてくれるテレビがないと生きられなくなってしまったのは、決して日本だけではないんでしょうね。インターネットのおかげで思考する機会は増えてきていますから、多少はまあ改善されるのかもしれませんが、日本の民放テレビはとにかくひどすぎます。私は日曜の「笑点」ぐらいしか見ていませんが、テレビの番組表も知らず、テレビを見ない分だけ時間が有効に使えるのは確かだと思います。

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パーフェクトストーム

2007-08-14T00:00:00.001+09:00

『パーフェクトストーム（The Perfect Storm）』（2000年ウォルフガング・ペーターゼン監督）

もうやめてくれといいたくなるほどの、とんでもない嵐が襲います。あまりにリアルで、勘弁してほしくなります。きっとコンピューターで描いた画像なんでしょうけれども、どこがそうなのかわかりませんから恐怖に体がガチガチになってしまいます。

監督は、『ポセイドン』（2006年）でも同じように海の大パニックスペクタクルを作ってくれたドイツ人のウォルフガング・ペーターゼンです。1997年の『エアフォース・ワン』では、空の上でアメリカ合衆国大統領に格闘シーンを演じさせたつわものですね。

『ポセイドン』と『エアフォース・ワン』ではヒーローの活躍というものもありましたが、この『パーフェクトストーム』にはありません。強いていえば、沿岸警備隊が救出劇を演じるぐらいですが、史上最大の大嵐があまりにすごくて、海上にいる人間なんてどんな立派な装備をしたって手も足も出ないんですね。

体験型映画とくればスピルバーグ監督ですが、ペーターゼンさんも負けてはいません。どうかたっぷりと、嵐にもまれてあっぷあっぷしてください。結末も、普通のハリウッド映画に比べたら意外性があってグッドだと思います。

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カラテキッド（ベスト・キッド）

2007-08-13T08:45:00.000+09:00

『ベスト・キッド（The Karate Kid）』（1984年ジョン・Ｇ・アヴィルドセン監督）

邦題『ベスト・キッド』となっていますが、ぴんとこないので、原題通り『カラテキッド』に戻した方がいいんじゃないかと、激しく思います。せっかく「カラテ」という日本語が語源の単語がタイトルなんですから、そのまま『カラテキッド』としましょう。「ベストキッド」じゃわけがわかりません。

監督は、『ロッキー』（1976年）のジョン・Ｇ・アヴィルドセン。『カラテキッド』も弱かった主人公が強くなっていくドラマですから、作らせるならこの人だと思わせる実績があります。

主演のラルフ・マッチオは1961年生まれで、アメリカ公開当時22歳になっていましたが、童顔のためどこから見ても少年で、高校生の役がぴったりとはまっていました。その後『カラテキッド』は1989年のパート３まで出演しています。

この映画のもうひとりの主演は、カラテの師匠ミヤギさん（ケイスケ・ミヤギ）を演じたノリユキ・パット・モリタですね。1932年カリフォルニア生まれの日系２世で、日本との戦争中には敵性の日系人として収容所生活も経験しています。アメリカではコメディアンとしてテレビにも出演していたようですが、1976年の『ミッドウェイ』では、チャールトン・ヘストン、ヘンリー・フォンダ、ジェームズ・コバーン、グレン・フォード、ロバート・・ミッチャムら、絢爛たるオールスターキャストの中、日本軍の草鹿龍之介海軍中将を演じて日本人の目にも触れました。『カラテキッド』には1994年のパート４（The Next Karate Kid）で完全な主役を演じるところまで出演し、『カラテキッド』のパット・モリタとして、これが生涯の代表作となるに至ります。

2005年に老衰でなくなったとされていますが、まだ73歳。日本ではまだ若いといわれる年齢でした。息を引き取ったのはラスベガスのサンライズ病院という日本を象徴する名の病院でした。

そんな生粋の日系人が出演して成立した『カラテキッド』ですが、そこはアメリカ映画です。日本人の視点からこの映画を観ると、どうしてもなにかしっくり来ないというものを感じるかもしれませんが、この映画では日系人は一人暮らしの老人を演じたパット・モリタひとりですから、視点はあくまでもいじめられていた少年に据えて、少年がミヤギさんの指導でカラテの達人へと成長する過程を楽しみたいものです。

ミヤギさんは中古車販売業で、たくさんの古い車を在庫として所有しています。その車へのワックスがけを少年に命じ、それが相手の攻撃を封じる防御の技に必要な筋力トレーニングになるところなど、なかなかのアイデアに溢れています。空手の技として見れば、この映画では決してリアルな格闘シーンもないのですが、リベンジ映画としては、実に痛快な作品です。

ブルース・リーが切り拓いてくれたオリエンタル・マーシャル・アーツへの高い評価によって、このような映画を作ることができるようになったわけですが、アメリカ人やヨーロッパ人にとっては、香港人も日本人も区別なく、一括りに「アジア人」であるとか「東洋人」とされることがほとんどです。日本人と聞けば「カラテの達人かもしれない。」と思われることは、決して良いことばかりではありませんが、そんな偏った見方であっても、日系人主演の映画が作られるようになったことは、悪いことではないでしょう。

1985年の『イヤー・オブ・ザ・ドラゴン』では、アリアンヌ・コイズミが、カラテ抜きでヒロインを演じていますし、このころのアメリカ映画には、徐々に変化があったと見ることもできそうです。

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アラバマ物語

2007-08-12T00:10:00.001+09:00

『アラバマ物語（To Kill A Mockingbird）』（1962年ロバート・マリガン監督）

アラバマの田舎町で暮らす弁護士アティカス・フィンチとその子供たち、兄ジェムと妹スカウトの、1930年代初頭の物語です。原題は、原作小説の邦訳版題名である『ものまね鳥を殺すには』となりますが、「殺すには」というよりも「殺すのは」とした方が意味が通るようにも思えます。公正を貫く父親の姿を子供の視点から描いています。

アティカスをグレゴリー・ペック。この作品でオスカーを受賞しています。ジェムをフィリップ・アルフォード、スカウトをメリー・バダムが演じていますが、この映画の子役たちがみな一人前の俳優として見事な演技をしていることにまず驚きます。ちなみにメリー・バダムは、『サタデーナイト・フィーバー』などで有名な、あのジョン・バダム監督の、年の離れた妹です。

子供たちも見事ですが、この映画のグレゴリー・ペックは、『ローマの休日』などよりもはるかに魅力的で、これこそがアメリカの良心そのものと思わせるような、善良で清らかな、男としての真の美しさを体現しています。

また、この映画でたびたび取られた“背中に語らせる”手法も実に効果的でした。登場人物の誰ひとりとして印象に残らない人がいないというくらいに、みなが存在感に満ちています。映画監督としてなすべきことを、観客の期待をはるかに超えて提示してくるロバート・マリガン監督の手腕は、その後のアメリカ映画にも大きな影響を与えているようです。

フェリーニの『道』を紹介したときにも書いたようなことですが、この『アラバマ物語』を見ずして、アメリカ映画は語れないのではないでしょうか。映画のなしうる全てがあります。忘れがたい人々がそこにいて、いつまでも深く記憶に残るのです。

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失われた週末

2007-08-11T00:02:00.000+09:00

『失われた週末（The Lost Weekend）』（1945年ビリー・ワイルダー監督）

戦後まもなく日本でも公開された作品ですが、当時の日本人はこの映画でいろいろと驚くことがあったのではないかと思います。

まず、アメリカにおけるアル中（アルコール依存症）の存在と、それによる深刻な社会問題。アル中を収容する施設があって刑務所のようになっていることなど。過酷な戦争と敗戦で大変な暮らしをしていましたから、日本にまさかアル中は見なかったでしょう。

そしてそうした社会問題を扱いながら、あの戦争がまったく出てこない、戦争があったことすら感じさせない映画であること。どん底の日本人とずっと豊かなままのアメリカ人という想像を絶した国力の差も思い知らされたことでしょうね。

次に、アルコール依存症の主人公を助ける恋人を演じたジェーン・ワイマンの鼻の低さ。アメリカの白人でもこんなに鼻の低い人がいたのかと驚いたんじゃないでしょうか。これは日本の女性、とりわけ日本の芸能人に希望を与えたはずです。

さらにこの映画のリアリズムは、世界中の観客に衝撃を与えたはずです。レイ・ミランド演ずる小説家志望の男がアルコール依存症でどうにもならなくなるその症状の深刻さを描いてあまりにリアルでした。

アカデミー主演男優賞を受賞したミランドの演技と、同じく監督賞を受賞したビリー・ワイルダー監督の力量によって描かれた深刻な人間描写は、60年以上経った今でも褪せることはありません。ミランドが演技をしていることすら感じさせず、見ていて本当につらくなる世界がそこにあるのです。

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プライベート・ライアン

2007-08-10T04:08:00.000+09:00

『プライベート・ライアン（Saving Private Ryan）』（1998年スティーヴン・スピルバーグ監督）

人物を掘り下げて描くことに関してはいつも今ひとつと思えるスピルバーグ監督ですが、『プライベート・ライアン』では、最前線を行く兵士たちを描いて見事なものでした。

ノルマンディー上陸作戦、1944年6月6日のいわゆる「D−デイ」の場面から始まるんですが、ハンドカメラで安定しない映像は、本当の戦場そのものを描き出したといわれています。このような激しい戦闘の経験者にいわせると、あと匂いがあれば完璧に本物だというのです。頭上や脇腹をかすめる銃弾が豪雨のように降り注ぎ、周りの兵隊を次々に殺していきます。弾に当たれば血が噴き出し、爆弾に吹き飛ばされた手足も飛んできます。はらわたが飛び出しても死ねない者、ちぎれて飛んでいった自分の腕を探し回る者、泣きながら母を呼ぶ者、上陸した波打ち際は次第に血に染まっていき、累々たる戦死者の中、どうにか命を拾いながら前進していきます。

私も封切りの劇場で観ましたが、映像もリアルなら音もリアルで、D−デイの戦闘が終わるまでの冒頭二十数分間、ずっと全身が緊張していたことをおぼえています。『激突！』『ジョーズ』『未知との遭遇』以来続くスピルバーグ流「体験型ムーヴィー」の頂点ですね。

殺し殺されの場面が続きますが、最近の戦争映画では、敵側を必ずしも「悪」とは描かず、味方を「善」とは描かないようになっています。この映画でも、戦闘によるパニックの中、投降してきた敵兵を憎しみをもって銃殺するなど、兵士たちのおこないから理性が奪われる状況というものをよく描いています。

題名の「Private」というのは「兵卒」のことで、後ろに名前をつけて「○○二等兵」という意味になりますから、「Private Ryan」は「ライアン二等兵」という意味ですね。映画は、ライアン兄弟のうち最後の生き残りとなってしまった末っ子のジェイムズを、なんとしても故郷の母のもとへ送り返せという指令が出て、そのために危険な目に遭う小隊を描きます。

とにかく全編生々しく、リアルにすぎるぐらいにリアルです。どうしてここまで徹底的にリアリズムを追究するのか、そこまで見せるな、勘弁してくれと思った人も多かったはずです。しかしここまで描写してこそ伝わるものがあるんですね。こんな戦争でも、誰かが前線に立たなければならなかったということ、人間の思考レベルを上げるためにはやむを得ないことだったのかもしれないということです。

戦後の日本で、戦争は単なる悪であると結論され、思考を停止させられてきた私たちはつい、「戦争の愚かさ」といった、与えられた発想だけで停止しがちですが、愚かなのは戦争そのものではなく、一過性の熱病に襲われて思考が停止した政治家と民衆なのでしょう。思考が停止することそれ自体が愚かなのであって、戦争に負けたからとまた思考を停止するようでは、なにも学んではいないということになってしまいます。

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殯（もがり）の森

2007-08-09T08:33:00.001+09:00

『殯の森（Mogari no Mori）』（2007年河瀬直美監督）

とっても駄作です。

この映画が評価されたのは、第60回カンヌ国際映画祭。コンペティション部門で審査員特別賞を獲得。立派な業績には違いないでしょうが、カンヌ映画祭って、いつも「はぁ？」ってな作品が取り上げられます。よく言えば、芸術性の高い作品ということになってるんでしょう。しかしそれはあくまでも、フランスの映画祭である、ということを忘れてはなりません。

フランスという国は、映画はフランスが元祖だと思ってますから、国を挙げて映画芸術に取り組んでいます。国立の映画館もあるくらいです。で、そこで上映される映画の傾向として、マイナーなもの、という基準があるように思われてなりません。マイナーなものにしか芸術性を認めないというようなおかしな基準ですね。どうもフランスの映画通というのは、メジャーなものを毛嫌いし、誰も見ないようなものを真剣に見るという、いわゆるオタクというか、マニアというか、そういった傾向があります。

カンヌ映画祭でも、普通は見ることのできない作品が喜ばれるようです。普通じゃなければないほど良いという評価が得られるということもあるんでしょう。よくいえば、ありきたりの手法を嫌うということで、目から鱗の手法が好きなんでしょうね。

『殯の森』はそもそも、劇場公開すらされていませんでした。日本映画なのに、日本での初公開はカンヌで受賞した後、NHKの衛星放送だったというくらいです。興行的に悲惨なことになるのは目に見えているから、劇場で公開するなんて危険なことはしなかったんでしょう。どのみち誰も見てくれない。それが製作サイドでの見解でもあったはずで、だからこそNHKの衛星放送という、視聴率なんて取れなくたって全然困らないところで公開されたんでしょうね。

カンヌでグランプリ（審査員特別賞）と聞いて、なんなんだ？いちおう見てみよう、ということでご覧になった方は多いと思います。その感想は、見た人それぞれのもので良いと思いますが、ここでは私の個人的な感想を述べます。

稚拙。

脚本も行き当たりばったりで書かれたものに違いありません。誰かプロの人が手を加えたといった形跡はありません。
俳優も、主演に平然と素人を使い、その素人にあろうことか芝居までさせています。だから主人公が何者なのか、説明されなければさっぱり理解できません。

これを作った河瀬という人は、映画の「え」の字も知らず、プロを馬鹿にしている人でしょう。プロでなくたって映画は作れると、なんの根拠もない単なる個人的な思い込みから、本当のプロの価値というものが理解できない困り者だとみて間違いないと思います。きっとプロの厳しい現場で先輩方に鍛えられたこともないでしょうし、そんな目に遭うくらいなら自費で作ってやると無謀な行動に出るタイプだと思います。

とまあ、そんなところです。10点満点で、０点。

芸術家だって、最低限度の技術が必要です。その技術をしっかり自分のものとして、技術＝道具の使用を感じさせない作品を作るのがプロであり、本当の芸術家です。

技術なんかなくたって芸術はできるという「思想」もあるのかもしれません。しかし大衆の目をごまかすことはできません。

駄作紹介なので、DVDの紹介もなし。これを買うくらいなら、他にいくらでもいい映画はあります。

ターミナル

2007-08-08T00:05:00.000+09:00

『ターミナル（The Terminal）』（2004年スティーヴン・スピルバーグ監督）

これまでは10点満点で９点以上というぐらいの作品ばかりを紹介してきましたが、今回から、点数の低い作品についても紹介していこうと思います。

その第一回になります。

スティーヴン・スピルバーグ監督、トム・ハンクス主演、とくれば、普通は名作ができて当たり前というような気がして、これを観た皆さんも大いに期待して観たのではないでしょうか。私もそのひとりです。

どこがだめといって、まずストーリーが面白くない。登場人物の描き方が浅薄。これはスピルバーグがよく陥ってきた失敗の集大成というところでしょう。そして主演のハンクスですが、こんな役では誰が演じてもうまくいきそうな気がしません。

主人公のヴィクターは、政情不安な東欧の某国からニューヨークのケネディー空港へ降り立った人で、母国でクーデターが勃発し、国民の身分が宙に浮いたために、米国への入国が拒否されます。

だいたいそんなことってないはずです。まずこの根本的な設定が、誰にも解せないところでしょう。

ヴィクターがなんの目的で来たのかという点から観客の興味をずらすようにしてストーリーが進んでいき、ついにその目的が語られてみたら、なんだそんなことかという内容。ヴィクターが惚れてしまうスチュワーデスの人物も浅すぎて意味不明だし、空港職員の面々にもまるで親近感がわかない、印象に残らないという、映画監督がするべき仕事がちっともできていないんですね。

また、ジャンルとしてはコメディーになるんでしょうけど、ユーモアのセンスを疑うようなシーンが多くて、ちっとも笑えません。いったいなんの目的でこの映画を作ったのかさえわかりません。スピルバーグ終わったなと思った人が世界中にきっと多いはずです。

10点満点なら２点ぐらいでしょう。この映画は、まるでだめです。

DVDも、できれば他の作品を買った方がよさそうです。

イヤー・オブ・ザ・ドラゴン

2007-08-07T00:10:00.000+09:00

『イヤー・オブ・ザ・ドラゴン（Year of the Dragon）』（1985年マイケル・チミノ監督）

ミッキー・ロークとジョン・ローン（尊龍）がぶつかり合う、犯罪映画の傑作です。

実際のところどうなのか知りませんが、ニューヨークに暗躍する極悪非道のチャイナマフィアというのがいて、それを根絶すべく、自分の地位も、家族さえも危険にさらしてひとり奮闘するホワイト刑事をミッキー・ローク、一方で甘いマスクで世間を欺く冷血なマフィア幹部をジョン・ローンが熱演しています。

製作は1976年版『キングコング』のディノ・デ・ラウレンティス。『キングコング』にはジョン・ローンが中国人コック役で出ていたらしいのですが記憶にありません。脚本はこの翌年公開されアカデミー賞で監督賞はじめ４部門に輝いたあの『プラトーン』を作ったオリヴァー・ストーンが加わっています。

中国マフィアの守銭奴ぶりと極悪非道ぶりというのは、まあよく聞く話だったりもするのですが、『イヤー・オブ・ザ・ドラゴン』のジョン・ローン演ずるジョーイ・タイという男は本当にひどいやつです。血も涙もないという形容では全然足りません。悪魔というほどわかりやすくもなく、冷血漢というほど漢でもないという、どうにもならない化け物ですね。

こんな化け物がチャイニーズ社会の中で権力をもち、長老たちの忠告を嘲笑うかのように悪事の限りをつくしていきます。警察も手が出ないほどのことをやるんですが、そこに立ち向かう男一匹スタンレー・ホワイトを演じるのがロークです。ホワイトはベトナム帰りで、東洋系の人種に対する偏見をもったレイシスト（人種差別主義者）なんですね。

まあ、とにかく、怖い映画です。人間の姿をしながら、精神は完全に化け物と化している美男子ジョーイがとにかく怖い。ジョン・ローンが愛新覺羅溥儀を演じた『ラスト・エンペラー』は、この二年後の公開ですが、そのあまりに端正な顔立ちが、普通の人たちを寄せ付けない特殊な存在であることを強烈に印象づけるんですね。

『イヤー・オブ・ザ・ドラゴン』でちょっといただけないなぁと思ったのは、中国系テレビレポーター、トレーシーを演じたアリアンヌという人。私たち日本人の感覚からすると、ちょっとこれ、美人にはほど遠いんじゃないか？と心配になります。もちろん、女性は決して顔ではないわけですが、ヒロインを演じるような女優さんというのはたいてい美人だったり、人に愛される顔立ちだったりするものです。このアリアンヌさん、いまひとつ愛せません。

で、どれほどの女優さんなのかと調べてみますと、映画には４本、テレビに１本ぐらいしか出演作がないみたいです。中国系を演じていたのでてっきり本当に中国人なのかと思いましたら、アリアンヌ・コイズミ（Ariane Koizumi）というカリフォルニア生まれの日系のモデルさんだったんですね。それも完全に東洋系に見えるんですが、ご両親は日系とオランダ系だということで、おそらくお父さんが小泉さんだったんでしょう。身長が１メートル78センチ、スリーサイズが上から33-25-35（インチ）といいますから、スタイルが抜群でモデルになった人だと思われます。確かに、堂々としてますし、白人社会で周りを見下ろして生きてきたんだろうと思えるタフさも感じます。

映画の最後の歌は、テレサ・テンが日本で知られる前に台湾でヒットさせた「甜蜜蜜（ティエンミーミー）」という曲です。歌手（マイラ・チェン）はなにごともなかったかのようににこやかに歌うんですが、中国的でイノセントな歌が独特の余韻を残します。

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フォレスト・ガンプ一期一会

2007-08-06T00:08:00.000+09:00

『フォレスト・ガンプ一期一会（Forrest Gump）』（1994年ロバート・ゼメキス監督）

魅力的な主人公がいて、次の展開を知りたくなる面白いストーリーがあれば良い映画ができる。
『フォレスト・ガンプ』は、そんな定石から始まって、どこまでも丁寧に作られた、面白くてたまらない映画です。1995年度のアカデミー賞では、作品賞、監督賞、主演男優賞、視覚効果賞、脚色賞、編集賞の６部門に輝きました。

監督は、『バック・トゥ・ザ・フューチャー』３部作のロバート・ゼメキス。スティーヴン・スピルバーグとの仕事をしてきていますが、SFコメディーの『バック・トゥ・ザ・フューチャー』ですでに一時代を築いた人といっていいでしょう。

主人公フォレスト・ガンプを演じたのは、1956年生まれのトム・ハンクス。この映画の公開当時すでに37歳でしたが、主人公が高校時代のところから演じています。ハンクスは、前年にも『フィラデルフィア』でアカデミー主演男優賞を受賞し、２年連続での受賞となりました。

他の出演は、女手一つで息子を育ててきた強い母親をサリー・フィールド、主人公フォレストがベトナムに従軍したときの上官ダン中尉をゲイリー・シニーズ、フォレストの幼いときからの恋人ジェニーをロビン・ライト・ペン、ベトナムで相棒となり無二の親友となったババをミケルティー・ウィリアムスンが演じ、フォレストの人生に大事な人々となった各人物を、主人公同様に忘れられないものとしてくれます。

また、スクールバスの運転手としてほんのちょっとの出番でしたが、ショヴァーン・ファロンという女優さんも忘れられませんし、フォレスト・ガンプ２世を演じたハーレイ・ジョエル・オスメント（2001年の『A.I.』で主役のデヴィッドを演じた子役）は、まだ６歳ぐらいでしょうか。なんともかわいくてたまりませんでした。

さらに、特別出演がすごいです。エルヴィス・プレスリー、ジョン・F・ケネディー、ジョン・レノン、リチャード・ニクソンなどなど。ケネディーもレノンもニクソンも、本物が登場してハンクス演じるフォレストとの絡みを演じちゃってるんですから、いったい全体どうなってるのと驚くしかありません。

フォレスト・ガンプは、知能指数が80に満たないという少年。それでも母親が必死でがんばって、さらには奥の手を使って、普通の学校に入学させることに成功します。それからかわいいジェニーと仲良くなり、走るのがめっぽう速くなって、そのあまりの速さにアメリカン・フットボールのチームに招かれ、さらに大学でもフットボール選手として活躍･･･と、なにをやっても成功してしまうんですね。頭は悪いけど心は純真（イノセント）そのもので、無欲で従順な性格ゆえに、成功していくというストーリーです。

主人公のキャラクターも、ストーリーも、冷静に考えたらこんなことあり得ないというファンタジーなんですが、『フォレスト・ガンプ』は観客を作品世界にぐいぐいと引き込んで、これこそが真実で、最も身近に感じられる世界なのだと思わせてくれます。

最も重要なテーマとなるのは、イノセント（純真）であることの尊さでしょう。欲望の反対がイノセントであるとみれば、このフォレストほど純真なキャラクターもありません。

人は自分の知能によって純真さを失うといった考え方は、おそらくユダヤ教やキリスト教の聖書に出てくる「禁断の果実」からきているものなのでしょう。イノセントのままというのはつまり、その智慧を身につける前、つまり赤ん坊だったり幼児だったりしたころまでのことで、そこから知能が発達してくると要らぬ欲望も生じてしまう。そんな、なんとも単純で微笑ましい考え方ですが、キリスト教世界にはそんな考え方もあるんでしょうね。

『フォレスト・ガンプ』では、知能が不足している主人公こそが、道徳的に最も正しい判断と行動をし、恋人や親友への愛も、普通の人とは比較にならないほど大きいという設定になっています。知能があって余計なことを考えるから要らぬ欲望が大きくなって大事な人もまともに愛せない、といった意味にもなるんですが、それはまあ、映画を見終わった後からいろいろ考えたらそういうこともいえるというだけのことです。

いずれにしても、IQによって人の価値を決めてきたような面があるアメリカ社会というか近代文明というものに対して、こういう人もいるはずだというアンチテーゼを展開していると見ることもできますし、しかもそこに聖書の内容をはっきりと連想させるように作られているのですから、世界に向けたインパクトは相当なものがあったのではないでしょうか。

とはいっても、この映画はどこまでも観客を楽しませることを追究していて、主人公と、彼を取り巻く大事な人々を徹底的に深く描いています。1950年代から80年代までのアメリカ史をみんなで思い出しながら、極上のエンタテイメントがたっぷりと楽します。

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＊本物のプロについて

2007-08-05T09:38:00.000+09:00

以下は『フォレスト・ガンプ』のDVDでロバート・ゼメキス監督が語っていることです。

ドン・バージェスの天才ぶりを示す完璧な例がある。サウスカロライナに家を建てに行った時だ。美術のリック・カーターには明確なビジョンがあり、柱などの外観について私たちに説明した。家の大きさを杭とテープで示して見せた。川岸のどの辺に建てたいかということも。そこで撮影の年の三月に場所を確保したが、ドンは方位を測定するGPSを用意してきた。撮影期間をたずねるので四月からと答えると、家の向きを20度傾けろと言い出したんだ。そうすれば撮影時に太陽の光が最も美しく家を照らすからと。仕事熱心なカメラマンとはそういうものだ。その日に撮るシーンも把握している。「昼と夜とどっちだ？」と聞くやつは脚本を読んでない証拠だ。

タンポポ

2007-08-05T07:30:00.000+09:00

『タンポポ（Tampopo）』（1985年製作・監督・脚本伊丹十三）

1984年、51歳になった伊丹十三が初めて監督した『お葬式』は、それまで伊丹が見せてきた多彩な才能のすべてが動員され、結実し、非常に高い評価を獲得しましたが、その翌年に第二作として公開されたのが、この『タンポポ』です。

伊丹映画は、その本筋にまじめな社会問題などへの意識をもちながら、妻である宮本信子の軽やかなキャラクターを生かして、エンタテイメント作品としてとことん楽しませてくれるものです。

『タンポポ』は、食にまつわる伊丹の造詣の深さがふんだんに発揮されて、観るだけでもおいしいといいたくなるほどの作品になっています。

しかしそれでいて不快なエログロシーンを見せたがるので、せっかくいい映画なのに子供には見せられないという、なんとも馬鹿な作り方をしています。

伊丹にとっては、性的な描写というのが人間描写に欠かせないものだったんだろうと想像できますが、そうしたある種の快楽主義的傾向（作品の文脈に必要なさそうな性描写）が、義弟である大江健三郎いうところの「戦後民主主義」の実体だったんでしょう。事実、戦後になって進歩的な風俗を求めた若者たちのすべてが、単なる快楽主義であって、きれいごとでしかない大義名分を掲げて快楽の言い訳をしてきただけなのですから、「民主主義」が聞いて呆れるところです。敗戦によって学ぶべきことが山とありながらそこからは目を背け、きれいごとと個人的問題ばかりを追い求めてきたというのが、「戦後民主主義」だったのではないかと思えてなりません。

伊丹映画にも大いにその傾向が見られ、正直嫌悪感もあるのですが、そうしたことを横に置いて、映画作品としての質に目を向ければ、なかなかこれほど面白くて贅沢に作られた作品もないのではないかと思われます。

主演の宮本信子は、はっきりいって型どおりの演技しかしていないと思いますが、そのワンパターンの表情と身のこなし、アナウンサー顔負けのはきはきしたしゃべり（映画俳優のしゃべりとは対極にある話し方）が、伊丹映画にはなぜか一番大事な構成要素になっています。それはヒロインの人間としての生の存在感をあえて希薄なものにする必要があったのではないでしょうか。宮本はじめ、伊丹映画の登場人物には人間としてのリアリティーがありませんから、それはあたかも歌舞伎役者にあるような、様式に偏重した「演技」であって、普通なら映画俳優には不要のものなのですが、伊丹はあえてそれを好んだのです。

本来、映画に求められるものが演技だとすれば、歌舞伎や伊丹映画の役者がおこなっているのは“芝居”だということができます。

日本の演劇は、芝居という、遵守された様式の隙間から漏れ出るリアリティーを楽しむもので、他の日本映画にもその影響が色濃く見られるものが少なくありません。伊丹映画全体にもそうした傾向が強く、伊丹様式というべき様式があって、それに従って役者たちは、役者自身をアピールしながら登場人物でもある、という形で映画を構成します。本来なら登場人物になりきるべきところ、役者が役者自身を主張した芝居をするのです。

歌舞伎を例に出しましたが、1950年代前後のアメリカのミュージカルを代表とするミュージカル映画にもそうした様式があります。それがエンタテイメント作品を成り立たせる重要なルールのひとつだとすれば、伊丹映画もまた、細部のリアリティーを追求しないエンタテイメント作品であって、役者は歌わないながらもミュージカルに通ずるような表現手法をとってきたと見ることができそうです。

それはそれで面白いし、それだからこそ面白い作品ができるということがあるんですね。

『タンポポ』ＤＶＤ >>

燃えよドラゴン

2007-08-04T00:02:00.000+09:00

『燃えよドラゴン（Enter The Dragon）』（1973年ロバート・クローズ監督）

単に映画作品として見れば、『燃えよドラゴン』はいわゆるＢ級映画です。しかしひとたび映画というワクをはずしてしまえば、これこそが永遠の古典だということにもなるのかもしれません。

まずＢ級映画であることですが、それはつまり、主役のリーという人物の描き方に一貫性がないことなど、作品にツッコミどころがいろいろとあって、それが表現の稚拙さにもなっており、ちょっと致命的でもあるんですね。

一方で、それまで香港の大スターではあっても、アメリカをはじめとする世界での知名度はほとんどなかったブルース・リーというオリエンタルな俳優が、『燃えよドラゴン』での主演によって一躍俳優として有名になっただけでなく、映画のワクをこえての武術家として、また人間というワクすら超えての超人として、世界中に知られるようになったのです。

『燃えよドラゴン』の公開と同時に、ブルース・リー（李小龍）は伝説となりました。その「伝説」という言葉には、宣伝目的などの誇張はありません。

ブルース・リー：
1940年11月27日生まれ、1973年7月20日死亡。

『燃えよドラゴン』：
1973年7月26日、世界に先駆け香港で公開。
同年8月17日アメリカ公開。
同年12月22日日本公開。
西欧では翌年以降に公開。

まず、『燃えよドラゴン』の公開とその大成功を見る前に、リーが他界してしまったという大きな悲劇があります。死因は「脳浮腫」とされていますが、そこには謎も多く、様々な憶測を呼びました。

『燃えよドラゴン』で見られるリーの姿、リーのアクションは、それまでの映画の常識を超えていました。それまで見られた格闘シーンのすべてが、リーのアクションによって、すべてはっきりとウソ臭いものと感じられるようになったのです。リーの格闘シーンは、そのスピード感や美しさが、とても人間業とは思われないものでした。

さらにリーの経歴が知られるようになると、映画でのあの強さは、００７などのように映画の中だけの作り事の強さでは決してなく、武術家として頂点を極めた真の強さなのだと信じられるようになりました。スティーヴ・マックィーンやジェームズ・コバーンといったアメリカ映画の大スターたちまでが、かつてリーを師と仰ぎ、武術（マーシャル・アーツ）の教えを請うたという事実もよく知られるところですし、技に自信のあるカンフー使いたちの挑戦を拒むことなくすべて勝利してきたという話もあります。

本当に世界一強い超人的武術家が出演した映画、少なくともそう信じられてきた映画、それが世界を熱狂させた『燃えよドラゴン』だったのです。洋の東西を問わず、若者たちを中心に大ブームが巻き起こり、『燃えよドラゴン』以前に香港のゴールデン・ハーヴェスト（リー主演の映画によって急成長した映画会社）で作られたリー主演作も次々に世界で公開されて大ヒットとなっていますし、脇役でしかなかったアメリカのテレビドラマ『グリーン・ホーネット』までが編集されて劇場公開になるなど、いずれも他に例のなさそうなことばかりでした。

しかもこの熱狂は、公開から30年以上経った今でも続いています。これは世界の新しい文化であり、歴史であり、ひとつの宗教でもあります。

ブルース・リーは映画スターなどではなく、すでにスーパーヒーローの１ジャンルになっていると見ることもできます。ヘラクレス、孫悟空、スーパーマン、ブルース・リー･･･と。そのうち「ブルース・リーは実在したか？」なんて議論も出てくる時代にならないとも限りません。

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まるで新作映画のように、ブルーレイディスクなどの新メディア版も出ています。

ハスラー

2007-08-03T00:05:00.001+09:00

『ハスラー（The Husler）』（1961年ロバート・ロッセン監督）

名優ポール・ニューマン主演、ギャンブル映画の古典的名作です。

ポール・ニューマンは、ピクサーのアニメ映画『カーズ』（2006年）で、もと有名レーサーのドック・ハドソン役に声優として出演し、それを最後につい先日、引退を宣言しました。1925年生まれですから、もう80歳をこえているんですね。長い間、たくさんの作品で楽しませてくれたことに心から感謝したいと思います。

ポール・ニューマンは、ニューヨークのかのアクターズ・スタジオで、マーロン・ブランドやジェームズ・ディーンらと学んだ後、なかなか良い作品に恵まれませんでしたが、1955年の9月30日、ディーンが事故で亡くなってしまい、出演予定だった『傷だらけの栄光（Somebody Up There Likes Me）』（1956年、ロッキー・グラツィアーノというボクサーの伝記映画）の主役に抜擢されて、そこから映画俳優として高い評価を得るようになったようです。それまではマーロン・ブランドの亜流であるといった酷評もされてきたそうです。

『ハスラー』は、ビリヤードで金を稼ぐ若いギャンブラーの物語です。ポール・ニューマン本人も、アメリカ式ポケットビリヤードはかなりの腕前だったそうで、大勝負の相手となるミネソタ・ファッツを演じたジャッキー・グリーソンともども、プレイするシーンでは実際に自分で玉を撞いたと伝えられています。ただ１カットのみ、普通の人間にはできないような技が必要だったために、ウィリー・マスコーニという人が撞いたのだとか。

ドラマは、ビリヤードの天才プレイヤーであるエディー・フェルソンという青年が、ビリヤードのギャンブルで稼いだり、文無しになったりしながら生き方を模索していく過程を描いています。

当サイトでは「ギャンブル」というジャンルを設けていますが、ただ勝つか負けるかのスリルを描くだけではなかなか、名作といわれる作品にはなりません。やはりそこには心理、感情、境遇といった、登場人物を形作る複雑な要素を描ききることが必要です。しかしこのギャンブルという世界では、人間はみな丸裸を前提に捨て身の勝負に挑みますから、頼れるものはおのれだけという特殊な情況のもとに、人物の性格といったものが如実に表れてくるわけです。それだけに、人物描写がどこまで深く、あるいはどす黒く描けるかということが、他のジャンル以上に大事な要素になってくるのではないでしょうか。

とはいえ、それを簡単にしてしまう方法もありそうです。つまり登場人物を現実にはあり得ないような強靱な精神力をもった人ということにしてしまうことですね。ギャンブルに挑む人物の精神が、強ければ強いほど、演じる役者は楽ちんができる。どうやらそういうことは大いにありそうです。

となると、ギャンブル映画はギャンブラーの人間としての弱さをいかに描いているかという点が、成功の条件となるのではないでしょうか。『ハスラー』もその条件を満たす素晴らしい作品です。もしまだご覧でない方は是非。

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アメリ

2007-08-02T08:25:00.000+09:00

『アメリ（Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain）』（2001年ジャン・ピエール・ジュネ監督）

ジャン・ピエール・ジュネ監督とギヨーム・ローラン脚本という『エイリアン４』のコンビが作った、とてもユニークなラヴストーリーです。しかもこれは、正真正銘の、フランス映画なんです。原題の『Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain』は、「アメリ・プーランの素晴らしき運命」という意味になります。

主演は、『ダ・ヴィンチ・コード』で神秘的な女性を好演したオドレイ・トトゥ。公開当時24歳。『アメリ』はデビュー作ではありませんが、世界中で大ヒットして一躍有名になりました。フランス女優としては、もしかして、イザベル・アジャーニ以来の超大物女優ということになるんでしょうか。

アメリ・プーランという一風変わった若い女性がもつ少女の心を、映画は丹念に描き、また映画全体が、彼女の心の色そのもので彩られていきます。アメリの生い立ちからなにから描いていくのですが、いろいろと普通でない境遇があったために、彼女には人に知られぬ密かな楽しみがいろいろとあります。ちょっと引き籠もり気味ではあるんですが、決して暗くならず、それでいて何も語らず、ただ彼女の独特の方法でのみ、人々と関わって生きています。

運河の水面で楽しむ水切りも彼女の趣味のひとつで、いつもポケットには平たい小石が入っています。普通なら、広い水面があって、手近に小石が見つかったときにするものですが、それをちゃんと常に準備しているところが、立派に趣味となってるわけですね。

そんなふうに、密かな楽しみというものをひとつひとつ大事にして生きていくわけですが、年ごろですからそろそろ相手も見つけないとなりません。ダーウィンの説にある通り、メスがオスを選ぶものであって、その逆はいただけない。そんな理論をしっかり下地にしているかのように、アメリは彼女独自の方法でオス選びという、メスにとって最も大事な行為にも挑んでいくわけです。しかもまったくの寡黙で。

こんなにおしゃれでヒッキー（引き籠もり）な作品が生まれてくるのは、フランス映画ならではといえそうです。これがもし、ニューヨークを舞台にした英語の映画だったら、ここまでユニークで味わい深いものは作れなかったのではないでしょうか。

これもまた、永遠のライブラリに加えたい傑作中の傑作です。

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グリーン・マイル

2007-08-01T00:01:00.000+09:00

『グリーン・マイル（The Green Mile）』（1999年フランク・ダラボン監督）

電気椅子による死刑執行をおこなう刑務所に勤務するポールという看守主任の視点から描いた恐ろしくも悲しいファンタジーです。

原作は、超常現象サスペンスを得意とする、偉大なるスティーヴン・キング。監督と脚本は、同じスティーヴン・キング原作の『ショーシャンクの空に』でも監督と脚本を担当したフランク・ダラボンです。他にも『ショーシャンクの空に』のスタッフが多数参加していますから、ともに刑務所を舞台としたこの二つの名作を見比べるのも味わいを深めることになるでしょう。

ポールは百歳をだいぶ昔に超えているという大変な長寿の老人なのですが、彼がまだ若かった1930年代、ジョン・コーフィという、体のとても大きな黒人死刑囚が収監されました。コーフィは死刑が宣告された身でありながら周囲の人々の心を清めるほどの優しさをもち、不思議な魅力に溢れていました。

これ以上書いてしまうと、映画の面白みを損ねてしまうので書きませんが、アフリカ系アメリカ人への差別と偏見が強かった時代、刑務所で生まれて初めて映画を観て涙を流すコーフィという人物を、マイケル・クラーク・ダンカンが見事に演じています。アカデミー賞にもノミネートされましたが、『サイダーハウス・ルール』のマイケル・ケインがさらってしまいました。どう考えたってマイケル・クラーク・ダンカンの方がすっと上だったと私などは思うんですが、自分の不幸を意に介さず他人の幸福を喜んだジョン・コーフィ同様に、ダンカンはケインの受賞を祝福したことでしょう。

この映画を「ファンタジー」とジャンル分けしましたが、ヒューマンドラマとしても、サスペンスとしても、非常に質の高い作品です。こんなストーリーが書けるキングという作家には、神がいったいなにを理由に贔屓してこんな才能を与えたのかと思いたくなります。

キング作品には、彼の宗教観、あるいはアメリカ人の宗教観というものが下地としてありますが、『グリーン・マイル』でもそれがはっきりとした形となって描かれていることがとても興味深いのではないでしょうか。単純に一神教であるとかキリスト教であるといったワクだけでは説明できない部分があるようです。

『グリーン・マイル』主演はトム・ハンクス。『フィラデルフィア（1993）』、『フォレスト・ガンプ一期一会（1994）』、『プライベート・ライアン（1998）』など名演を続けていますが、『グリーン・マイル』でも、自らの置かれたつらい立場に揺れ動く善良なるキャラクターを演じて、観客を作品世界にぐいぐいと引き込んでくれます。もちろん自らの演技で観客を感動させる技量を十分にもっていますが、彼の本領は観客に感情移入させる力にあるのではないかと思います。

ハンクスの演じた看守のポールですが、百歳を超えた老人の役は、ダブス・グリアという、『グリーン・マイル』公開当時82歳の俳優が演じています。トム・ハンクスが老人になったらきっとそんな顔になるだろうと思わせる顔立ちで、ハリウッド得意の特殊メイクなのかと思ってしまいました。

ダブス・グリアは、主にテレビドラマの脇役で活躍してきた人で、日本でも放送されていたテレビドラマでは、1950年代から制作された『スーパーマン』、『ライフルマン』、『ペリー・メイスン』などにも出演していたようです。ダブス・グリアは、90歳を迎えた今年四月に他界しています。日本でいえば初盆になるんですね。ご冥福をお祈りしたいと思います。

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失楽園

2007-07-31T00:09:00.000+09:00

『失楽園（Shitsurakuen）』（1997年森田芳光監督）

「息をのむ究極の愛」なんて、予告宣伝ではうたっていましたが、私たち日本人はこの二人をいったいどう見たんでしょう。

二人というのは、ベストセラーともなった原作小説の渡辺淳一によって生み出された久木祥一郎と松原凛子です。妻子ある久木と夫のある凛子は、不倫というわりと今風の行為に走り、頻繁に情痴に耽るようになり、仕舞には駆け落ちに心中という、わりと古風な結末を選びます。

良き妻と可愛い娘に恵まれていた久木を役所広司、「凛乎たる態度」というときの「りんこ」の「乎」を「子」に変えたという、なんとも勇ましい名前の女性を黒木瞳が演じました。なかなか濃厚な絡みのシーンでも話題になりましたが、作者のいいたかったことは、なにも決して、これこそが愛だなんてことではなかったんだろうと思います。

相手の存在を積極的に肯定することが愛であると、子供の時分にそう教わったことがありますが、とかくこの時世、相手を求める情動のことだと誤解したがる輩が後を絶ちません。

その感情が落ち着いてくると「冷めた」といって別れてしまったり、また衝動のおもむくまま別の相手と深い仲になったりといった、まるで幼稚園児が局所だけ立派になって後尾解禁になったような世の中になってしまった感があります。そんな幼児から生まれた子供が、虐待を受けたり、パチンコ屋の車に放置されたり、給食費を払ってもらえなかったりするわけですね。

愛すべき相手を肯定するよりも、まず自分を肯定するのが前提になっているなんてのは、人間として最低です。そんな常識を教えてくれる人も少なくなったんでしょうね。

とまあ、そんな愚痴はやめにして映画の『失楽園』です。

森田芳光さんという人は、なかなか素晴らしい映画監督だと思います。人物がしっかり描けているという点がまずしっかりクリアされています。テレビドラマをまったく見ないのでわかりませんが、役所広司の代表作となったんじゃないかと思いますし、脇役で出ている寺尾聰も、７年前の黒澤作品『夢』とはまったく同一の俳優とは思えないほどに、実にいい味を出していて印象的でした。久木の奥さんを演じた星野知子も、出番は少ないのにその微妙な表情でしっかりと記憶に残ります。私なら、どう考えたって凛子よりあの奥さんがいいのになあと、悔しくてたまりませんでしたから、それだけ映画が深いところを鋭く描ききっていたんだと思います。

この映画が非常に優れた作品であることに間違いはないと思います。中年男女の狂ってしまった方向感覚というものを実に悩ましく伝えてきてくれましたし、私たちが禁断の果実というものと常に隣り合わせに生きていることを知らされてはっとします。

大人による大人のためのファンタジーとして見れば、これほどリアルな作品もないのではないでしょうか。

しかし心配なのは、愛を誤解する幼児がさらに増えないかということですね。「十八禁」なんてことをいわず、この作品だけは「三十七禁」ぐらいにしといてもらわないといけません。

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